Disco Rayado

Shape of Despair- Angels of Distress

2010-07-23T11:37:00.003-05:00

Estos días lluviosos acompañalos con un poco de música y buenas imágenes.

Julius Eastman - Unjust Malaise

2010-06-15T19:26:00.002-05:00

Seguimos vivos, sí señor, sólo que con vario compromiso. Para demostrar nuestra vitalidad les dejo aquí una de las obras / compilaciones más chingonas en la historia del minimalismo. En realidad quiero dejar el texto corto, como siempre debido a que ya hice algo más largo en otro lado, pero con decirles que Eastman fue el primero en 'contaminar' al minimalismo con la irracionalidad del pop y del ruido así como con la punta cortante de la política. Quiso reapropiarse de la palabra 'nigger' como algo positivo, como parte de un mito fundacional sobre una comunidad que enactuaba el misticismo servicial de Juana de Arco, compuesto por el 'afuera' de los locos, los vagabundos, los homosexuales, los de una raza oprimida. Por supuesto, en diferentes fases él fue todo eso, y como activista puso en práctica todas sus creencias en forma musical. Así, enfrentamos una música insistente, brillante, y ordenada que sucumbe bajo su propio peso racional: en "Stay On It" el ruido la resquebraja, se la traga y la digiere... al expulsarla, por no decir cagarla, vuelve al mundo transformada en algo más suave, más femeninamente comunicativo, más honesto y más sensible ante la posibilidad de disolverse en el silencio.

En otras palabras, amigos, este disco(s) de tres horas (así es, tres horas de lo más chingonas) rockea más duro que Alex Lora y Dave Mustaine colaborando en un soundtrack de película porno.

Disfruten, y transfórmense conmigo.

Desata los callejeros perros de la justicia

Feigur - Posthumous Remorse

2010-05-07T16:42:00.002-05:00

Canciones como la que escucharán (o están escuchando), me llevan a pensar en lo motivos y las condiciones desde donde nacen, el contexto de la vida/muerte que las rodea, así como el motivo de las personas para llegar interpretar cosas así. En lo personal, es una canción que realmente transmite emociones al milite, al borde de lo sensitivo, como si pretendiera después destruirse a sí misma.

A manera de tributo.

2010-05-02T11:21:00.005-05:00

Tal vez es un poco tarde para ofrecer condolencias, aun así lo hago. La verdad no conozco mucho de esta banda, pero me encanta esta canción, es un poco larga, pero me parece que vale la pena. Descansa en paz, Peter Steele.

Un par de bandas más

2010-04-07T12:26:00.002-05:00

Para seguir en la onda metalera en la que andamos, les dejaré un par de discos bieeeen bieeen chidos y divertidos.

El primero es de una banda chilena que se llama Coprofago (para asustar señoras y señoritas cuando les pregunten '¿y qué música escuchas?'). Es una banda excelente en técnica y grandilocuente en composición: los ritmos son bizarrísimos, marcados a cada momento por guitarras super crunchy casi a la Stravinsky. Las transiciones entre ritmos son muy sutiles, y es curioso cómo la banda tiende una trampa de jazz que se revela siempre cuando ya nos estamos clavando en el ritmo puro; se aligera todo y comienza una melodía o un riff sacado de Pat Metheny o algo así sólo para ser destruida por el crunch y por las voces segundos después.

No piensen tanto en riffs, sino ritmos, como si escucharan Meshuggah sin llegar a los momentos hiper-técnicos de tedio (Nota del editor: Meshuggah es todo menos, pero espero sepan a lo que me refiero). En fin. Traen un rollo de creación del cosmos bastante interesante, porque es una idea matemática más que astrológica, aunque aunada a la vieja idea del caos primordial ('Dios flotaba sobre las aguas' y todas esas mamadas). Caos = violencia + momentos de fluidez aparentemente anárquica pero por completo racional.

Empújame de la orilla

El segundo disco es de una banda británica más o menos nueva (se formaron en 2005 y sacaron este disco en 2008) de thrash metal. Y estamos hablando de thrash metal del chingón, del old-school, tipo Reign In Blood y Exodus y hasta Peace Sells... Este es el disco que Slayer debía haber hecho hace ya tiempo y que por alguna razón se encuentra imposibilitado de hacer. El vocalista es medio peneque, eso sí, pero no le hagan mucho caso y ya. Fuera de eso, está de huevos. Van a sentir sus niveles de testosterona subir y van a querer ver el mundo en llamas y todo eso. Aquí sí, el riff es el amo del universo, así que cuando empiece, ya saben que es tiempo del air guitar y del headbanging severo. Chínguenselo, disfrútenlo, y vayan a destruir algo el día de hoy.

Damn me to destruction

Nazxul - Stain of Harrow

2010-03-21T11:14:00.003-06:00

Siguiendo los pasos de mi compañero, me gustaría que escucharan esta banda. En lo personal me gusta mucho. Siempre es muy simbólico escucharlos; transmiten cosas que entiendo, pero lo que más inquietud me genera, es lo que no puedo comprender.

Altar of Plagues

2010-03-07T14:52:00.002-06:00

Un pequeño video de una banda post-metalera de lo más chingona. Esta rola me provoca erecciones múltiples en lugares donde no debería haberlas. Enjoy.

Ligeti - Artikulation

2010-02-27T14:42:00.001-06:00

Un video ya bastante difundido pero que nunca perderá el estilo:

After the break

2010-02-14T13:45:00.002-06:00

Jóvenes delincuentes: me he encontrado muy ocupado y/o distraído por diversas actividades y por eso no había posteado nada en el blog. Como siempre, haré una serie de cortos breaks con videos (la salida fácil, oh yeah) para que no vean esto vacío.

Bohren & der Club of Gore es una banda alemana de extremadamente alto calibre que se asocia y asemeja a la estética del 'darkjazz' del ensemble dual Kilimanjaro/Mount Fuji. Repleto de electrónica apoyada en ritmos lentos y extensos, esta es música para contemplar el vacío. Hay toda una serie de discos al respecto, así que los dejo rápidamente con este video para que lo demás lo hagan ustedes por curiosidad.

Que tengan una deprimente y opaca semana, amigos. :)

Circulasione Totale Orchestra - Bandwidth

2010-01-13T12:11:00.002-06:00

Señoras y señores, perros y ranas de nuestra honorable comunidad, les presento uno de los mejores discos de free jazz que han caído en mis manos en los últimos tiempos. Se pelea con el concierto de Anthony Braxton de hace dos años como mi disco/momento favorito de free jazz ever (sí, incluyendo Ascension de Coltrane).

Liderados por el clarinetista Frode Gjerstad, el colectivo de Circulasione Totale ha existido desde 1984 como una celebración de la improvisación en vivo. Por su roster han pasado todo tipo de personajes ilustres del free jazz de generaciones pasadas y presentes, como Bobby Bradford (no mamar, punto final), el baterista sudafricano Louis Moholo-Moholo y hasta el noisemeister noruego Lasse Marhaug (Jazkamer, motherfuckers). Por supuesto, la presencia misma de cada uno de los VIP's es más o menos inconsecuente; lo que importa, hablando ya en términos de this thang called jazz, es lo que hacen en comunidad. Para hacerles el cuento corto, es tan pinche brillante que después de tres horas de flujo instrumental quiero volverlo a escuchar todo. En teoría son tres CDs divididos en dos obras, pero el link que les pasaré obvia eso y pone todo seguido (modalidad de escucha digital, haha).

Lo demás que tengo que decir al respecto de este maravilloso disco lo diré en una reseña para JM que será publicada la próxima semana, si es que gustan saber más de mi opinión y esas cosas. Como las posibilidades de ello son mínimas, haha, sólo les diré que hay partes noiseras bien cabrones así como momentos de reflexión atonal muy bien balanceada entre silencio y gestos cortos tipo Takemitsu, and everything in between. En fin, los dejo con este monumento del jazz contemporáneo.

Reveal to me the spirit of our times

Gloria Coates - 5 SQ's

2009-12-06T13:14:00.002-06:00

Gloria Coates es posiblemente una de las mejores y más importantes compositoras de nuestros días. Si pueden, chequen su Wiki; se ve que es de esas personas que son interesantes como pocas, con creatividad y personalidad de sobra. Para mí, sus composiciones trabajan en los dos niveles de universal - particular, pues una pieza puede sentirse triste en los gestos rápidos, casi inconsecuentes del aquí y el ahora, pero serena en un plano mucho más amplio que incluye al anterior. No sé, es difícil de describir, y espero que les guste. Lo subí a petición de un cuate de lastfm que me preguntó sobre la música de Coates y le ofrecí este disco y otro que pueden encontrar fácilmente con una búsqueda y que trae tres de sus sinfonías. Como este de los cuartetos creo que no está en ningún otro lugar, aprovechen y chínguenselo. :D

Buh-bye!

Let me express myself, abstractly

10 Portadas Terribles

2009-12-02T13:38:00.004-06:00

En la pequeña sección de "Portada de la semana" pongo siempre puras portadas que me gustan, por cualquier razón. De algunas me gustan los colores, de otras la composición, de otras las ideas que evocan, y así. Entonces ¿qué hay de las portadas que no me gustan? Las hay muchas, y puedo decir con un módico de certeza que son además terribles, malas, feas, y whatnot. Ahora que es fin de año y que seguramente predominarán las listas de todo tipo en los sitios de música (y que de hecho ya lo hacen - gracias Pitchfork por acelerar el paso a mediados de septiembre... novatos attention whores), quería dejarles un post lleno de diversión y repulsión, con 10 de las portadas que me parecen de lo más horrible que ha existido en la historia de la música popular. Por supuesto, no conozco TODAS las portadas del mundo y seguramente habrá miles más ahí afuera que son todavía peores, pero las que les enseñaré dudo que se queden atrás.

En un orden no jerárquico, BEHOLD:

a) Sepultura - Schizophrenia

Qué asco de portada para el que es posiblemente el mejor disco de Sepultura... Jesús alias el Cristo, parece que le dijeron "dibuja un Inca al que lo atosiga el diablo" al hermanito de Max Calavera y le dieron un bonche de crayones de colores básicos. "Sale chavito y si le puedes poner algo chido, así como que toda la escena ocurriera... digamos, dentro de... una cáscara de huevo rompiéndose, estaría chido."

b) Can - Ege Bamyasi

Ha,ha,ha pero qué inteligente referencia al arte pop, a sí mismos, y al consumo de verduras enlatadas. Sí, sí, la experiencia psicodélica está en todas partes y bla bla we get it, pero qué no había algo mejor con qué expresarse? Una lata de salsa, tal vez? No, tenía que ser una lata de whatever that shit is, que seguro es la verdura culpable de todos los males de Alemania.

c) Fear Before The March of Flames - Art Damage

Metalcore del peor tipo: aburrido, pretencioso, y barato como las de Insurgentes. La portada es un exacto reflejo de la música en esos mismos términos, excepto que podemos agregar 'color caca de perro post-caldo de cerdo y para niñas como ustedes'. ¿Y qué chingados hacen unas palmeras ahí? ¿Debemos esperar un cameo de estos pendejos en CSI Miami?

d) Mew - No More Stories [...]

¿Alguna vez se preguntaron qué pasaría si dibujaran un huevo feliz sobre una foto de una mariposa? Mew tiene la respuesta. Además, tuvieron el buen gusto de que la nariz de un gran huevo feliz azul fuera a su vez un huevo feliz rosa. El cual a su vez tendría una nariz de huevo feliz verde si no es porque la mariposa interrumpe con su pinche cola y la imagen se convierte en un embarradero. Así, el huevo feliz azul con pestañas de ala de mariposa se convierte en un fractal. Fuckin' awesome... NOT.

e) Ohm - Circus of Sound

No podían faltar las bandas de progre o jazz fusión para completar una buena colección de portadas asquerosamente graciosas. A este payaso del infierno super efecteado en photoshop sólo le falta una mesa de billar en la que los palos tienen picos y que cada vez que metes una bola se muere alguien a tres cuartos de distancia para que sea un buen promocional de SAW LCXVII. Y sangre, mucha sangre. No sé qué estaban pensando estos weyes cuando dijeron "ya que nuestro disco se llama circus, pues hay que meter algo así chingón como un gigantesco oso de peluche... o un tino al blanco... o ya sé, un payaso maligno de Dark Carnival!"

f) Overkill - Feel the Fire

Sí que lo siento, hermanos. En mis pantalones.

g) 24-7 Spyz - Heavy Metal Soul By The Pound

Nigga knows how ta use Powah Point, yo. Sí, soy bien racista y así. El punto es que esta gran banda funky tenía que contratar al abuelo Mike o algo así para hacer la portada de este disco, que incluye una maceta, una pata de pollo, y la Impact font curveada para efectos dramáticos. Todo en un fondo de... hojas secas? cigarros? mierda de caballo? THE WORLD SHALL NEVER KNOW.

h) Cactus - Cactus

Pure unadultered Male Power, motherfuckers, directo del ViewMaster 5000.

i) Led Zeppelin - Led Zeppelin III

Si esto es la idea de psicodelia que tenían los de Led Zeppelin, no me gustaría saber cuál era su idea de "heavy metal". La Z está sonriendo con amplias caries meientras un falo invertido le echa algo así como mayonesa encima. El III tiene estrellitas como de esas que se pone Thalía en su decréptia, anciana jeta y todo lo demás apesta a que les gustó "Yellow Submarine" de los Beatles y veían la película cada dos días y se reían de Las Cómicas Situaciones Disparejas. I mean, ¿qué chingados es esa cosa café que está sobre la doble p? ¿Un muffin podrido? Pffft.

j) New Order - Get Ready

Un ser andrógino tomando video, porque, you know, tienes que ponerte listo y ese weyvieja te va a filmar. Más allá de que quien haya diseñado esta portada se haya creído un constructivista ruso (una línea roja horizontal + verticalidad del niñ@ + confrontar al espectador, GU-a-U!!!), hay una total ineficiencia de la imagen que me hace querer chillarle a Billy Corgan diciéndole que todo esto es su pinche culpa. Más si, después de todo, es un disco plano y de hueva. Gracias, New Order, por ser tan losers.

Bien, eso es todo por hoy. Luego les pongo más portadas horribles, porque la verdad es que sobran, y eso que no estaba contando las portadas con fotos de la banda en poses sugerentes y cosas por el estilo. Hay portadas con fotos de las bandas que son chingonas, como la de Louder Than Love de Soundgarden, pero en general son péééééésimas. Catch ya later!

Breve interrupción

2009-11-11T22:10:00.001-06:00

Miren este sitio, está bien divertido. Armas un festival con tu cuenta de last.fm:

http://fantasyfestival.last.fm/

Have fun!

Música de Bali

2009-10-13T16:17:00.002-05:00

Para seguir en el rollo en el que estamos desde hace un par de posts, les dejo un par de videos de música de gamelán de Bali que me gustan mucho.

Quería ponerles unas piezas de Lou Harrison para que compararan pero no hay en YouTube. Igual no hay pedo, les subiré un disco pronto para que puedan hacerlo y disfrutar de las reinterpretaciones occidentalizadas más sensibles que pueden encontrar. Lou Harrison es de mis compositores favoritos un poco por eso. Catch ya later!

Wu Fei - A Distant Youth

2009-10-12T11:14:00.003-05:00

Ahí les va mi mejor reseña ever (y tal vez la mejor que leerán ever): Wu Fei es una hot chinese chick que toca esa como arpa horizontal tradicional (china, duh) que se llama guzheng y hace cosas bien modernas en compañía de personajes como Fred Frith y Carla Kihlstedt. Cute, smart, & interested in art - what the fuck else would you want from yer woman??

Modernízame

(Many thanks to By Chance Upon Waking for the upload)

La música no es el lenguaje universal

2009-09-22T12:35:00.003-05:00

Todos, en algún momento de nuestras vidas, nos hemos encontrado con o hemos pensado en el viejo lugar común de la universalidad de la música. Hace algún tiempo yo decía que el problema estaba resuelto (y trabajo me costó), pero en los últimos meses he visto repetido el asunto en varias formas.

Idealizar a las artes es algo recurrente, sea como vehículos de una experiencia superior/trascendental (en términos de música podemos pensar en todos los tipos de exaltaciones de la 'clásica' o académica previa al siglo XX o al expresionismo de Schoenberg; una experiencia que finalmente bordea con lo banal, ya que casi siempre está relacionada con música socialmente asimilada como 'gran arte' y que, a menos que la enfrentemos con los pies en la tierra, presenta una ilusión de vitalidad en extremo poderosa), como lo contrario (pensemos en Bob Dylan y el movimiento folk), o como un elemento de unidad universal entre todas las poblaciones del UNIVERSO CONOCIDO Y LA UNIÓN DE IMPERIOS INTERGALÁCTICOS. Pero "todos hacen arte" mis huevos, empezando por el hecho de que la palabra 'arte' tiene treinta y cinco mil doscientas cuarenta y siete connotaciones e implicaciones, algunas distintas y otras no tanto, tan sólo en Occidente, donde a final de cuentas se inventó el término.

El discurso de la universalidad de la música (y aquí voy a sonar bien académico, pero x) es como otros tantos discursos con base en la Ilustración y que a lo largo del tiempo se fueron revelando como dispositivos de control ideológico que funcionaban a partir de la exclusión, la discriminación, y la sujeción. El New Age y la World Music son consecuencias directas de ello, echando mano tanto de la ingenuidad hippie (en el primero) como de la industria internacional de la música (en el segundo). Ambas son occidentalizaciones de música 'exótica' por naturaleza que descontextualizan su significado y origen, dejando sólo un vacío profundísimo. Mientras que a principios del siglo pasado numerosos compositores se dedicaron a la integración de músicas locales o de distintas etnias con un estilo derivado en su totalidad de occidente, su búsqueda tenía en principio la subversión de la rigidez de tal estilo y la 'elevación' de lo folclórico. El respeto de Lou Harrison por la música de Bali y oriente llevó a composiciones chingonsísimas que no desvirtúan el carácter espiritual de lo original y que de hecho pueden dar luz nueva sobre ello, bajo una forma, en su época, muy vanguardista (gamelan + violines = awesome). Podríamos decir lo mismo de Bartók, Revueltas, y demás. Por supuesto, existe un problema de fondo, el de '¿y por qué chingados necesita justificarse lo folclórico?' El argumento es fuerte, y podemos llegar a la conclusión de que ellos también eran "agentes de control y sujeción"; el modernismo fue así en gran medida (como ocurrió con las máscaras africanas y Picasso), pero por suerte nunca tuvieron la manía explícita de 'unir a todo el mundo bajo el mismo techo' o describirlo como una exótica totalidad de la cual somos sólo 'socios' u 'observadores'. Tales posturas sólo llevan a una utilización literal de música, por ejemplo, de la India, por razones no sólo ajenas al contexto hindú (lo cual no está mal en sí mismo) sino además carentes de cualquier intento de comprensión de qué es, en términos no técnicos, lo que mueve a ese sonido. La otra es la cálida recepción de música, por ejemplo, africana, pero sólo si es ajustada con anterioridad a los criterios estéticos de los occidentales contemporáneos - se agregan unos beats electrónicos y samples de chill out a una base norafricana y listo, un pedazo de World Music. En ambos casos se controla y se discrimina veladamente a numerosas culturas, reduciéndolas a souvenirs de aeropuerto.

Dicho eso, no tengo nada en contra de la reinterpretación (Lou Harrison, etc.). Lo que es desesperante es la apropiación sin sentido, o con un sentido muy superficial, de cosas que obviamente salen de nuestro entorno familiar. Ahora bien, está el otro lado de la moneda, que es igual o tal vez más común: proponer que partes de la música occidental le hablan a todo el mundo por igual. Los que lo hacen generalmente no tienen malas intenciones, pero no se dan cuenta del daño que le hacen a la diversidad propia del planeta cuando otras personas se la creen y adoptan el mismo modo de pensar. No es que no haya bandas de post-rock en China, pero sí tienen mucho más que ofrecer en cuanto a tradición y vanguardia musical, a pesar del control estatal que derivó en que durante mucho tiempo el máximo representante del país era Cheng-zong Yin con el "Yellow River Concerto", un ejercicio de romanticismo decimonónico europeo muy ajeno a lo que cualquier chino, supongo, escuchaba normalmente. Ejemplos así hay varios. Que tú creas que Bob Dylan habla de la 'universalidad de los sentimientos humanos' no significa que tú sientas lo mismo que él, tu jefa, o tu mejor amigo, ya no digamos alguien de una cultura diferente. Uno se identifica con las cosas, y no al revés.

Agarremos por un momento el rollo ese del lenguaje. Si tan universal es, ¿por qué nadie entiende el serialismo? Lo más curioso es que no hay nada más occidental que eso, y podemos ver un serio favoritismo hacia el siglo XIX y más atrás en las salas de concierto mejor establecidas. Sí, de repente saldrán por ahí Strauss, Sibelius, Britten, y qué sé yo, pero nada demasiado aventurado. El noise, como género, ¿tiene algo de universal? El mismo rock no tiene un carajo de mundial, excepto que es, junto con el pop, una magna imposición de estilos anglosajones de hacer música sobre una gran parte del mundo. Es una industria gigantesca, a fin de cuentas, y a pesar de que las más grandes disqueras estén cayéndose a pedazos. Tampoco quiero dar a entender que eso es malo - la más agresiva y penetrante banda de noise que he escuchado jamás es de China, y me encanta - sino que no es la utopía que a veces pudiera parecer que es. Porque si tú le pones noise a un tipo de Bali, quién sabe qué reacción va a tener; así como a los ingleses (siguiendo el tema de China) les parecía repulsiva la "ópera" china en los años de sus primeros contactos imperiales, es posible y probable que a un indígena de hace un par de siglos le pareciera no sólo inaccesible sino horripilante una melodía de Mozart. Hay que tener, primero que nada, respeto por las diferencias, entre las cuales destacan cosas tan biológicas como la visión y el oído, sentidos que nutren a las artes en general idealizadas.

Ya me dio hueva seguir, la verdad. Para terminar sólo reiteraré que no, ni la música, ni la pintura, ni la escultura, ni el pito del arcángel Gabriel son universales, y nunca lo serán a menos que eso de la globalización se cumpla y tengamos que presentar un frente unificado ante la amenaza de Galactus o algo por el estilo. La humanidad es sólo una especie, no un estado de consciencia ni un modo de vida. Denle de zapes de mi parte a todos los pseudo-románticos que vean y que anden con sus guitarritas acústicas pregonando las vivencias del hombre común. Ya tenemos a los folkies y a Bruce Springsteen para eso, gracias, y además ellos sólo hablan de Estados Unidos. Por lo menos allá no son tantos como acá, hahaha.

Pero bueno, nos andamos viendo, y los dejo con un video al random para que descansen de tanta mamada que digo en este blog. :D

Axolotl - Telesma

2009-08-29T14:29:00.002-05:00

Drone drone drone noise noise
Heaven.

Tao. Fantasmas in vitro -
Muerte fractal = vida. Instrumentos? Expresiones; anti-materia y anti-arte absorbiendo la médula del axis mundi. 38'59'' : fin del significado, cambio metabólico, tiphereth implota y tocamos la )des(órbita.
libertad - el espíritu carcome el poliéster, programa su furia. en el ruido vuela until "she turns and looks a moment in the glass, hardly aware of her departed lover;" vuelvo entonces a la quietud de la célulA.
La transmisión se curvea y florece en nuestra sangre polifónica... hasta el contagio. Sin cura, se dibuja un tercero - ¿trialéctica? - que se desliza entre nuestras manos ("Your Hand In Mine"); aniquila y ahoga.

sin Comprensión/Entendimiento/Significado, tal vez nuestra sonrisa se haga verdadera, corporal[mental], Significativa. To at last wash away and flow, with you.

Infect me

p.d. - llorar y reír como nunca antes

Supergrupo

2009-08-11T10:40:00.002-05:00

"No mams tiene a Billy Corgan, John Cleese, Paty Navidad y el wey ese de la banda que es todavía demasiado hip como para que todo mundo la conozca!!!!!!!"

¿Alguna vez han escuchado de un 'supergrupo' que no haya apestado (desde leve hasta asquerosamente)? Yo sí, haha... lo siento, fue una pregunta trucada. Todos conocemos a 'supergrupos' que tienen muchas virtudes, aunque los podemos contar con los dedos de las manos. Además, el concepto de supergrupo está invariablemente ligado al mainstream y a lo corporativo; lo 'super' es establecido a priori por la fama a través del reconocimiento, por una parte, de un cierto público, y por otra, de la industria por la cantidad de discos que ha vendido cada miembro con su propia banda. Es decir, es una extensión de la industria que gira alrededor del rock: lo que en el jazz es una colaboración, una comunión, en el rock es un despliegue de prestigio. Porque si de habilidad se tratara, habría muchos más supergrupos, empezando (WARNING: OBJECTIVE TRUTH INCOMING) por Kayo Dot, o, si gustan, por las legendarias bandas de King Oliver, los Hot Seven, Jelly Roll Morton, etc. etc. Por supuesto, aquellos viejos conjuntos de jazz se trataban también en gran medida de prestigio, pero no en términos capitalistas, sino de talento. La dinámica de ello era, por lo tanto, totalmente distinta, y si bien todos querían tener a los mejores instrumentistas de la época en sus respectivas bandas, la competencia era musical (Jelly Roll constantemente decía que él era el mejor pianista ever, el mejor compositor ever, y así; sin importar si era cierto o no, al menos tenía la habilidad suficiente para apoyar tales aseveraciones y no sólo huevos, a diferencia, por ejemplo hoy en día, de los Killers, de quien el cantante Brandon Flowers dice que son lo mejor que le ha pasado al rock desde hace décadas y luego se pone a componer pura mierda) y no sólo monetaria.

Si se fijan, las bandas más 'indie' así como quienes las apoyan evitan hacer de sus distintas membresías (pasadas o no) un elemento importante de lo que hacen - todo mundo sabe que en Broken Social Scene hay gente de Do Make Say Think, Metric, Valley of the Giants... o que en Fantomas tenemos a la mitad de Mr. Bungle así como al baterista de Slayer and so on, pero mientras que vemos a los críticos mencionarlo todo el tiempo, la música que tales artistas hacen con sus 'supergrupos' es lo suficientemente distintiva y chingona como para que se les de mérito por ese lado. A veces hasta más; creo que hay más gente que conoce a Broken Social Scene que a Do Make Say Think (una lástima, hahaha).

En fin. El punto es que los 'supergrupos' como tales son un gran producto de la industria de la música basado en sus propios referentes, como la venta de discos y la cantidad de exposición que han tenido sus integrantes con sus bandas anteriores (en MTV, en el radio, medios que también le pertenecen). El ejemplo más claro, y a mi parecer el primero que es en verdad significativo en la historia de estas cosas, es el de Asia. Este supergrupo se formó a raíz del gradual desvanecimiento de Yes y Emerson, Lake & Palmer en un mar de semi-pop mediocre (sólo denle una escuchada a Love Beach para que vean a lo que me refiero) ante la incapacidad de ambas bandas de continuar con el proyecto del rock progresivo, por razones que no me termino de explicar, y que podrían ir por el lado de la enorme adquisición de dineritos y fama así como de los caminos que ellos mismos habían cerrado con sus últimos discos (no más jazz fusión, no más música clásica, no nada; gracias a cthulhu Robert Fripp tuvo la suficiente visión como para hacer descansar a King Crimson durante una buena década después de haber agotado las posibilidades de la "era dorada" del progre). Habiendo muerto la utopía-distopía del género a manos de las disqueras y de la falta de huevos de ciertos de sus artistas, sólo quedaba hacer porquerías 'radio-friendly' - y Asia, con todos sus miembros sobrecalificados para tocar porquerías, hizo justo eso. No es que otros no lo hayan hecho (Genesis, Alan Parsons, Mike Oldfield, todos, TODOS los veteranos del progre menos KC), pero ninguno de ellos tuvo la categoría de 'supergrupo'. Es revelador, sobre todo porque en la "era dorada" los músicos de progre intercambiaban bandas como de calzones por lo cual casi que todas ellas eran supergrupos (también porque prácticamente todos y cada uno de esos músicos eran buenos, muy buenos, o excelentes en lo que hacían), lo cual nos dice que había más del espíritu de colaboración común en el jazz y menos de la mecánica del prestigio presente a principios de los ochenta en el rock. El caso de Asia, por lo tanto, es significativo por ser la primera gran muestra de cómo el mainstream podía comprar hasta a aquellos que intentaron hacer del rock "gran arte" (justo, además, en el momento en el que el cadáver del "gran arte" se adornaba ya con unos cuantos gusanitos) y hacerlos parte de su mercado a un precio bastante barato, tan barato que la mayoría de progres que lo vivieron todavía lo sienten como una traición.

¿Existen, por lo tanto, supergrupos 'underground'? ¿Sería correcto llamarlos así? No lo creo. Primero, porque en ese lugar no existen las 'superestrellas'; el prestigio no es impuesto, es ganado, y ni aún así es indicio de seguridad. Claro, al menos mientras no entren pendejos del mainstream que creen que porque un proyecto ya tiene a X o Y peronsa, la cual ha vendido millones de discos, instantáneamente será bueno. Creo que esa gente nunca aprende, por más Audioslaves y Velvet Revolvers que les eches encima. Si eres fan de un músico en particular, pues qué chingón, tú me entenderás cuando digo que los pendejos mainstream son fácilmente reconocibles (al menos los que quedan), tan reconocibles como los pendejos hipsters genéricos que contaminan las 'escenas' y los gustos; todos esos que están en el mismo concierto que tú pero con los cuales no puedes compartir el gusto por lo que escuchan. Pero me desvío del tema - quería ponerles un ejemplo de cada caso (prestigio-meh, prestigio-awesome), ambos de Japón, y que involucran, de hecho, casi a los mismos artistas. El primero es el de la presentación en vivo de Zubi Zuva X en el Japanese New Music Festival (el cual vino a México hace unos años). Los integrantes son Atsushi Tsuyama, Yoshida Tatsuya, y Kawabata Makoto. Los tres son bastante reconocidos en el mundo de la música prog-noise-psych y sabemos lo que pueden hacer a través de la multiplicidad de grupos a los que pertenecen o han pertenecido (Ruins, Acid Mothers Temple, Afrirampo, etc.); son muy buenos músicos, tienen proyectos impresionantes, estoy seguro de que ganan una buena lana, pero no son "estrellas" ni mucho menos. Es como ocurre con los músicos académicos: muchos son reconocidísimos pero distan de ser figuras aptas para Perez Hilton, un reality show... ya know what I'm sayin'? Regresando al ejemplo, lo padre del asunto es que teniendo los 'historiales' que tienen estos vatos, uno no sabe qué esperar. Cuando llega el momento de escucharlo, es cagado, es muy divertido, pero no es nada que resalte en ningún sentido, ni siquiera por su espíritu dadaísta. He aquí el video:

Si por el prestigio de estos cuates, bien ganado por sus miles de obras, dependiera, uno esperaría maravillas. Aunque la intención y las implicaciones de una presentación así es todo lo contrario a las que tiene la idea de 'maravilla' y que de hecho la destruye, uno esperaría algo tan confrontacional como un ready-made, 4'33 de John Cage, no sé. Por otra parte, aunque formalmente sea equis, podemos ver un acto sincero, divertido, más profundo en un sentido cotidiano cuya relación con los manifiestos y el modernismo es en extremo tenue. Tú y yo podríamos hacer algo así, al menos potencialmente (ya en la realidad, saldría algo bastante malo, estoy seguro). Así que esto es más 'contemporáneo', y el ejemplo que sigue es más 'moderno', repleto de abstracciones y referentes a un viejo desarrollo musical que supuestamente empezó con Debussy. Así mismo, es mucho más impresionante y destructivo. Dura una hora en 5 partes de 10 minutos (todas en los vínculos en el cuadrito de videos relacionados ahí en youtube), así que siéntense y déjense llevar. Behold:

Esta agrupación, también ternaria, involucra a Tatsuya Yoshida y Kawabata Makoto una vez más, pero ahora con la participación de Keiji Haino. Creo que para este momento no necesito ya ni presentar al tal Haino. Es uno de mis héroes musicales, por lo que su 'prestigio ganado' tiene mucha influencia sobre lo que pienso acerca de lo que hace, y no tengo por qué dejar eso atrás cuando digo que es uno de los conciertos más chingones ever al que no asistí. Los tres entran en comunión a su manera; siento que hay mucho más espacio individual que en Zubi Zuva y no sólo por la obviedad de la instrumentación, sino también por el proceso creativo en el que participan, más libre, más expresionista, más poderoso: eléctrico, ruidoso, 'free'. Este trio no tiene miedo de traer su infierno personal ante el público, mostrarle cómo se construye y deconstruye la forma, cómo la música no nos dice absolutamente nada porque no es lenguaje, es experiencia. Qué diferencia de Asia y todos los demás supergrupos confeccionados tal vez con buenas intenciones pero validados y estructurados en una sala de conferencias.

Conclusión: es hora de que el supergrupo pase al cementerio y de que las agrupaciones 'legendarias' pasen a ser más comunes, a un primer plano. Ellas, aún en sus momentos menos heroicos (Zubi Zuva) nos pueden ofrecer mucho más que cualquier supergrupo jamás nos ha ofrecido, aunque esté en su más mediatizado y glorioso momento. Pero bueno, ya sueno otra vez a manifiesto, así que es hora de despedirme.

Bye.

Sunwrae - Autumn Never Fall

2009-07-31T15:45:00.003-05:00

Un chavo de last.fm me pidió de favor que le pasara este disco. Para aprovechar el vínculo y la subida, se los paso a ustedes también. No les haré una reseña larga, con que sepan que es para fans de Rachel's, los primeros discos de Kashiwa Daisuke, Invert, y otros grupos de música de cámara que tocan música original, compuesta por ellos mismos, basta. El distintivo de Sunwrae es combinar composiciones semi-clásicas padres con ambient y jazz, pero sobre todo jazz. "haha eso ya lo hizo Gershwin hace 90 años, dude!" pueden decir. Sí, pero la diferencia no sólo reside en el tiempo y la experiencia personal de estos músicos de Australia, sino en la intención; el jazz ya no está en condiciones de ser defendido por nadie como arte, y la música clásica no se encuentra bajo el impulso renovador del modernismo de principios de siglo. Además, aquí no hay orquestas ni arreglos sinfónicos. Esto es música que se encuentra en la frontera entre ser simple y compleja, es música sincera y cautivadora para sentarse y pensar, o para salir y admirar la naturaleza, o para cerrar los ojos e imaginar el paso del tiempo, o lo que sea.

¡Que la disfruten!

Let the sun into my head

Upsilon Acrux

2009-07-02T22:41:00.002-05:00

La gran mayoría de la música popular interesante de nuestros días proviene directa o indirectamente de las aventuras (sí, tipo Dorita) de las distintas bandas de rock progresivo de los años setenta. Y me refiero a 'rock progresivo' en su denominación más amplia, incluyendo todos los 'movimientos' y todas las regiones donde se dio el interés por explorar las posibilidades de lo aparentemente simple (imagínense a un pinche hippie medio drogado que, con toda la seriedad del mundo, le pregunta a su bandmate: "¿qué pasa si a esta canción de rock le agregamos una sección intermedia en tiempo de 7/8 y después sustituimos los solos de guitarra por unas frases semi-barrocas de teclado mientras en el fondo ponemos el sonido de un violín procesado electrónicamente cuarenta y cinco veces de atrás para adelante y luego de regreso??"). Estilos tan diferentes como la IDM en electrónica y el post-rock en... el rock le deben su estatuto de arte y experimento a aquellos hippies que (casi) todo lo pudieron.

El math-rock no es la excepción. Este estilo caracterizado por el despliegue técnico ultra-desarrollado, lo cual se traduce en ritmos bien pinches raros y estructuras de piezas por completo impredecibles, tomó las pautas de bandas como King Crimson y Rush, añadiéndoles la fuerza y la agresividad tal vez de Voivod y Black Flag para crear un sonido casi brutal y enérgico que conjunta lo corporal con lo cerebral. Claro, mientras que las bandas mencionadas buscaron siempre un balance (sí, hasta Voivod en Nothingface suenan bien calmaditos después de tanto pinche escándalo con Rrröööaaarrr y Dimension Hattross [aunque es bueno mencionar que Dimension Hattross es ya bastante proggy sin dejar de lado lo thrashy]), las bandas de math-rock intentaron trascenderlo con pura forma; si el progenitor es una primera aproximación de Kandinsky, el continuador es algo de Malevich que no sea monocromático, so to speak.

Para ponerlo en pocas palabras, lo que escuchamos en el math-rock es pura forma. Por lo tanto la emotividad tradicional de la música queda totalmente transformada - justo como con los Suprematistas en pintura, lo que escuchamos es una manera nueva de sentir, más profunda, más cercana a una fusión con el intelecto y en consecuencia, aunque sea en intención, holística. Aquellos que dicen que el math-rock carece de todo sentimiento están mal, pero no es algo reprochable, pues todos estamos acostumbrados a que la emotividad expresada en la música sea más bien de orden dramático; si bien los matemáticos tipo Milton Babbitt se dedicaron a exterminar por completo cualquier sentimiento en las altas épocas del modernismo, nunca se dejaron de lado las posibilidades 'expresionistas' tanto de la atonalidad como del serialismo. No pasó demasiado tiempo sin que se utilizaran para fines expresivos, como ocurre en la obra de Alfred Schnittke. En fin, el chiste es que la muy moderna exploración de la forma pop hecha por las bandas de math-rock no excluye en ningún momento la expresividad, y nuestra banda de hoy, Upsilon Acrux, es una muestra de ello entre muchas otras: podríamos hablar sobre Don Caballero y los roces metaleros de sus primeros discos, o de la fina sensibilidad folk/pop de Maps & Atlases, o la ultra-locura caricaturesca de Hella. Todo ello nos da a sentir algo que no es dramático ni nada por el estilo, sino que es más... no sé. Es distinto.

Anyway. Galapagos Momentum (2007) es el quinto disco de esta banda que ha cambiado ya varias veces de miembros y tipos de instrumentación. Para este disco son, al parecer, guitarra, bajo, un moog, y la batería. Cada uno entra en algún momento con particular locura para mostrarnos todo lo que el rock (y la música popular en general) carece: huevos. Para experimentar, para ser libres, para desafiar las normas, para volarnos la cabeza con tanta pinche desquiciadez. Esta música está más allá de mis habilidades para escribir, analizar, y todo, así que lo más que puedo hacer es seguirla, hacerme el loco e intentar. Es un devenir continuo, lo que cuenta que escuchemos aquí no es un resultado, sino un proceso en el cual los músicos nos llevan de la mano y nos dicen 'mira, seguro nunca te volverás a acordar de esta pequeña parte que tanto te gustó, al menos no para que la cantes mientras caminas por el campo... pero al mismo tiempo la recordarás por siempre en idea y sensación'. El impacto y el viaje son lo que cuenta. La descomposición sistemática y disciplinada (no hay nada random en este disco; todo lo contrario, se necesita ser muy bueno para hacer algo así sin que suene a pendejadas) borra los lindes de nuestra (eterna) preocupación: "¿esto es música?" Vaya que lo es. Literalmente no deja nada a su paso; es imposible recordarla, cantarla, disfrutarla sin tenerla puesta en este mismo momento. Sí, nos acordaremos de la sensación y de la idea ya después, y seguro pensaremos en lo adictivo que es eso de 'vivir el momento' así como de aplicarle el dedazo a lo que la tiranía de la melodía representa. Lo malo es que empiezo a sonar a manifiesto, pero a final de cuentas y a pesar de tooooodo el esfuerzo de la academia y de los progres, en general se sigue adorando a Madonna y los Black Eyed Peas y yo qué sé. Sí, Radiohead es sólo una gran pose. Teniendo esas melodías perfectas, PAS/CAL debería estar aterrorizando el mainstream con sus estructuras progre, y sin embargo, permanece en el underground y me temo que ahí se quedará.

Ahem... lo siento. Es sólo que Galapagos Momentum es el perfecto stream of consciousness. Es monumental y poderoso. Es la prueba de fuego contra la que todos los discos de math rock deben enfrentarse; después de escuchar este monstruo, es fácil detectar a los pretenciosos que creen que con cambiar el ritmo un par de veces y usar truquitos en la digitación de la guitarra ya están revolucionando la forma (cough cough Tera Melos). Los dejo para que lo escuchen, se hagan adictos, y luego ya nunca vuelvan a oír melodías sin que les den algo de hueva.

Evolve

Converge - No Heroes

2009-06-15T22:45:00.003-05:00

Converge es una banda salida de Salem, Massachusetts. Pueden encontrar su 'biografía' en la Wikipedia; por lo que a mí respecta, es una de mis bandas favoritas, no por su trayectoria entera sino por dos discos: Jane Doe y No Heroes. Tienen la costumbre de redefinir el metalcore con cada nuevo disco, y No Heroes no es la excepción. Su característica ira salida de la mejor mezcla del mundo (piensen Orchid + Slayer; aunque en este disco suena más a Orchid + Cult of Luna + thrash/sludge/black + pure fucking hatred) seguro pondrá a más de uno o una en modo de violencia - estos vatos dejaron atrás la teatralidad metalera y la simplicidad del hardcore en favor de un estilo altamente técnico (neta que en las primeras cuatro rolas de este disco hay más cambios de ritmo que en toda la discografía de Mars Volta) e intensamente agresivo. Dicen por ahí que en sus conciertos, por ejemplo, no ha sido raro el descalabrado por golpes del bajista, los aplastados por la furia de la multitud en movimiento, o el fan que sale volando del escenario arrojado por el vocalista. Hay en Converge un verdadero enojo que se trasluce en todas y cada una de sus canciones, un enojo inteligente y concentrado que se vuelve como una fuerza primaria, un elemento constitutivo del mundo. No Heroes es un himno al "uno mismo", es la obscuridad que purifica de las idealizaciones, es la destrucción de las limitaciones (la tranquilidad, la individualidad...); la furia es la última y la única verdad, y a través de ella nos atrevemos a matar a los héroes y volver a la naturaleza (la cual no nos quiere de regreso y es más maligna de lo que recordamos), retomamos el auténtico significado de sobrevivir y al fin vislumbramos la nada del universo.

Formalmente, No Heroes es una locura: secciones de riffs aplastantes al más puro estilo hardcore ceden el camino a todo tipo de experimentaciones y combinaciones que hacen lucir la maestría de los instrumentistas, mejorando los trabajos de quienes citan como influencias con creces y desde un ángulo siempre extremo, violento. En un punto llegan a hacer post-metal más "atmosférico" que Cult of Luna, sludge más pesado que Eyehategod o Electric Wizard, y mathcore más complicado que el de Dillinger Escape Plan. O sea, me encanta. Además, lo chingón de este disco es que hay un momento, "Grim Heart / Black Rose" en el que la furia da lugar a la tristeza y luego se combinan. Por tanto, no es una tristeza con la que querramos sentarnos en la esquina y llorar hasta dormir (o morir, que sería casi lo mismo desde cierto punto de vista más antiguo), sino salir al mundo llorando y perdernos en una montaña, odiando (realmente odiando) todo lo que no es la obscuridad y nuestra voluntad... hasta morir.

Por lo pronto, los dejo con este gran álbum. Espero que lo disfruten en toda su profundidad y su complejidad. Olviden la paz, la tranquilidad, los héroes. Sólo existe el dolor, el enojo, y la nada. Sólo existe nuestro cuerpo y nuestra voluntad. Al final, no necesitamos nada más.

Death as it should be

Jamie Saft - Black Shabbis

2009-05-26T22:59:00.002-05:00

Heavy metal judío. Digo, si existe el cristiano, por qué no. Pero, a diferencia de éste, el judío tiene toda una gran tradición musical detrás sobre la cual puede soportarse (digo, el cristiano también, pero no pasan de un par de notas de órgano y tal vez unos cantos semi-gregorianos). Otra diferencia es que, en realidad, no existe. Pero para eso está Jamie Saft; si Zorn, la Cracow Klezmer Band, et al se han encargado de definir una "radical jewish culture" a través del modernismo (uno que no se pone nervioso ante la idea de utilizar el sonido de las 'vanguardias populares'), el señor Saft, un tanto famoso por su colaboración con Merzbow en uno de sus Merzdubs, nos ha traído un disco en el que lo judío se define a través de la burla, la teatralidad y el drama - y ¿qué género tiene más posibilidades de dramatismo y teatralidad que el heavy metal (digo, aparte de la religión misma)? En los extremos de cada estilo musical hay una escena, pero creo que la más recurrentemente over-the-top es la del metal. Check it out:

Jamie Saft describe la maldad en términos de violencia intestina, física, caótica. Pero no se imaginen a un asesino, sino a los Looney Tunes, si la portada caricaturesca es un indicio. Es la vieja tradición ironizada al ritmo de un tipo de música que es tan autoconsciente que muchas veces se ha convertido en puro teatro, en una imagen típica de "corpse paint", cruces al revés, sangre, y picos, en una obra carente de guión pero además de improvisación. Además de que con el paso de los años todo permanece igual. Es, en corto, la imagen de los miedos de un grupo de personas, cristianas, acomodadas, yo qué sé, definida no por sí misma sino por ellos. Es decir, los tipos de Gorgoroth no son malignos y satanistas porque así lo crean realmente, sino porque así lo definen esos "otros" contra los que han reaccionado. Como reacción funcionaron y funcionan bastante bien, pero si nos metemos más con su música, pocas cosas de mérito son las que vamos a encontrar. Yo diría que Jamie Saft sabe esto muy bien, sobre todo considerando su historia de moderado éxito en el avant-garde (sí, eso lo convierte en alguien listo, haterz fuck off and go listen to Radiohead), la cual se nota en este disco con creces cuando hace piezas doom directito del infierno como "Kielce" y mete secciones de noise e improv en otras como "Serpent Seed". El caso es que ha creado una puesta en escena sobre otra puesta en escena que es la moralidad, al menos la religiosa, y específicamente la judía tradicional.

En el resultado hay hasta momentos políticos, como "Army Girl", en la que una voz al estilo de Mike Patton grita "army girl / you're driving me crazy" con un soporte de heavy (real fucking heavy) bluesy shit con el que te dan ganas de coger en maneras muy... básicas. Hahaha. Supongo que será referencia a la secuencia de imágenes en forma de propaganda que sacó el ejército israelí en su más reciente invasión a su lugar favorito, en la que se hacía gran gala de lo (¿?)buenas/bonitas/atléticas que eran las chicas militares. Muy objetivizante, muy "moderno occidental", muy pendejo como siempre. En fin, luego encontramos piezas como "Remember", que suenan a metal gótico con todo y vocales femeninas cantando sobre una de las superultramáximes de los judíos actuales e históricos. Ya cuando vemos títulos como "King of King of Kings", el chiste es más obvio. Sobre todo porque quién más va a ser el rey del rey de los reyes si no SATÁN, motherfuckers. Hell yeah.

Suena mucho a Slayer, tiene ritmos de música judía (las partes doom son como las meditaciones largas y solitarias de los rabís, en las que entran casi en trance), luego recuerda a Boris cuando hacían doom, y todo se mezcla perfectamente, tanto que ni cuenta te das de que todo es pura pendejada. Claro, es pura pendejada pero de las buenas, de las mejores, sobre todo porque si a alguien le cuesta trabajo eso de burlarse de sí mismos es a los judíos tradicionales u ortodoxos. Y burlarse chido, no en forma de película gringa. Y no sólo a los judíos, sino también a los metaleros. A veces son demasiado pinche serios. ¿Qué mejor manera de burlarse de ambos si no es combinándolos con gran destreza? Teniendo en cuenta que son algo así como polos opuestos, tradición y reacción, resulta un disco chingón, heavy as shit, y un paso más entre muchos que se han dado en esta "radical jewish culture" promovida por Zorn y su disquera Tzadik. No sé si sea viable otro salto más en este estilo sin que se convierta en algo "serio", como folk-jewish-metal o alguna mamada así sin sentido como el metal cristiano. Por lo pronto, me likey. HAIL SATAN.

Take me to the goat-headed man

OPTVISION

2009-05-20T22:22:00.003-05:00

Atsuhiro Ito construyó un instrumento que funciona, como todos, con base en el tacto, pero que "contesta"/reacciona no sólo con sonido sino también con luz, y que se llama OPTRON. Los sonidos que logra son únicos y además muy variados; a veces pueden ser penetrantes y rítmicos (te someten al bondage), a veces pueden ser abiertos y arrítmicos (estás en el Todo), pero siempre son poderosamente intensos. El show en vivo es increíble (lo vimos en el Radar del año pasado, junto con Yamatsuka Eye) porque se convierte en un gran carnaval de sensaciones en el que tus retinas se desorientan y tus oídos están en perma-vibration mientras le estás pegando al de al lado (tal vez no muy fuerte, o si te emocionas mucho y armas el slam, muy fuerte) y hueles la ropa, el sudor, o tal vez la pinche mariguana (que se están chingando al lado) de quienes te rodean. Sobreexcitado, te empuja a vivir ese momento como no has vivido nada ever, y entras al Zen. O puede que no, depende de cada quién, hahaha.

En todo caso, aquí está un corto video de presentación de un dvd que Atsuhiro ya publicó o está por publicar, no sé, pero está padre y capta algo de lo que se siente cuando lo ves moverse como un pinche loco con una espada láser de juguete con la que re-hace la música convencional para una audiencia que pretende "escuchar el futuro". Awesome shit, my friends. Wacha:

Rock In Opposition

2009-04-09T20:08:00.002-05:00

Vamos de la periferia hacia el centro: los 'distintos' primero y los 'principales' al último. No me refiero a esa cualidad en importancia ni nada así, sino más bien solamente de lo menos reconocido a lo más, del "alt" al "mainstream", por decirlo de una forma. Porque si bien el rock progresivo anglosajón tuvo un gran momento de gloria, hacia los años ochenta era un títere más del dinero de las disqueras; de despotricar como locos y poner al mundo del rock de cabeza, pasaron en ciertos casos a formular hitazos y singles de un pop en el que las tendencias a lo... chingón habían quedado en extremo reducidas (como Yes), y en otros a seguir haciendo lo mismo de siempre en circunstancias que ya los habían superado por completo (como Genesis). Por supuesto, la generalización es un tanto falsa, ya que grupos como King Crimson y Rush demuestran que el progre anglosajón siguió haciendo de las suyas durante un largo tiempo, pero a pesar de todo y su enorme influencia en bandas más actuales, el rock de este tipo era en realidad ya poco poderoso frente a la gigantesca oleada de estilos nuevos surgidos en los 80s.

Un momento que podría marcar el final de la gloria del rock progresivo es el principio de otra, igual de innovativa pero tal vez más violenta, la del festival de Rock In Opposition de 1978, en Londres. Los participantes, de cierta forma, llevaron las ideas del progresivo (progresibo) a sus últimas consecuencias; donde los grandes representantes como Jethro Tull y Yes involucionaron a cosas bastante terribles, estos desconocidos rechazados continuaron y alcanzaron con más fuerza el ideal de hacer del rock una especie de música "culta", ponerlo al tú por tú con el high art y decir "tú y yo somos iguales" en un entorno relativamente más contemporáneo que las excursiones de Gentle Giant al mundo de la polifonía medieval. Alguna vez leí alguna cosa que decía "la música de Univers Zéro es lo que hubiera hecho Béla Bartók si hubiera nacido 50 años después", or something like that. Si bien el krautrock estaba dirigido hacia el avant-garde alemán, muy tecnológico y empíricamente experimental (valga la redundancia), el RIO estaba informado por el modernismo desde Schoenberg en adelante - no más "Cans and Brahms" y covers de "Cuadros de una exposición". Aquí pura locura expresionista, aleatoria, folclorista, atonal, y en ocasiones dadaísta.

¿Cuál es la diferencia, entonces, con el progresivo? En términos prácticos, ninguna. Pero donde el progresivo se desvió del camino a causa de presiones por parte de la industria, el festival RIO siguó de frente sosteniendo ideales similares. El resultado es música en general difícil aunque a veces bastante accesible y divertida, modernista, complicada, y llena de detalles muy chidos de explorar.

Para este punto, se preguntarán entonces a qué chingados viene el "In Opposition". Es muy simple: la banda inglesa Henry Cow (entre cuyos miembros estaban Fred Frith y Chris Cutler, famosos luego por sí solos), después de unos pocos años de haberse formado y tocar juntos, no podían encontrar ninguna disquera que les quisiera publicar su trabajo. En una rabieta muy provechosa, decidieron formar este 'frente' nuevo bajo la frase "The music the record companies don't want you to hear."; o sea, música rara y tal vez no apta para todo mundo. Si al progresivo le había costado trabajo establecerse, con todo y sus fuertes declaraciones melódicas y "accesibles", imagínense a estos cuates que hacían música todavía más complicada sin miedo alguno al rechazo. Este nuevo Salón de los Rechazados se inauguró con una exposición brillante que tuvo como protagonistas a cinco futuros gigantes provenientes de diversos lugares de Europa: Univers Zéro, de Bélgica, Etron Fou Leloublan, de Francia, Henry Cow, de Inglaterra, Stormy Six, de Italia, y Sammla Mammas Manna, de Suecia. Los defensores del progresivo anglosajón, a principios de la década tan animados y arrogantes como para bautizar derogativamente al progresivo alemán, no pudieron decir palabra ante el "internacionalismo" del RIO y su surgimiento preciso en los inicios de la precipitada decadencia del género. O peor aún, ya habían cambiado de bando y se inclinaban al punk y al heavy metal, los grandes némesis (pero más el primero) del progresivo.

El festival RIO continúa cada año hasta nuestros días, y numerosos grupos se han adjudicado o unido a la tradición establecida en 1978, una tradición bastante efectiva, pues hasta la fecha ninguna de esas bandas ha pasado al mainstream o al consciente colectivo de la misma forma que las más icónicas del progresivo anglosajón. De cierta manera, siguen estando en oposición, y tal vez sigue siendo justo el slogan fundacional, aunque es probable que con la caída final de las disqueras pasen a formar parte del nuevo mundo como iguales ante la siguiente Hannah Montana, las bandas de metal vikingo, y qué sé yo. Ya veremos. En todo caso, es importante mencionar que el festival, después de un éxito moderado que le otorgó reconocimiento en varias partes del mundo, se convirtió en una especie de organización dedicada a la promoción y publicación del trabajo de estos artistas. Hacia finales de 1978 las cinco bandas se reunieron para decidir qué hacer en el futuro, y parte de los planes fue abrir el RIO a nuevos participantes bajo tres principios directores: que la nueva banda en cuestión fuera técnicamente proficiente y se apegara a la "excelencia musical" (característica evaluada por el colectivo, claro, haha); que trabajara fuera de la industria; y finalmente que tuvieran un "compromiso social con el Rock" (así, con mayúscula). Los únicos nuevos integrantes hacia 1979 fueron Art Zoyd, de Francia, Aksak Maboul, de Bélgica, y Art Bears, de Inglaterra. En realidad Art Bears es Henry Cow reformado y reformulado, por lo que a veces pienso que no cuenta, pero no importa.

Al final, creo que el RIO es la única corriente de la familia progresiva que le sigue siendo fiel a los principios establecidos por los críticos de los 70s a raíz de King Crimson y compañía, que, aunque no sea un género como su madre/padre ni una coyuntura como el kraut, ciertamente es un ideal que hace concretos todos los objetivos de los modernistas populares en música, desde Ornette Coleman hasta The Velvet Underground, ayudado de toda la magnificencia del rock progresivo.

Pero bueno, pasemos a lo importante: ¡discos y más discos!

Primero, las originales. (Nota importante, la password de decompresión de los archivos a partir del de Univers Zéro hasta Samla Mammas Manna es hiskilla.blogspot.com)

Henry Cow - Western Culture (1979) [No es el primer disco de ellos, por supuesto, pero es sin duda el mejor ejemplo de su trabajo en torno a la idea de combinar composiciones modernas con tintes de jazz en forma de canciones de rock. Empujaban sus instrumentos al límite, como todos los modernistas, y a veces es necesario olvidarse de los roles de cada uno en una banda para apreciar a qué lugares pueden llegar. Este disco es fuckin' heavy y grandioso en formas en las que ningún grupo de progresivo pudo alcanzar, tal vez porque se interesaban demasiado en el público. No sé, dénle un rol y a ver qué piensan.]

Univers Zéro - Heresie (1979) [El segundo disco de esta gran banda belga; hallamos aquí expresionismo puro, obscuro, delirante y atemorizante. Es como una amenaza desde las profundidades de algún pinche lugar bien lúgubre, con tensiones constantes basadas en atonalidad y pasajes que parecerían sacados de una ópera perdida de Alban Berg. Si bajan un disco de este post, que sea éste, manos. You're gonna shit your pants. Lo padre es también su uso de electrónica en maneras que preceden directamente a la escena gótica y doom, así como las voces monstruosas que después serían usadas en el heavy metal.]

Etron Fou Leloublan - Les Poumons Gonflés (1982) [Unos de nuestros semi-dadaístas. Aquí la voz sí tiene un papel más típico, aunque la música en sí es como un carnaval, y como tal, es un portal hacia lo inusual, lo extraño, lo atípico, lo circunstancialmente único que rompe las reglas del juego. El juego de la vida, hahahaha. Parte de la instrumentación es un saxofón que se encarga de hacer muy sexy el asunto de lo atonal y los ritmos complejos. Parece que las letras son puras pendejadas de las buenas, aunque como están en franchute pues todavía no me meto mucho con ellas. De todas maneras el cantante le tira a lo punk y a veces gruñe como Tom Waits si fuera gay/francés. Burlas, juegos, diversión extrema y excelente música. ¿Qué más podría pedir?]

Stormy Six - Cliché (1976) + Pinoccio Bazaar. Parte 1 y Parte 2 [¡Nuestros invitados italianos! Combinando el folklor italiano con composición moderna, estos vatos tienden un puente muy distinto al hecho por Genesis o Gentle Giant, pues, como muchos de los modernistas, se dedican a crear folklor nuevo. Es decir, no citan ni aluden, sino recrean y recontextualizan usando instrumentos nuevos, técnicas nuevas, y demás. Es uno de los lados más o menos amables del RIO, y algunas personas incluso afirman que de las cinco bandas originales es la menos confrontacional. Tal vez, aunque no lo creo, precisamente por sus ligas con el modernismo en cuanto al folklor, y además porque nadie estaba haciendo lo que ellos estaban haciendo. Sus contemporáneos compatriotas en el rock progresivo eran dados a cosas más parecidas a Genesis que otra cosa... hmm... tal vez podamos ver el progre italiano en algún momento.]

Sammla Mammas Manna - Måltid (1973). Parte 1 y Parte 2. [Suecia al rescate, mah niggaz. Les puse este disco que precede significativamente al festival de RIO por la simple razón de que me encanta; tiene mucho todavía de progresivo anglosajón, aunque ya se nota la tendencia a la deconstrucción en varias de las rolas. Insertaron sus influencias folklóricas sin pedo alguno (aunque sin crearlo), pero algo que los hace muy RIO es su exploración de las posibilidades de sonido de una banda: de repente cantan como loquitos en tono de burla (me recuerda a Zappa), de repente truenan los dientes con la lengua, de repente le suben a todo lo que da al teclado de tal forma que parece que se va a reventar la nota por el pinche feedback... cosas por el estilo que no se hallan en las demás bandas de progresiBo, o en el kraut, pa'l caso. Y hablando de kraut, se ve que estos señoritos escucharon bastante, porque ya desde aquí se nota una inclinación al jam y al debraye psicodélico. Una gran banda, sin duda.]

Y ahora unas cuantas muestras de música que posteriormente se alinearía con el concepto de Rock In Opposition:

Art Zoyd - Les Espaces Inquiets (1983). [Stravinsky antes de que se hiciera neoclásico, tape loops, diseños minimalistas de órgano, soundtracks de películas póstumos (hicieron uno para Metropolis, y luego una para Nosferatu), música de cámara para guitarra eléctrica, bajo, piano, trompetas, violín pasado por filtros eléctricos... en pocas palabras, grandilocuentes exposiciones de música contemporánea hechas "rock". 'Nuff said.]

Thinking Plague - In Extremis (1998) [Música compleja y depresiva, sólo que, siendo ya de 1998, tiene algo de math rock y ambient, pero conserva los elementos atonales y rítmicos del RIO más modernista. Además, con una vocalista femenina las cosas se ponen muy interesantes. This shit is heavy, man, heavily awesome. El principio del disco, "Dead Silence", es para mí algo así como un clásico de estas madres, so go get it!]

Guapo - Elixirs (2008) [Este disco es grande como una tortuga australiana. Alimentado de bandas como la legendaria Magma (estoy ya cansado como para seguir con Magma, pero se las recomiendo muchísimo, eran como los niños raritos de la escena del rock progresivo, salidos de Francia y haciendo lo que el RIO haría años más tarde, nadie los quería, y no fue sino hasta los 80s que encontraron un lugar para sus bizarradas (Chris Vander, genio detrás de la banda, inventó un pinche lenguaje completo llamado Kobaian para usar en su música... lenguaje que luego la también legendaria Ruins, del New Japan, usaría) se alinearon con dicho festival), esta banda hace música obscura para meditar sobre el mundo y verlo de manera mística, abrazando el misterio del universo a través de literales rayones de violín y motivos atonal y exóticamente modernistas. Es como si hubieran puesto a Lou Harrison a escribirles sus rolas, o algo así bien chingón y proto-hippie. Y, a diferencia del resto del RIO, suenan a algo más nuevo al mismo tiempo que siguen sonando a cosas viejas. Es, en corto, AWESOME.]

Pues bueno. Después de otro post super épico, no hay mucho más qué decir... empezando porque estoy cansado y shit, hahaha. Ya que he convertido esto en una serie, planeo hacer dos revisiones generales más y dejar esto de los géneros-coyunturas-ideas de lado y regresar al viejo formato del disquito o las mamadas que se me ocurren en el baño y que es necesario debrayar. El siguiente voy a terminar con esto de los "outsiders" al progre anglosajón, revisando un poco del italiano, algo del mexicano, y les voy a investigar a ver qué estaba pasando en oriente al mismo tiempo. Hecho eso, finalizaré revisando el anglosajón itself, aunque creo que después de los detalles dados aquí y en el otro post más lo que ustedes ya conocían supongo que podré dejar el post cortito y ponerles discos para más fun times. Espero que les esté gustando y que estén disfrutando esta música tanto como yo. Olviden los 60s, los 70s rockearon como nada en este mundo y hoy seguimos viendo sus consecuencias e influencias por todos lados. Hay mucho qué sacarle, and I love it.

Ah, y algo importante: esta música se presta para que la gente pretenciosa como yo diga muchas pendejadas. No caigan en la trampa; sí, es música difícil, pero allá afuera hay cosas todavía más complejas, y no porque sean complejas son buenas o nos hacen más inteligentes o whatever. Mozart es relativamente simple y ese sí está demostrado que te mejora el IQ durante no sé cuántos minutos. Creo que no podemos decir lo mismo de, no sé, Luigi Nono. Así que si alguien le sube de huevos con su musiquita, díganle eso, y afirmen con seguirdad que los Backstreet Boys van a ser más recordados que Art Bears. Hail Satan.

Kurt Cobain 1967-1994

2009-04-04T20:43:00.007-06:00

Lo que me impulsa a escribir estas breves líneas es la muerte del amigo Kurt Cobain. No me interesa para nada meterme en la parafernalia de si lo mato su novia o se termino por suicidar (que la segunda opción me parece más lógica) por arma de fuego. También habrá los colegas que en cuanto vean este post digan lo siguiente: “eso ya está bien repetido, lo de hoy es la música fresa y las armas de destrucción masiva”, “no mamen, ya déjenlo morir”, “otro pinche post del güero ese” o “lo mejor es decir que eso es una pendejada para luego pararme el culo con alguna mierda sacada del culo”. Si alguien no le parece lo que escribo nos podemos citar en el castillo de Chapultepec y rompernos gustosamente la madre, ¿no?

Lo que en realidad me emociona mucho es el hecho de recordar cómo funciono mi vida cerca de eso llamado Nirvana, en aquellas épocas de gloria, en donde me encerraba en mi cuarto para estar triste y que nadie lo supiera, pero al mismo tiempo escuchar algo con lo cual me identificaba profundamente, entre otras cosas. En algún sentido creo en la música como un elemento en donde terminas refugiándote por diversos motivos; es un ámbito en el cual te puedes ver reflejado y por tal situación, regresas continuamente. Es simplemente un lugar donde te sientas (como en la primaria) para comerte tu “lunch”, es a donde vas para cuando requieres pensar, reflexionar o ponerte a llorar... Es es donde habitas.

Recuerdo la ocasión cuando rompí unos pantalones (siguiendo a los mensos de Nirvana) de mezclilla, de color azul y en buen estado, todo para que no me quedaran bien los cortes y ya no los pudiera utilizar ni para ropa de espantapájaros; los cortes fueron muy grandes y simplemente podía meter el pie por cualquier agujero, entonces quedaron muy ridículos. Por algún tiempo los escondí (los pantalones) para que nadie se diera cuenta de la hazaña y no sufrir la represión. Y cómo olvidar el póster de más de un metro de grande de Kurt Cobain (ya está en la basura) y que adorno por años las complejas paredes de mi cuarto.

Recuerdo muy claramente que hace algunos años, me sentía muy triste y no me daba cuenta muy bien de los motivos; fue muy tenue al principio y después se agudizo: al grado en que casi todos los días de la semana me sentía anímicamente muy fatalista, sin ganas de hacer nada, creía verdaderamente que nada valía la pena y ese tipo de cosas que no me gusta recordar, sólo para saber que nunca quiero regresar a esos pasos. La cuestión es que como a nadie se lo platicaba, pues necesitaba un medio de escape, siendo el primero ponerme a escribir unos poemitas y el segundo escuchando música, aquella con la que me sentía identificado, con la que digamos que podía contar. Muchas de las letras de Nirvana y su rebeldía en el escenario terminaron por ganarme, y no precisamente como fan, en realidad aún hoy no me considero fan, sino que me adoptaron como algo más que eso. Finalmente son una especie de inspiración y de desahogo: en cuanto escuchaba sus canciones yo sabia que eran destructivas, tristes y dolorosas, que me permitían explorar esas formas y sacar lo malo de mí para luego estar más tranquilo. Fue una forma de estar despierto escuchando y después quedar dormido cerca del sonido, como si algo te durmiera ligeramente el cuerpo y alejara por algunos momentos el dolor. Cuando miro atrás y busco en Nirvana elementos de mí persona, los encuentro y me da gusto saber que están ahí, que se quedaron justo en ese lugar plasmados, son una forma de memoria, una manera de recordarme a mí mismo. Son un pedazo de una etapa de mi vida; una de las más difíciles, en donde cometí muchas tonterías y estuve cerca de caerme para seguramente no levantarme nunca más. Gracias por esas tardes de brincos y rebeldía Kurt, donde quiera que te encuentres, maestro.

Torturing Nurse

2009-03-30T22:03:00.004-06:00

Me puse a leer una novela gráfica llamada Necronomicon (Cthulhu ftaghn y todas esas cosas) con este disco de "fondo". Santo bondage batman, me estaba cagando del malviaje en conjunto. Nunca llegó a ser un malviaje del tipo "mala onda", pero digamos que me encontraba justo en la frontera. Este ruido es de los más violentos, salvajes y angustiantes ever. Olvídense de los experimentos más cerebrales de los chicos y chicas noise de la escena estadounidense y el New Japan; esta shit es como Merzbow al cuadrado antes de que se volviera un maricón del ambient. Les advierto, "al cuadrado" no es hipérbole. Cuidado con sus bocinas, cuidado con sus oídos, cuidado con el pinche WAH WAH PEDAL HACIENDO MAMADAS en lA SeGuNdAA rOOla.

Una hora. Cuando acabe, van a empezar a apreciar no sólo los gratos chirridos de la computadora, el perro, la calle, las uñas sobre el pizarrón, el feedback de un micrófono... sino también sus vidas, ca'. Esto es el cielo, el inframundo, el pinche tao, no sé, pero no es un lugar agradable y está encabronado, sumamente encabronado. Busquen fotos de esta banda de china, tienen un performance bastante extremo que se basa en las relaciones de poder y todo lo (¿lo único?) que de ellas deviene: dolor. El noise en general es liberador, pero en este caso, es el acto de esclavización pura; sadomasoquismo (me soplé todo el disco con gusto) y terror se presentan como lo único existente, lo único presente, y, oh dios, es sobrepresente, sobreexistente, if you will. ¿Y no es el título del disco, Fade Away But Not Ending, una perfecta descripción del dolor? Cuando nos duele algo físicamente no tenemos claro un momento de inicio y de fin, sino que todo es un gran continuo en el que sólo existe una gradual disminución del síntoma, y lo más interesante es que estamos conscientes de que en cualquier momento puede volver. En otras palabras, el dolor nunca finaliza. Siempre está ahí, y es sólo cuestión de despertarlo. Ocurre lo mismo con el de orden sentimental. Por tanto, un disco así resulta más que sugerente. Una vez más, dejaré el choro corto para que se imaginen lo que tengan que imaginarse.

Por supuesto, no me arrepiento de haber echado a andar este álbum, pero cómo tengo miedo de ponerlo una vez más. Esta música es peligrosa, amigos. No la escuchen si no andan bien balanceados de la cabeza. Es neta.

Tráeme el dolor

pd. los gritos al final de la segunda rola, pieza, whatever the fuck, son reales. demasiado reales. Dice el dicho que la verdad (¿la realidad?) duele...

(Falsas)Reseñas de Radar

2009-03-23T04:16:00.007-06:00

Benditas sean las tarjetas de crédito y las mensualidades sin intereses. Así es, lectores de este espacio, gracias al plástico de False Bread –porque mi pinche Visa no era aceptada- pudimos comprar varios boletos para la edición de Radar de este año.
En nuestro caso comenzó (la ida a los conciertos, la espera ya estaba añeja) con Jazkamer y Sunn O))); luego fuimos a Las Percusiones de Estrasburgo –aunque para eso no necesitamos boleto-; seguimos con Anderson, Bennink, Cohen y Ribot; proseguimos con Gavin Bryars; y, con una mezcla de sentimientos encontrados (aunque el mayor determinante era el deseo de que, por alguna extraña bonhomía del Universo o de gente como nosotros, el festival durara todo el año), finalizamos (hasta el día de hoy) con el concierto del sábado de Keiji Haino y Mike Patton + Zu.
De una manera u otra todavía siento que las impresiones están muy frescas y no me animo a dar una semblanza o reseña lo suficientemente objetiva respecto de lo que escuché, observé y aprehendí en el proceso. Lo más atinado es dejar marinar estas mierdas epistemológicas un poco más para poder enunciar algo un poco menos vago que el “No mamen, estuvo de huevos”. Porque sí señoritos… de eso pueden estar seguros, los conciertos estuvieron de huevos: cada una de las experiencias de esta pasada edición nos dejó un sabor de boca muy agradable –me estoy tomando la libertad del plural puesto que fue un parecer manifiesto entre nosotros: False Bread y yo, Tony Wak-. Cada concierto por sus propios méritos y demás [...].

Sería absurdo proponer que sólo “estuvieron de huevos” per se y nomás (aunque si quisiéramos no tendríamos empacho en hacerlo, nosotros no necesitamos de permisos). Podemos ser simplistas, de eso no cabe la menor duda. Podemos justificarnos de cualquier manera cuando no queremos ahondar en porqué es que tal o cual cosa nos pareció un evento a toda madre o fue algo que nos cagó la madre –sé que pueden diferenciar los diversos empleos paradigmáticos-.
Por mi parte puedo decir que hablaré en su debido momento de los pedazos de logos que, tras haber marinado, digerido, destilado y demás todo lo captado en los últimos días, surgieron a raíz de mi reflexión.

Mientras tanto aludiré a mi lado simplista –y al que no le guste ya sabe lo que puede hacer con su parecer- para decirles: “Estuvo de WEBOS”.

Krautrock

2009-03-03T13:16:00.003-06:00

El "Krautrock" es, más que un estilo, una coyuntura muy especial a finales de la década de 1960 y principios de la siguiente. Alemania estaba levantándose todavía de las ruinas y las polarizaciones políticas dejadas por lo que ya todos conocemos y demás. Lo que en gringolandia se vivió como una liberación exteriorizada en todo tipo de medios y artes, en germania fue algo mucho más sutil, introvertido, por así decirlo, pero al mismo tiempo mucho más radical. Intentaré aclarar tales vaguedades: mientras que en América la cultura popular se teñía de "rebelión" a través de ataques al pop anterior (tanto en letras como en forma; pensemos en cantantes y bandas como Van Morrison y Jimi Hendrix) y cruces muy específicos con los remanentes de la alta cultura (como Sgt. Pepper de los Beatles), en germania se teñía de "revolución"; se borran tales diferencias entre 'culturas' en buena medida gracias a la presencia de los más agresivos vanguardistas de mediados de siglo como Stockhausen, Xenakis, y Boulez en todo tipo de presentaciones y festivales celebrados en distintas partes del país, a los cuales acudían no sólo los compositeurs sino también los curiosos. Tal parece que en Alemania, dada la situación de desconcierto económico y político, lo único certero residía en las expresiones culturales, las cuales debían formular la creación de algo nuevo (cultura, sociedad, política...).

El resultado en el buen y viejo Rock fue lo que los ingleses llamaron peyorativamente "Krautrock". Mientras el mundo anglosajón tenía a sus grandilocuentes Yeses y King Crimsons, haciendo gala de su sapiencia musical y flexionando sus músculos técnicos con gestos que tenían que evocar a héroes canónicos como Brahms y Dvorak hasta al muy contemporáneo monumento de Miles Davis, Alemania tenía en sus manos un bonche de bandas muy cercanas al avant-garde que buscaba no tanto una ruptura (bastante intelectual) con su propio pasado, sino, muy en el espíritu constructivista de la Bauhaus, una construcción casi manual del futuro y de la realidad. En términos más simples, fuck history, look forward and build yourself anew. Para los ingleses, esta nueva música salida del país de Wagner representaba una load of bollocks por su complejidad modernista - ellos intentaban equiparar al rock con el gran arte, y los debrayes de Stockhausen acerca de la compresión electrónica de la voz definitivamente no eran parte de eso. En fin, esto es sólo una vía de interpretación para esta ola de bandas que hacen música muy improvisada (arte = vida), larga (contenido = forma), y novedosa (moderna).

Prefiero dejar esto corto, así que como punto final de esta parca introducción me gustaría decir que el mundo no-Alemán todavía se tardó casi diez años más en producir algo de la misma calidad y altura: el festival de Rock In Opposition de 1978. No es que Yes o King Crimson fueran malos, pero ni muchísimo menos, sólo es que no fueron tan destructivamente avant-garde como lo fue el Krautrock o el Rock In Opposition. Por supuesto, para los 80s todo había cambiado y las tablas se habían volteado; el rock progresivo había caído en desgracia y los únicos que seguían contando con una considerable producción decente fueron los grupos que se habían aventurado de lleno al mundo de la electrónica, como Kraftwerk (quienes vienen a México con Radiohead... no me pregunten por qué) y Neu! Las bandas del RIO constituyen otra historia, la cual tal vez sea motivo de otro post.

(Para ir a las páginas de descarga copien el vínculo y péguenlo en su barra buscadora)

Amon Düül II:
1971 - Tanz Der Lemminge (Dance Of The Lemmings)
http://rapidshare.com/files/103031881/AD06.rar
pw para descomprimirlo: purgatory

[Locura llena de improvisación y utilización de ciertos instrumentos para fines que no son precisamente característicos de sí mismos (en este disco creo que no, pero en Phallus Dei, esta banda usa un violín como si fuera una guitarra y el resultado es sheer awesomeness), algo así como post-rock a la inversa.]

Kraftwerk:
Ralf und Florian 1972
http://www.megaupload.com/?d=A6BVX02V

[Supongo que ya los conocerán, los p(m)adres de la electrónica como la escuchamos hoy en día. Un disco mucho más famoso y que define esto es The Man Machine, pero no interesa para este post.]

Can:
Tago Mago 1971
http://www.mediafire.com/?5wp4f0juo62 parte 1
http://www.mediafire.com/?5do0ehumywu parte 2

[Pongámoslo como la respuesta más cercana al rock progresivo por parte de la escena alemana; improvisados guitarrazos, líneas de bajo pesadas y chingonas, una batería loca y complicada, todo con un tono experimental que se ve en la ausencia de una estructura lineal aunada a ataques electrónicos masivamente expansivos (tipo Xenakis) o perfectamente bien acoplados con los instrumentos, sonando a algo hecho ayer 2005,2006,2009... Si hay una banda por completo adelantada a su tiempo, era esta, y con este disco. No es casual que tres de sus miembros hayan estudiado con Stockhausen pocos años antes de crearlo, y se nota en todo momento (busquen los violinazos!).]

Popol Vuh:
Letzte Tage 1976
http://rapidshare.com/files/102128655/PV1976LTLN.rar

[Psicodelia de la más pura y desinhibida; no hay ideas, sino La Idea, el Universo, and awesome shit like that. Si querían soñar, sólo pongan este disco en el fondo. Una de las grandes bandas de este tiempo, y desafortunadamente una de las tantas que hacia los 80s ya sólo eran un pálido recuerdo de antiguas glorias.]

Ash Ra Tempel:
Homónimo 1971
http://rapidshare.com/files/156474352/Ash_Ra_Tempel_-_Ash_Ra_Tempel__1971_.rar

[El stoner rock siempre tendrá sus ojos puestos en la Flower Travellin' Band, tal vez Blue Cheer, Black Sabbath, qué se yo. Pero el Gran Debraye Psicodélico original está aquí, con Ash Ra Tempel. Bandas como Pharaoh Overlord y hasta Earthless le deben una gran parte de su sonido a este disco, entre otros. No por nada Color Haze grabó un disco llamado "Tempel". Behold.]

Tangerine Dream:
Phaedra 1974
http://rapidshare.com/files/46244626/1974__Phaedra.rar

[Electro-rock de vanguardia que mezcla una base casi free-jazzera con todos los conceptos y trucos del modernismo alemán, como la compresión de audio, los loops, y las ideas sobre el sonido electrónico como determinante de tono, ritmo, etc. sin ayuda de un tono, un ritmo, o etc. como tal]

Achim Reichel & Machines:
Die Grune Reise 1971
http://rapidshare.com/files/5113983/green_journey.rar

[Un vato de last.fm lo puso en mejores palabras que nadie forever and ever: "Fuck Pink Floyd. After they kicked out Syd Barrett, David Gilmour must have been masturbating to this record constantly. There's a lot of guitar looping, echoes and delay, electronic noodling and effects-driven arrangements. It's kind of amazing that Achim Reichel isn't more well-known considering this sound." No hay más que decir.]

Alcatraz- Vampire State Building 1971
http://rapidshare.com/files/5821892/alcatrazvampire.zip

[No lo he escuchado, pero según parece es también un disco esencial en cualquier colección de Krautrock. Bájenlo también y luego podemos discutirlo juntos. ]

Kluster:
Klopfzeichen 1970
http://sharebee.com/f9ae83d5

[El "ambient" original, que no es ambient a la Brian Eno, sino que demanda tu atención y te dice "oye tú, scheisse-man! trágate la obscuridad del mundo moderno! tú lo hiciste, después de todo..." Lo negro del paisaje en este disco es la realidad misma, y podemos notar mucho de la escuela de electrónica alemana de este tiempo.]

German Oak:
German Oak 1972
http://www.mediafire.com/?gwrzygmjkyw

[Mi contribución a la blogósfera; parece que no hay dónde encontrar este disco por ahí. Con el tema de la Segunda Guerra Mundial y grabado en un búnker durante el verano de 1972, este disco reclama una actitud decididamente política mostrada a través de la improvisación y un ambiente muy, pero muy Heavy. Ya verán a qué me refiero con esto último, pues el sonido de las guitarras como tal tiene poco de heavy metal, pero holy shit, cómo lo evoca.]

Bien, pues eso es todo por hoy. Disfruten del mundo del Krautrock y olvídense de lo que les enseñan en la escuela sobre el rock progresivo. No por nada algunos dicen que el Kraut es el auténtico rock nerd. Y eso que ellos nunca cantaron sobre alienígenas, elfos, y dragones., como... bueno, como muchos. Más bien tal aseveración indica no sólo el nivel de popularidad (casi nula)si nos vamos más allá de Kraftwerk) de la coyuntura, sino también su marcada cerebralidad, o como chingados quieran llamarle. Si el rock progresivo americano - anglosajón veía hacia atrás (Gentle Giant y sus medievalismos no dejan de ser cagados hoy en día), el alemán no dudó en verse a sí mismo y hacia delante. Who's progressive now, bitch?

¡Diviértanse!

De Magia Veterum

2009-02-28T20:28:00.007-06:00

Hoy deseo hablarles de una banda de back metal llamada De Magia Veterum, pero antes quiero aclararles que su nombre esta inspirado en una obra de magia negra, con algunas relaciones al cristianismo, lo cual me confunde un poco y, lamentablemente, hasta ese punto no llega mi confusión: no pude encontrar literalmente por ningún lado la letra de los álbumes de esta banda, de las pistas no se entiende prácticamente nada por el estilo vocal y, por tal motivo, no sé de qué están hablando. Lo más interesante sería que nos dijeran algo en la letra del punto central de este post: de la magia.

Arbatel, De Magia Veterum es un libro o mejor dicho, un tratado sobre magia que según fue escrito en latín y publicado en Basilea en el año de 1575, del cual se desconoce la autoría y sólo se tiene un tomo de nueve titulado “El Isagoge” que, consiste en siete septenarios de aforismos.

Supuestamente el grupo inicial de aforismos sirve para introducir “El ritual de los Espíritus Olímpicos”, los cuales se encuentran en la tierra y en las estrellas, estos se dividen el gobierno del mundo y son: Aratron, Bethor, Phaleg, Och, Hagith, Ophiel y Phul, seres que reinan las 196 provincias olímpicas. Los poderes atribuidos a estos seres son sobre la materia, pero también sobre la naturaleza misma. Cada uno de ellos tiene atributos propios como de curación, alargar la vida, dar salud, sabiduría, etc.

En cuanto a su música, no tengo muchas palabras para describirla. Sólo sé que es difícil hablar de ella. Es como si te encontraras en medio del infierno, presenciando una masacre sin fin o en una especie de pasadilla, de las peores. Pareciera ser un ejército de hombres sin alma, proponerse a tocar para después hacer sacrificios en medio de un bosque negro y maldito. Al favor de esto nadie lo sabrá y lo posible por quedar es sólo sangre esparcida en un lodo testimonial. El canto del vocalista aparenta una fiera rugiendo, alguna especie de animal salvaje lleno de rabia, conduciendo un ritual macabro. Lo único que me sugiere son un montón de imágenes aterradoras, que se presentan ante tus ojos, que te recuerdan que siempre hay extremos y que algunos los llevan hasta el último lugar posible. Son una enfermedad recordándote que no hay más infierno sino el que nosotros creamos. Mil sonidos de todos tipos se apoderan de las canciones: es como sentarte bajo la caída de una cascada, la cual contiene todos los ecos y lamentos de las pesadillas creadas. En pocas palabras, eso es De Magia Veterum.

Descargar un poco de música enferma:

http://www.megaupload.com/?d=SMTIMWM0

http://www.archive.org/details/de_magia_veterum_-_spikes_through_eyes_2005

Para descargar en el segundo link, le ponen en el tamaño del archivo en “guardar como”.

Información:

http://www.sadena.com/arbatel/

http://arcalucis4.netfirms.com/FL2317.html

http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendid=160626402

"Lo que la música nos dice"

2009-02-16T20:16:00.003-06:00

Un blog admirado por todos en este planeta (un sector del internet que tiene la característica de ser de color verde) publicó hace poco todo un titánico debraye en el que se nota mucho que el autor está acostumbrado a repetir lo que leyó en algún libro (libreto, librito, who gives a fuck) sin haber hecho un esfuerzo importante para comprenderlo. El debraye era acerca de las fiestas y el amor y cómo nuestro héroe se siente desplazado porque la gente le da más importancia a un día cualquiera que a su cumpleaños. EL DÍA EN QUE NACIÓ, POR DIOS, ESTAMOS ANTE UNA COSA SERIA. Whatever. Lo que me interesa es la música que puso para la ocasión (de otra manera no estaría agraciando el Disco Rayado con los pensamientos provenientes del reino protista).

Es interesante en estos términos: el post termina con una reflexión que intenta parecer más profunda de lo que en realidad es (la comodificación de los sentimientos, el desbordamiento de lo privado en lo público, bla bla bla), y si bien las palabras son evasivas en su construcción de un formal todo, la música a la que el autor "deja hablar" revela su superficialidad. No es mi intención atacar sus sentimientos (aunque, si lo siguiéramos en su debraye, podría alegar que el respeto es uno de esos 'valores morales asfixiantes' como dice); estoy consciente de que hay rolas que son muy personales y de las que sería injusto hacer prácticas de tiro al blanco, pero a fin de cuentas si son expuestas en un espacio público (caíste en la trampa, brother, caíste tal cual besador de récord Guiness haciendo de lo tuyo algo de todos) no hay nada que se interponga en el camino... de la Justicia.

Para aquellos que no tienen ni idea de qué hablo, no hay pedo, en algún momento planeo decir algo interesante, aunque no les aseguro nada.

Pero bueno. El chiste es que tenemos ante nosotros un fenómeno no muy particular que Wilhelm Hegel define de la siguiente manera: "te delataste, wey! ha ha, ha, haha ha!" O como lo pondría Martin Heidegger: "hahaha, ha, haha, hahaha, ha, ese wey está tratando de reflexionar cosas importantes para su vida a través de Michael Jackson". Y otro punto, tal vez el interesante: la música no habla. La música no dice cosas. Nosotros las decimos, nosotros hablamos. Las letras son añadidos, lo que cuenta es el sonido. ¿No?

La más reciente ópera del compositor gringo Robert Ashley, Concrete, inspirada tanto en la música concreta (sonidos del mundo remixeados, por decirlo de alguna manera) como en las exploraciones vanguardistas del lenguaje-como-música, está constituida por nueve piezas en las que los únicos instrumentos son las voces de los cantantes y una computadora que genera espacios sonoros a partir de samples de distintos sonidos orquestales; la obra se trata de los pensamientos de un viejo solitario que vive en una ciudad y que repasa todo tipo de vivencias urbanas, desde alucinaciones hasta las vidas de gente sin nombre que conoció y que de una forma u otra se entrelazan con su mente. Los cantantes hablan; la bizarra tonalidad se forma siguiendo patrones regulares de la expresión verbal, lo cual es casi lo mismo que decir que la música son las palabras. Los intérpretes conducen la obra a su gusto, y el operador de la compu va ajustando los sonidos a la línea en la que vaya la interpretación. En teoría es, entonces, casi tan improvisado como una conversación, es casi la vida real. En práctica resulta distinto, pero se nota la mente de un compositor del nuevo avant-garde en acción: las palabras habla-cantadas son importantes porque borran, como tantos otros trabajos del modernismo, la dialéctica tradicional en la historia del arte (forma-contenido, consonancia-disonancia, música-ruido, arte-vida) y establecen un nuevo horizonte para pensar ya no sólo esta obra sino todas las demás que nos rodean.

En todo caso, el significado de esas palabras enriquece el discurso de la obra; la conecta, como dije antes, con la ciudad, la historia, y todas esas cosas. Con esto llegamos a un punto muy debatido en las humanidades: la conexión autor-obra-receptor. Mi muy personal punto de vista tiende a concentrarse en el receptor: Concrete pone, de cierta manera, en cuestión todo el asunto de la intencionalidad al mostrarla "públicamente". Los intérpretes hacen su propia obra a partir de lineamientos más o menos vagos mientras el señor computadora toma sus decisiones propias acerca de cuándo intervenir y cómo. El compositor resulta ser sólo el tipo en el que se inspiraron, y el receptor comprende la obra a su manera y a través del filtro del intérprete. Al final, cada quien escucha lo que quiere, y si para alguien lo más importante es la historia del tipo con cáncer de pulmón, para otra persona puede ser la vida amorosa del viejo en el que se "centra" la obra. Puede ser triste, puede ser feliz... en última instancia es ambigua, como todo arte, moderno o no. Pero eso es sólo mi opinión, y seguramente ustedes piensan otra cosa. El chiste era compartir el problema para pensarlo si les interesan estos asuntos.

Volviendo al tema central. El tema clave. Las canciones de aquél blog. ¿Qué nos dicen? Probablemente nada. Tal vez las letras nos digan cosas. Es el lector o whatever el que habla, no en forma de diálogo, con la cosa o con quien dice que las cosas hablan, sino en forma de juego tipo "completa mi oración..." en el que siempre salen frases cagadas y no del todo intencionales o del gusto de los jugadores. En términos concretos la primera rola, "Mi historia entre tus dedos", no tiene nada interesante; es una balada lineal y derivativa. Las letras hablan de un amor no correspondido, un lugar común de este tipo de música. ¿Qué podemos extraer entonces de esta rola que no podamos de otras? Pues nada, en realidad. Después de todo el alarde de intelectualidad del post, nos encontramos con que en el fondo es sólo expresión tangencial de una cosa muy distinta con la que no me quiero meter. El punto es que el discurso tiene una divergencia muy clara - no corresponde el 'show' con el 'tell'. Es una situación muy recurrente cuando se trata de música: ¿recuerdan "Who Are You?" de The Who? Hacia el final de la canción hay un cambio significativo en su estructura, pues de ser un himno rockero como cualquiera se convierte en una pieza muy al estilo del minimalismo, ese "otro modernismo" estadounidense de los 70's; la rola acaba con tranquilidad y no tengo ni la menor idea de qué hacer con ella... la letra es puro bla bla y nada se presta para hacer una interpretación viable, al menos no cuando tomamos a la rola por sí misma, fuera del contexto del disco en el que está. The Who siempre quisieron tener una calificación de rock progresivo que nunca lograron con éxito, y una canción así me huele a puro farol, como algunas de las piezas "experimentales" de los Beatles. La diferencia, claro, es que los Beatles fueron relevantes. Anyway. En el caso de "Mi historia..." no es problema de la música, sino del texto de quien la cita como continuación de su propio hablar.

Ocurre lo mismo con la siguiente canción. Nada particular que resalte. La letra es en esencia parecida, pero más... enojada. Entramos a otro problema para el cual no tengo una respuesta: los instrumentos ceden su lugar en importancia a la voz, la cual tiene un tono dramático algo exagerado y que se monta sobre acordes simples y precisos de guitarra. La ausencia de 'aventura' instrumental (hay un solo que dura como 5 segundos) podría ser interpretada como indicando que lo que importa de esta canción es la letra. Y si la letra está cargada con enojo y desilusión la música también debería estarlo; el caso es que no lo siento así. Es muy probable que sea mi percepción, y si estoy mal de la cabeza, díganmelo. Siento que es más una rola tipo "hang in there" tendiente a una especie de autosuperación, tanto por su linealidad predecible como el tono serio de la letra - ironía no es, es un romance típico de la música pop. En pocas palabras, el problema está en que creo que la letra no se coordina muy bien con las notas. Si esto fuera otro tipo de grupo, otro tipo de música, podría hacer las concesiones necesarias (Mike Patton, anyone?), pero el asunto es, creo, relativamente más simple.

Dejemos de lado la pregunta de si la música nos dice cosas o no y pasemos a otra. ¿Podemos decir 'cosas' con música? No lo sé. El último disco de Gregor Samsa, Rest, tuvo una recepción encontrada hace más o menos un año: unos decían que era demasiado triste mientras otros decían que era lo opuesto. Para mí ese disco es toda una experiencia de lo sublime... hay un chingo de tristeza, pero también una profunda felicidad, de aquella que sólo es posible alcanzar después de llegar a la depresión más acentuada. Es un disco extraño por eso. Todos tienen una percepción distinta, y a lo más a lo que podemos llegar en cuanto a acuerdo es en cosas más o menos técnicas (como decía quién sabe quién: sólo hay dos tipos de música, buena y mala). Y si usamos a las notas como forma de comunicación, siendo que a veces nunca vamos a llegar a concordar en percepción, ¿cómo vamos a decir lo que realmente queremos decir?

En fin. Creo que la cosa se está ya poniendo muy bizantina. No les pude conseguir un vínculo para la ópera de Ashley, pero vean sus videos en Youtube si les interesa para que se den una idea de a qué me refiero. Tal vez hallen que no hay concordancia entre lo que dije y el sonido que escuchen en sus bocinas. Es todo un riesgo, y ya pensando en términos más pragmáticos para este punto siento que las preguntas fueron un tanto inútiles. Hmmmm. Equis. Siempre es bueno hablar del blog verde.

Festival de México en el Centro

2009-01-28T12:21:00.002-06:00

Si hay algún evento que espero año con año con todo el gusto (y toda el ansia) del mundo es este festival. Ya está la programación: pueden verla en www.festival.org.mx

Como notarán, hay muchísimo qué ver... más que nada, qué escuchar. Este año por alguna extraña razón hay más eventos de música (de todo tipo, para todo gusto) que antes, y en cambio, hay menos de danza. Si lo hicieron porque no jalan tanto dinero no puedo culparlos - como dice el refrán: "más para mí!!!!". El problema es que es demasiado, pero lo bueno es que hay muchos que son gratuitos (como un concierto de free jazz en el que estará Marc Ribot) y que son de tan buena calidad como los que costarán un varito.

Propondría que fuéramos a todos y luego compartiéramos nuestras experiencias en este blog, pero está un poco imposible. En todo caso los que resaltan más de acuerdo a mis gustos e intereses son (conciertos, claro, ya que los demás eventos no tienen qué ver aquí): Sunn O))) y Jazkamer el 14 de marzo ($250 en el Lunario) [Sunn O))) es doom, es sutil violencia sugerida en patrones repetitivos y simples, nada escandalosos; Jazkamer ya ha sido mencionado antes y espero que presenten "Art Breaker", de menos]; Gavin Bryars el 18 (en el Club de Banqueros, wherever that is, $360) y el 20 de marzo (en el Teatro de la Ciudad, con precios desde 350 varos hasta 80) [es un compositor inglés de los grandes de nuestros tiempos, neta no hay que perdérselo - yo tengo tres obras de él si les interesa escuchar antes de decidir, las tres ampliamente recomendables]; Marc Ribot, Greg Cohen y otros el 18 de marzo en el Teatro de la Ciudad (gratis) [free jazz, baby]; Nurse With Wound el 19 de marzo (Palacio de Medicina, $200) [rock experimental ochentero pero divertido y "juguetón", con un chingo de electrónica y a veces noise]; finalmente Mike Patton con el Zu quartet el 21 de marzo en el Lunario, y sin precio anunciado (seguro costará como 250, por el lugar)... y lo mejor de todo es que va a compartir escenario con ellos nada más y nada menos que KEIJI HAINO, señores y señoras. Keiji Motherfucking Haino. Uno de los más bizarros y admirables guitarristas que Japón le ha vomitado al mundo (Lisandro, él colaboró con Tatsuya Yoshida para hacer el disco que te regalé para tu cumple, el de Urrfsdkjsfdkl hahahaha... ese disco). Por la emoción que me causó saber de su participación, voy a poner un disco suyo en este blog pronto, para que vean por qué hay que ir a escucharlo, para que cuando estén con los historiadores del arte del futuro puedan decir "yo lo vi y tú no, puto, ña ña ñaaaa ñaaa, ña ña ñaaaa ña".

Y eso es sin incluir los muchos y variados conciertos de música clásica que enriquecen todo el festival, a los cuales hay que atender también.

Anyway. No puedo esperar a marzo. Es mi mes favorito, ¿les había dicho?

Especial de Pascuas

2009-01-12T01:23:00.004-06:00

Bienvenidos a esta edición del ESPECIAL DE PASCUAS del Disco Rayado, presentándoles tres contribuciones de los tres miembros del blog que todos conocen (o quieren conocer) y que todas quieren (o quieren... eh, nada); es un especial sobre algo místico musical que a mucha gente en algún momento de su vida le ha llamado la atención: el ala-kazam, el chikiti-bum, el fu manchu... o sea, ¡ la magia!

En esta parte del número especial diremos algunas palabras sobre la magia en tres grandes ámbitos a través de tres discos igualmente grandes. El primero de ellos es Magick de John Zorn. Para hacer el asunto breve, citemos sus palabras del librito: "Through study and transformation, whether it be fasting, ritual, incantation, study, spell, trance or meditation, one can learn to access the power of creativity almost at will. This is not about inducing change through drugs, or altering levels of perception within yourself, but rather about tapping a living energy force that exists at all times everywhere. Call it what you will - Magic, self-hypnosis, alchemical transformation - it is something to be respected, because if it is not taken seriously it can destroy you." He aquí un mundo/poder revelado más allá de la ciencia y el surrealismo; la magia es catalizador de la transformación de nuestro [ser, mente, espíritu, what you will] a través de un intuitivo entendimiento de las cosas que nos rodean. Y por más romántica que nos parezca la idea, su pragmatismo nos indica que algo hay de contemporáneo. La primera parte de la cita, después de todo, refleja una cultura basada en la ciencia, en el método que nos permite conocer profundamente la realidad, llevándonos a controlarla. A fin de cuentas ¿qué sueño es más pagano que el control de los elementos? La mística de Zorn se desenvuelve entre bosques de coníferas frente a titánicos monolitos en torno a los cuales danzan hombres y mujeres con cabezas de animales. Control, transformación, 'poder de la creatividad', estas palabras clave resuenan en la pieza para cuarteto de cuerdas que inicia el disco y que se titula "Necronomicon". Nada más apropiado para tratar de la magia que el libro de los muertos - una hipotética explicación sobre el más grande (y cotidiano) misterio de la existencia, la muerte. "Music", dice Zorn, "is one of the great Mysteries." Cómo es que cierto ritmo nos produce cierta reacción, exactamente qué tipo de sonidos desencadenan determinados sentimientos o pensamientos, son cosas que acecharán tanto a musicólogos como a psicólogos y tal vez físicos por siempre. Mientras tanto, para los apenas iniciados como nosotros esas cosas seguirán ocurriendo así, como magia, ejerciendo quién sabe qué control sobre nosotros, produciendo quién sabe qué transformaciones.

Revel in the mystery...

El segundo es The Shamanic Principles, del compositor japonés Teiji Ito. Aquí la magia es vista como componente de un misterioso mecanismo cuya función es llevarnos a una comunión espiritual profunda con el cosmos. Sí, el cosmos. No hay control, sólo transformación; en "Axis Mundi", la primera pieza del disco, se nos muestra una naturaleza tan distante como cercana, tan increíble como comprensible a través de una dinámica de familiarización con ciertos sonidos que conforman música nada repetitiva. No se busca penetrar en la realidad para encontrar algo, sino sólo comprenderla para ser parte de ella, parte integral y armónica. "His first experimentation with these instruments [Teiji Ito construyó una diversidad de instrumentos relacionados con rituales de shamanes de algunas comunidades de indios norteamericanos] was to tape himself layer-on-layer on a cassette tape recorder. His focus was on the relationship between man, animal, and nature - evolving in a kind of journey. [...] The music is a celebration of life which takes us on a journey as we enter a world of ancient wisdom." La otra pieza del disco, "Quetzalcoatl", no se queda atrás en sus intenciones espirituales. Durante su vida, Teiji Ito viajó a diversas partes del mundo para conocer las formas de los rituales de distintos pueblos en torno a la naturaleza. Pero no nos confundamos, esto es mucho antes de que el New Age adquiriera una popularidad enorme, antes de que la magia resurgiera como una superficial forma de control. Esta música está más ligada con un primitivismo muy asimilado y de pretensiones universales - es una forma de soporte, no de control. Es una llamada de atención sobre lo que se ha perdido entre tanto realismo, surrealismo, y desviaciones del new age. Es, compañeros y compañeras, una visión del mundo llena de increíbles misterios y energía creadora.

No pude conseguir un vínculo para que lo bajaran, y la versión que yo tengo en mi computadora es demasiado grande para poder ser admitida en Rapidshit y demás sitios de descargas. De todas maneras, si tienen algún programa para bajar música, es probable que lo encuentren por ahí.

El último disco es Bitches Brew de Miles Davis. En este caso hallamos nada más y nada menos que magia negra. Encontramos una vez más una visión de control, pero es un control no destinado a encontrar un potencial o algo por el estilo, sino que está dedicado a algún efecto sobre los seres humanos. Ilusiones, encantamientos, supersticiones, el reino de la magia negra es posiblemente el más amplio de los tres tipos aquí mencionados, ya que su propósito reside en modificar de manera significativa el curso vital de alguien o de muchos con miras ya no en la creatividad o el gozo del misterio, sino en lo contrario: el no-misterio y la admiración, la acción concreta y el contacto directo con las fuerzas de la naturaleza. El ritmo de "Pharaoh's Dance", la primera gran rola del disco, es repetitivo y constante, características esenciales de cualquier ritual; además, la intervención del piano y la guitarra eléctricos se desarrolla en torno a esa base como las voces de los brujos que, hipnotizados por el mar, el fuego, la lluvia, la mujer, el hombre, pronuncian sutilmente violentos encantamientos sobre algo. Miles Davis estaba muy consciente de la raíz común que el jazz y el rock encontraban en el blues, el cual a su vez se remitía a los viejos spirituals de tiempos de la esclavitud, los cuales se basaban en cantos originados en la todavía más vieja África. Al juntar cosas de ambos (ritmos no tan libres, adopción de la disonancia, instrumentos eléctricos, etc.) miró al pasado y redescrubrió a aquella África de brujos y comuniones naturales que eran armónicas no en el sentido de la perspectiva cósmica de Teiji Ito, sino en otro diferente que se basaba en las creencias populares, en lo cotidiano, y no en lo trascendental. Es el mundo de los amuletos, el mundo de los límites, el mundo de lo inexplicable de la vida diaria.

Hook me up with the brew... (disco 1)
Gimme more! (disco 2 parte 1)
I'm ready for the final ritual... (disco 2 parte 2)

Bien, eso es todo para esta parte. Espero que disfruten este especial tan especial y luego vayan a hacer cosas extrañas por el universo. Le cedo la palabra a mis compañeros.

Jazkamer - Art Breaker

2009-01-03T22:58:00.004-06:00

Luigi Russolo fue creo que el primero en darle el visto bueno al ruido entendido como música al menos desde 1913. Como futurista que era, vio en el caos y la agitación urbana el nuevo paradigma del arte en general. La destrucción del arte antes de ellos era no sólo necesaria, era esencial para la entrada en la modernidad. Poco después, inspirados en las ideas de los futuristas, los dadaístas de Tristan Tzara dieron el siguiente paso en esas ideas de destrucción - crear el anti-arte a través del sinsentido y un profundo cuestionamiento acerca de sus principios, teóricos y prácticos. Fast forward hasta mediados de siglo, cuando John Cage creó 4:33, una obra de puro 'silencio' en la cual la música está compuesta por el ruido ambiental. Más o menos por el mismo tiempo, la música electrónica tuvo sus primeros momentos de gloria con gente como La Monte Young y Stockhausen haciendo sus maldades, que si las han escuchado, tal vez concuerden conmigo cuando digo que son tan abstractas como el 'ruido' de John Cage pero que conservan el toque mágico de "está hecho por un artista", cosa que Cage había, más o menos, destruido en música con su pieza y otras más.

Realmente no quiero echarles más choro, pero creo que tener eso en mente podría ser chido a la hora de considerar esta gemita del noise, publicada el año pasado de 2008. Jazkamer, un colectivo de noruega dedicado a la "experimentación sonora", nos pone el mismo reto que nos pusieron los modernistas hace cien años: un disco llamado Art Breaker que se dispone a ponernos a pensar en qué es la música desde el ámbito popular, el cual se ha encargado por sí solo de hacer "fallar" al modernismo. Sin embargo, Jazkamer sigue poniendo el reto, y qué buen reto, pues puede aplicarse tanto a los creadores que dicen estar haciendo 'arte' como a los que le dicen 'arte' a algo que tal vez no lo es (en intención, en producción...). En Art Breaker, cada rola tiene un título que parte de frases de distintos filósofos y escritores que supuestamente son reveladoras, profundas, importantes. Pero ¿cuál es su contenido? Puro ruido, puros gritos, pura destrucción electrónica. A la vez, las frases son en verdad interesantes. Además, son 58 en total. 58 piezas que en total duran 17 minutos (y el disco es tan agresivo que 17 minutos es suficiente). Es demasiado, es tanta información y tanto pensamiento tan concentrado que no hay más que quedarse atónito: la mente va demasiado rápido, tan rápido como el sonido, y la consciencia no puede hacer mucho por poner orden. La cabeza se rompe, ya no sólo el arte, haha. La portada está hecha en el mismo espíritu y puede suscitar algunos buenos debrayes por igual.

En fin. Mi propósito, a diferencia de otros posts hechos antes, era nada más dar unas líneas sugerentes para que la experiencia sea más chida, en lugar de intentar explicar la mía. Les pongo el disco en Rapidshare (¡me tardé una hora en subirlo!). También, si les interesa saber el autor de cada frase, aquí les pongo un blog en el que un tipo de noruega o fuck knows where se puso a investigar... es, de menos, interesante.

Destroy me

Disfrútenlo, y díganme lo que piensan!

Top Shit

2008-12-28T20:30:00.002-06:00

¿Por qué tenemos esa necesidad de reducir todo a listas? Ni siquiera en medios más o menos institucionales como las revistas de música o los sitios de internet es tan comprensible - ¿qué chingados puede saber un bonche de 40 personas acerca de todo un año de experiencias de miles de otras? ¿Por qué tratar a un arte como si fuera algo medible más allá de su calidad compositiva? Porque si fueramos totalmente objetivos, todos los discos del año constarían casi únicamente de variantes del jazz. Ningún historiador del arte está haciendo sus listas de "cuadros del año", "danza del año", etc., y los intentos de una revista como Wire de incluir música experimental y música clásica-contemporánea (soporten la paradoja, manos, si yo puedo ustedes también) en su lista de este ciclo 2008 (ahí andan Philip Jeck y Robert Ashley, nada más y nada menos, junto a porquerías de otro nivel como Vampire Weekend) es tan sólo una muestra de sus pretensiones por abarcar TODA la música, en vano, y sin sentido. Lo único que logran es destruir cualquier integridad que aquellos discos tuvieran para un lector/escucha cuyo primer acercamiento es, algo desafortunadamente, una lista jerárquica. Lo único que logran es, pues, minar la vieja (pero buena) noción de arte no como un producto, sino como algo logrado en términos singulares de naturaleza tanto física como ideal. Cuando explote la mina y nos encontremos sumergidos en mediocres productos musicales porque no pudimos ver más allá de una vacua jerarquía, será el día en que todos los críticos (yo espero) den un paso adelante y dejen de hacer "consumer advice". A pesar de que a muchos no les guste, Lester Bangs sigue siendo una figura clave en el periodismo de la música popular porque se resistió a la visión de la misma como producto creado para el entretenimiento de las masas, y la vió como arte.

Por supuesto, es un problema del lado de "los que hablan sobre las obras de arte" más que del lado de quienes las crean, aunque la filtración se nota en mierdas kitsch como el disco de electrónica del año para la gente de Popmatters.com, Feed The Animals, de Girl Talk. Como me interesé y lo escuché, les ahorraré el sufrimiento: básicamente es un DJ que mezcla canciones de géneros diversos en una sola rola... y ya. No hay más. Las canciones son en general las que pasan en el radio, you know, las que todos conocen. Me pregunto qué relevancia tendrá esto en diez años, cuando esas canciones sean sólo recuerdo de los que comprarán NOW edición número 2389024389, y peor tantito, todas ellas mezcladas en un disco de rolas sobre rolas. Es un muy posmoderno manifiesto de auto-referencia que, al menos a mí, me lleva a concordar con los cuates de Portishead cuando hablaron en contra del Pro Tools y otras herramientas que los no-músicos usan para hacer música, cuyo potencial y máxima realización está en el chavo de Girl Talk, y que vemos comúnmente en el noise y la electrónica. Pero todo esto está ya muy bien gracias y usted, y mi punto es que el chavo de Girl Talk halla su clímax en 'hits de radio', y ¿quién, si no los críticos, definen muchos de los 'hits de radio'? ¿quién, si no los críticos, les dicen a las bandas cómo operar y cómo corregir sus 'errores'? Los compositores como Philip Jeck y Robert Ashely (sobre todo Ashley, quien tiene una gran talla en el mundo de lo clásico-contemporáneo) seguramente pondrán poca atención y poca importancia sobre su inclusión en la lista de Wire, así como en sus críticas, ya que para ellos es probable que tenga más peso el mundo académico que el popular. En cambio, puedo decir con certeza que bandas como Vampire Weekend pondrán ese tipo de 'elogio' en su Myspace - en el mundo de lo popular, es un hecho importante, algo que les da prestigio.

Y tal vez ahí esté la clave: en el prestigio está implícita la jerarquía. Ahora bien, nos encontramos ante lo que parecería ser un callejón sin salida, porque si pensamos en términos de gusto, también constituimos una jerarquía. Igual si pensamos en ideas, porque hay ideas malas ("oye vato tengo una idea, vamos a usar un PUTO ACORDEÓN en nuestra banda de post-rock para sonar como Yann Tiersen!!!!") e ideas buenas (una banda de hipster cred como Los Campesinos! haciendo una rola que se llama "My Year In Lists" y otra "Knee Deep in ATP"... qué, yo me reí, putos). ¿Qué hacer? Creo que por lo pronto lo más que podemos hacer es promover un cambio en la intención de la creación de listas. Lo más sano es empezar por la frase que un cuate en last.fm puso en su descripción, y que encuentro honesta e interesante: "I care about music. Not about the hipster status of it." Que nos importe la música, y no el nombre que está sobre ella. Porque si le damos primacía al nombre, acabamos con listas en las que lo mejor del año es Radiohead, Coldplay, Girl Talk... (y sí, los estoy echando en la misma bolsa). Si nos importa la música, si la intención es compartir y decir "wow, esto es grande", entonces la jerarquía desaparece, porque no interesa saber si x es mejor que y, sólo que ese gran cúmulo de discos y nombres son potencialmente trascendentales, y si no, por lo menos interesantes, destacables. Y no sobre otras cosas, sino añadidas a ellas, en todo caso a pesar de ellas (es bien sabido que nunca nadie tendrá la misma lista de "top 10" que su vecino...).

Bien, intentando poner en práctica lo dicho, he aquí unos cuantos discos que salieron este año que creo que podrían ser chingones para ustedes, porque lo fueron para mí. Son diez, y son grandes como Melvin de los Choco Krispis. También, no es de mi interés volver popular lo clásico contemporáneo, porque no lo es. Nadie en su sano juicio va a poner una pieza de Robert Ashley en el radio popular, así que no hay razón para ponerlo en la misma categoría (aunque nadie pondría Kayo Dot tampoco...). Para esos lanzamientos, tal vez podamos hacer otra lista, pero por lo pronto esos discos quedarán obviados de la que sigue.

- Kayo Dot - Blue Lambency Downwards
- The Samuel Jackson Five - Goodbye Melody Mountain
- Opeth - Watershed
- Grails - Doomsdayer's Holiday
- Los Campesinos! - Hold On Now, Youngster
- Earth - The Bees Made Honey In The Lion's Skull
- Clark - Turning Dragon
- Erykah Badu - New Amerykah Pt 1: 4th World War
- The Mars Volta - Bedlam In Goliath
- PAS/CAL - I Was Raised on Matthew, Mark, Luke & Laura

Algunos ya los conocen, otros tal vez no, pero cualquier problema o si no los encuentran ya saben, sólo pídanmelos y yo se los paso. Hay más rock que otra cosa; ya saben a lo que le tiro. De todas maneras Clark es el puro poder electrónico del dance floor y Erykah Badu tiene la voz más sensual del universo del hip-hop/acid jazz/funk/R&B/whatever. La verdad es que la lista se quedó corta, y podría poner bastantes más. Fuck it, por qué no.

- Gifts From Enola/You.may.die.in.the.desert - Harmonic Motion Vol. 1
- Harvey Milk - Life... The Best Game In Town
- Helms Alee - Night Terror
- LITE - Phantasia
- Motion Turns It On - Live at the Southpaw
- Youthmovies - Good Nature
- An Albatross - Family Album
- Presto Ballet - The Lost Art of Time Travel
- Phantom Orchard - Orra
- Lost Reverie - Desiderata
- Gojira - The Way of All Flesh
- D.F.A. - 4th (¿gente haciendo jazz-rock a estas alturas? NO PUEDE SER! NOOOOO!)
- CSS - Donkey
- Atlas Sound - Let The Blind Lead Those Who Can See But Cannot Feel
- Bass Communion - Pacific Codex
- Raglani - Of Sirens Born
- Torche - Meanderthal
- Esbjörn Svensson Trio - Leucocyte
- Zakarya - The True Story Concerning Martin Behaim (este disco está cabrón, por cierto)
- Venetian Snares - Detrimentalist

Y ya n o sé que más, hahaha. Salieron miles de discos este año y muchísimos de ellos son grandiosos. Estos, creo yo, fueron parte de eso, y si pueden checarlos, estaría chido, porque estoy seguro que se quedan con al menos uno, y eso ya es mucho. ¿Escuchar un año entero? Fucking imposible. Recrearse y alegrarse en la inspiración y fuerza de algunas bandas que nos impresionan y nos gustan, eso es más saludable y lo que es más, alcanzable. Por lo pronto, poco a poco me voy comprando todos los discos arriba mencionados, y cuando los tenga todos, bueno, cuando los tenga todos ya será fin de año 2009 y será otra cosa. Bueno, podemos soñar, si no para qué carajos están todas esas listas y todos esos recuerdos y experiencias reducidos a una línea, ¿no?

Luz, oscuridad, y la mierda de en medio, parte II

2008-12-23T14:21:00.004-06:00

Después de un largo tiempo de no poner cosas en este blog, más que nada por la pinche escuela (aunque no hay que descartar el factor hueva, el factor convivencia con amigos y familiares, y el otro gran factor protagonista de "estoy jugando el mejor videojuego de toda mi puta vida"), he aquí la segunda parte de ese post lleno de sticks n' stones.

Nuestra existencia tiene un trasfondo de neutralidad muy especial. No se puede estar siempre feliz, así como no se puede estar siempre triste. Además, cuando vivimos estos estados, suplantan cualquier otro sentimiento y anulan la posibilidad, aunque sea por un momento, de sentir otra cosa. Sin embargo, cuando dejamos de vivirlos de manera inmediata, volvemos a... algo distinto. A fin de cuentas, 'soy feliz' no implica 'estoy feliz', y viceversa. ¿Qué es esa neutralidad, ese fluir en un determinado tipo de estado mental sin estarlo sintiendo todo el tiempo? El asunto se asemeja a las primeras pinturas abstractas: figuras de colores sobre planos blancos, situaciones específicas sobre un absoluto espiritual que las origina y les da muerte, las hace parecer infinitas y a la vez las limita irremediablemente. Ocurre algo similar en música: tenemos un espacio en el que viaja el sonido a una cierta velocidad, con una cierta frecuencia, con una cierta longitud de onda - físicamente es un simple fenómeno limitado en alcance, pero mentalmente es interminable, es toda una experiencia que pasa por un gran filtro de historia y biología (cómo escuchamos, qué nos gusta...) que, en ese instante o en otro, tiene un efecto particular en nuestras vidas.

Por tanto, meros fragmentos (los "tiny fragments", como Tangled Thoughts of Leaving los llama en su disco) son todo lo que compone, un tanto contradictoriamente, ese gran fluido de cosas. Y como un gran fluido de cosas que no son más que un gran conjunto bizarro de memorias, tiene un ritmo cambiante, en práctica improvisado, con "el mundo" como trasfondo, como única constante. Su movimiento tiene tendencias, sea hacia lo oscuro o hacia lo luminoso, pero nunca se detiene, y siempre vuelve, en algún momento. Sus colores, como los científicos de la óptica se han encargado en demostrar, son luz reflejada en cierta frecuencia. La luz también se mueve en ondas, lo que nos da como resultado una gran masa de movimiento perpetuo, tanto interno como externo, reflejado en colores, en emociones, palabras, acciones. La felicidad se convierte así en puro tiempo, inexistente en un plano espacial, pero del cual depende para poderse realizar por completo - la música nos toca y quince años después, ya viviendo en Nueva Zelanda, nos acordamos de cuando nuestra mamá nos cantaba quién sabe qué canción de cuna sacada de quién sabe dónde, detenemos nuestras actividades por un segundo, sonreímos, y luego proseguimos. La luz se hace fragmentaria y se cumple la vieja noción de que hay algo de "ligereza" en ella, a diferencia de la oscuridad tan única-unificada, tan pesada y opresora.

Es, en pocas palabras, vivir el mundo a través de miniaturas (tal vez esa sea la idea de las "hardcore jazz miniatures" de John Zorn). Y como tales, presentaré para esta ocasión sólo rolas, no discos completos, ya que los temas y la unicidad son, si seguimos estas líneas de pensamiento, algo que es más fácil dejar a la oscuridad. Vivir esas miniaturas es algo tan increíble que después queremos atesorarlas para siempre y revivirlas cuando sentimos que pueden funcionar como medicina. En este sentido, la música es algo así como una alternativa a la historia y el recuerdo, es una cosa en la que nuestras miniaturas han trascendido su espacio y se convierten en tiempo puro, en combinaciones de notas, en melodías, poemas, disonancia, whatever. Pero simultáneamente es también recordar, es hacer asociaciones, es, al darle al botón de "Repeat", hacer un reenactment de lo que sentimos aquella vez (hace 5 segundos, hace 5 años...) y creer que sí, sigue ahí. Y mientras lo creamos, ahí seguirá.

Hay música que tiene estos sutiles asomos de grandiosidad instantánea, de saberse limitada en lo mayúsculo y trascendental en lo minúsculo, hecha por artistas sensibles a la naturaleza pasajera de la luz que tanto nos llena durante unos segundos que parecen ser eternos para luego desaparecer. Nos mantenemos bajo su sombra por días, semanas, años, y se va acumulando con otras, nuevas experiencias de los rayos de luz, la seguimos buscando y nunca nos detenemos, ni siquiera cuando a nuestro paso encontramos oscuridad. "Hay luz al final del túnel", decimos. Pero si ya la viste, no es necesario llegar hasta ese final para vivirla... pues ese final, en cambio, ya ha llegado a tí en el momento en el que tus ojos se posaron sobre ella.

"We Speak to the Revelator", de la banda neoyorkina The Atomic Bomb Audition, es un viaje lleno de alusiones post-apocalípticas que nos lleva de la mano por todo tipo de destrucciones y deconstrucciones que nos parecerían contrarias a lo que uno esperaría encontrar en plena luz. Un viaje lleno de dramatismo y explosiones sonoras que tienden a lo melancólico y pensativo - condiciones tan sólo necesarias para una vívida apreciación de lo luminoso, una luz que se asoma por los guitarrazos ambientales que se acercan y se alejan, palpitan como nosotros. Secciones de simples sonidos son interrumpidas con violencia por construcciones de nerviosa tensión que dejan ver la cruda esencia de la guitarra eléctrica amplificada: instantes, constantes, y ciclos que se repiten. La voz entra con delicadeza a la mitad de la canción, susurrando letras que tienen frases como "in the wake of the dead, I'll remember your name", evocando el final representado por una masa de guitarras sobre la cual sobresale una trágica melodía que es, a la vez, una sublime pre-resolución del apocalipsis en una forma en la que no hay más que cerrar los ojos, sonreír, y sentir la intensidad del mundo. La resolución viene en la forma de la rola hermana "You are the Sun & the Moon", una hermosa pieza de gamelán y electrónica que, inspirada en la espiritualidad oriental de aquél Bali de danzas de alabanza a la naturaleza y la profundidad del corazón humano (y la realeza, por supuesto), vuelca todas esas explosiones y toda esa intensidad al interior transmutándola en tranquilidad, en una meditación de minuto y medio que nos dice "contrólate, imbécil." Sólo puedo encontrar comparación con el sexo - furiosos momentos de 'decir' y 'hacer' que culminan no con un orgasmo sino con un sentido de pertenecer, de comunión interior, espiritual, con ella o él, ese otro ser humano con el que compartes algo muy pequeño, fragmentos de existencia, pero que ahí y en ese tiempo es todo lo que hay y habrá por siempre (aunque claro, si para ustedes el sexo es sólo eso, pues entonces pónganlo en términos de, no sé, comer una deliciosa versión de su platillo favorito y la sensación de que nunca volverán a probar algo igual). ¿Puede ser ese encuentro, esa culminación, esa meditación, la luz? No lo sé. Sólo creo que en este par de rolas está no sólo sugerida, sino también representada. We, my friends, we, my love, are the sun & the moon.

Time of Orchids, un también neoyorkino grupo de rock ahora disuelto, hizo sólo dos discos. El segundo y último, del 2007, contiene una rola especialmente interesante para este post que se titula "Darling Abandon". Es, creo, la mejor canción de amor de todos los tiempos, aunque no sea tanto de amor de lo que hable. No importa. El tono experimental que permea la producción del disco (Namesake Caution) y de esta rola es un tanto atonal, un tanto de ritmos extraños, fluctuantes, que despiertan un ánimo más o menos melancólico-sereno-profundamente feliz (en inglés, no en términos de happiness, sino en términos de bliss...): es el éxtasis frente a un misterio tan maravilloso como es otra persona, la realidad, nuestra cabeza, la naturaleza, lo que quieran amar. Hay algo místico en esta experiencia que tiene una vibra un tanto pop, melodiosa, tierna a pesar de ser también bastante cerebral. ¿Acaso no es eso también un asomo de luz? La rara concordancia entre corazón y cerebro produce instantes de grandeza, instantes en los que brillamos y parecemos despertar; nuestros ojos parecen iluminarse y los otros pueden perderse en nuestra mirada. "Darling abandon, your mystery knows no bounds", cantamos. Si bien con Portal sufrimos de miedo ante lo desconocido, aquí nos regocijamos ante él, porque es algo que sabemos en esencia humano, en principio también nuestro, y no ajeno. no tan diferente. El teclado pone un fondo de ensueños, una sensación de estar frente al mundo y volar; la explosión post-rockera del final es emocionante, es dulce y poderosa, nos lleva por los cielos hasta que llegamos a un frágil y arrollador solo de guitarra que vuelve a ponernos en aquél ánimo de instant-eternal bliss. Una canción de amor, en general, en teoría, es esto - amor a la vida, con todos sus personajes y cosas, toda su melancolía y toda su alegría, la coincidencia entre razón e intuición en forma de adrenalina, hormonas, pensamientos, visiones, vibraciones...

Un penúltimo ejemplo, más corto, lo prometo. Es "You Appearing", de M83. Yo sé que en este blog he mencionado a este señorito francés de manera negativa, pero esta rola es, en verdad, su momento heróico, ojalá y no el único que tenga. Con sólo tres líneas, dos siendo "It's your face /save me", una inspirada y casi ininteligible voz femenina canta agudamente sobre unas minimalistas líneas de piano y sonidos ambientales electrónicos, a veces intercedidas por un muy filtrado coro masculino que dice "Where are we going?". El conjunto resulta conmovedor, hipnotizante (al estilo de esa nueva y avant-garde banda indie llamada Asshole Hypnotist), y penetrante - el "it's your face" es sentido, el "save me" es profundo, uno te llena de vitalidad, el otro de empatía. Fragmentos de electrónica y de la voz se entretejen para dar lugar a un melódico trance de inspiración divina; no podemos realmente hablar de 'felicidad' tanto como de un instante de trascendencia positiva en el que la melancolía (un elemento, como ya se habrán dado cuenta, común a todas estas rolas) juega un papel clave como "potencializador", como posibilidad, como algo hecho de esperanza tanto como de tristeza, de nostalgia como apreciación del presente ("save me..." - hay algo de lo que no podemos salir nosotros mismos, hay algo que nos carcome y para lo que necesitamos ayuda de alguien más, de ese alguien que se aparece, de ese "you" que todos tenemos en la mente, en el corazón, en los genitales, yo qué sé, pero al cual extrañamos, sin el cual sufrimos, con el cual vivimos sin que tal vez se de cuenta. "save me..." - hay esperanza, esperanza de la buena y no de la dependiente, esperanza de la que uno siente al ver cómo alguien cambia, cómo un grupo supera una dificultad. "where are we going?" - hay un viaje con destino incierto, una mujer que canta [yo la imagino] con los ojos cerrados, viviendo ese "save me" y liberándose con un grito electrónico, preguntando no con desconfianza sino todo lo contrario. El destino es lo de menos, lo que importó era preguntar, es como cuando alguien te pregunta "¿eres feliz?", ese alguien espera una respuesta, pero lo que intenta es ver tu vida en sí, la respuesta, las palabras "sí" o "no" son tan sólo la forma de un gigantesco contenido fragmentario de historias, músicas, planes que aquella persona se dispone a interpretar...). Esta rola es pura luz, es pura chingonería que no se limita a la forma de la palabra 'felicidad'.

¡Último ejemplo! "Plume", de los Smashing Pumpkins, del disco Pisces Iscariot. ¿Se han encontrado alguna vez en uno de esos días soleados en los que reina la hueva y todo parece moverse más lento, pero todo es por alguna razón más chido que nada? Eso es esta rola. "Oh yeah, another day, oh yeah, what a waste", fácil podría pasar como uno de los grandes himnos de la juventud noventera. "What it is, it never was, I don't care, to give enough", Billy Corgan habla en nuestro nombre para dejar claro que es justo en esos días de calidez cuando más a gusto estamos con la vida - "my boredom has outshined the sun". A diferencia de las otras rolas, la luz no viene de fuera, no viene de la música en sí, viene de nosotros, de nuestro aburrimiento, hay más luz en él que en el sol de medio día. ¡Oh, gran revelación, creo yo! ¿No ha sido esto un puro ejercicio de imposición de ideas sobre música que posiblemente no tiene nada qué ver con ellas? ¿No es esto pura luz mía (luz de aburrimiento, nada menos) que brilla más que la de la música misma? Creo que la respuesta correcta es: "I don't care, or give a fuck". El razonamiento nos lleva a demasiadas complicaciones. Esta rola nos incita a dejar todo de lado, y dejar que nos lleve la corriente. ¿Qué tan mala puede ser, después de todo?

Bien, esto finaliza este debraye. La verdad me da hueva explorar lo de la mierda de en medio, y prefiero dejarlo así, con estos dos polos, y la mierda de en medio inferida al principio. Espero que disfruten de estos pequeños fragmentos tanto como yo o que al menos les sean 'agradables al oído' como dice un amigo, una buena forma de pasar el rato. La playlist iría en este orden:

1. Atomic Bomb Audition - We Speak To The Revelator
2. Atomic Bomb Audition - You Are The Sun & Moon
3. Time of Orchids - Darling Abandon
4. M83 - You Appearing
5. Smashing Pumpkins - Plume

En fin, ojalá y les haya gustado esta pequeña "serie" de dos posts. Como siempre, sus comentarios y objeciones son muy apreciados... ya saben que aquí en este blog es puro serious business. Les puse las rolas en un archivo ZIP:

Light me up...

Enjoy!

EP's

2008-12-12T22:01:00.002-06:00

En honor a los días sordos de la vida, estoy trabajando en una compilación de EP’s. La intención es, en primera instancia, ver que tanto he progresado en la búsqueda de bandas, así como si fuera un cabron caza talentos. Sé que se escucha bien tonto, pero la idea me emociona, al mismo tiempo que reconozco la falta de unos cuervos afuera de mi cuarto, lo digo por la cuestión de que los gallos están en crisis mentales. La segunda de mis intenciones, consiste en comenzar a escuchar cierto metal; ya no tanto de Estados Unidos o la parte occidental de Europa, sino de otros lugares cercanos y la vez distantes. Me gustaría que terminara siendo algo bizarro, algo cercano a un objeto definido sin llegar a serlo, en donde convivan un montón de cosas distintas unidas por algo en común.

Por el momento me siento satisfecho de las cosas encontradas. No tengo más que decir. Hasta el próximo post.

Keeping it quite simple.

2008-11-26T15:13:00.006-06:00

Al escuchar la música de John Fahey (1939-2001) nos adentramos en una experiencia entrañable. Nos hundimos en la reminiscencia de lugares que nunca vivimos –al menos no en esta vida- pero que conocemos. Acaso gracias al ideario colectivo, a las películas, a la literatura… al hombre thoreauniano y rousseauniano.
Basta una guitarra para arrojarnos a ese mundo bucólico y silvestre; a las faenas del campo: recogiendo lúpulo, cebada y algodón mientras nos tostamos bajo el sol veraniego; mientras el sudor y las cortadas ministran una comunión sencilla y auténtica entre los seres humanos.

Termina la jornada y todos se reúnen alrededor de la fogata. Es hora de comer después de la chinga del día; de disfrutar del agotamiento físico; de las risas y de los cantos bajo este infinito y dorado campo. Es, a final de cuentas, el momento en que todo se acepta y se vislumbra la belleza de la vida.
Una guitarra emite los sonidos que nos llevan a ese momento… y a muchos otros. Una guitarra que condensa el sentir folk, la visión del sudor, de lo arduo, de lo sencillo, de noches estrelladas, del olor de la cebada y el lúpulo, de las heridas en las manos, del agotamiento físico, de la vida, de las mujeres y los hombres bailando frente a ojos serenos. Sonidos que emanan de un río Missisipi arquetípico con una tradición a cuestas… con la sensación profunda y entrañable del blues y del folk.

Eso lograba John Fahey, solo, con una steel-string guitar.

Sí: muchos lo describieron como “American Primitivism” pero Fahey no sólo incursionó en el blues y en el folk. También le entró a otras cosas. Quedará en ustedes encontrarlas. En alguna ocasión Fahey dijo lo siguiente: "How can I be folk? I'm from the suburbs you know." So fuck tags: give it a try.

Devil Driver (es lo que importa)

2008-11-20T00:39:00.001-06:00

De autobiographia musical

2008-11-14T10:59:00.005-06:00

Es curioso cómo la música puede ir constiuyéndose como la banda sonora de nuestra vida. Que esto es un lugar común, sí. De eso no hay duda y considerar que uno es el primero en pensarlo de esta manera es bastante tonto. De una o de otra forma, encontramos diversos caminos en nuestra existencia que tienen una correlación muy fuerte con la música: con algún género en particular, con diversos géneros, con un solo grupo... con una sola canción o con una sola parte de una pieza -cualquiera que ésta sea-. Acuérdense, por ejemplo, de High Fidelity de Nick Hornby y su adaptación cinematográfica. No es requisito ser un melómano para darse cuenta de que es muy posible que ciertos sonidos tengan un eco respecto de nuestras vivencias y sentimientos. También me acuerdo de la Biographia Literaria del poeta inglés Samuel Taylor Coleridge. Sería interesante hacer una Biographia Musical. Darnos cuenta de cómo fuimos cambiando y, a la vez, cómo fuimos resignificándonos en el proceso y valorar las dinámicas que la música asumió respecto de nosotros en esas largas y perennes metamorfosis. Desde hace mucho tiempo he estado valorando cómo es que la música ha estado presente en mi vida. Del mismo modo, he pensado en la diversidad a la que me he sometido en cuanto a mis gustos: más que tomar esto desde una perspectiva arrogante -pensando que qué chingón soy y la verga de mono, por haber escuchado cosas tan diversas- me doy cuenta de que es una metáfora de por dónde me ha llevado la vida. No sólo en el plano geográfico y espacial, sino también en el temporal, emocional, espiritual, intelectual, sexual, cultural, ad infinitum. Como ya dije no es éste el espacio donde habré de hacer esa semblanza. Sólo quería compartir eso que he estado pensando y que sé que ustedes también lo han hecho. Si hay algo que he aprendido a lo largo de los años es la relatividad de las cosas y en la capacidad que tenemos de crear nuestras propias realidades. Así pues, creo que nuestra relación con la música -así como con las personas- es totalmente cambiante. Algunos tienen más definidos sus planes de vuelo respecto de lo que van a experimentar en el campo musical y otros no tanto. Pues sean bienvenidos todos y, si quieren, compartan su relación con la música desde el plano de vista autobiográfico.

Día de muertos

2008-10-30T22:16:00.002-06:00

Finalmente he terminado de subir esta recopilación de canciones (de la manera más arbitraria posible) con la idea de dedicarlas a día de muertos. No se refieren exactamente al tema, pero me parecen interesantes, locas y oscuras. No me quiero detener en decir los géneros y esas cosas, pues las bandas son difíciles de clasificar y en constante cambio. Sólo espero que se animen a bajar el disco virtual y lo disfruten.

01. Culto of Luna - Owlwood
02. Draconian – She dies
03. Dead Lock – Code of honor
04. Haggard – Upons fallen autumn leaves
05. Slipknot – Gehenna
06. Theatres des Vampires – Lady in Black
07. Devil Drive – I could care less
08. Otep – Blood Pigs
09. Rob Zombie – Living dead girl
10. Coal Chamber – Something told me
11. Ramnstein – Halleluja
12. Static X – Anything but this
13. Kittie – What I always wanted

El disco: http://www.megaupload.com/es/?d=9CGAE0PD

Luz, oscuridad, y la mierda de en medio, parte I

2008-09-26T20:30:00.006-05:00

Hay discos que exploran el lado sombrío de nuestra experiencia, sea en su forma psicológica, sentimental, o lo que sea. Por supuesto, existe el "lado contrario" que ve nuestro lado alegre, luminoso, como quieran llamarle. Esas asociaciones en términos casi ópticos no son gratuitas: la obscuridad nos jala hacia nuestro interior, introyectamos lo que percibimos; la luz nos hace concentrarnos en lo que hay, en lo externo, provoca pensar más en el objeto visto que en cómo lo hacemos, en qué significa. El punto medio entre estos dos estadios es complicado de definir; hay luz en igual medida que obscuridad, aunque aquí la óptica ya diga algo muy distinto, porque en realidad la obscuridad no existe, la luz nunca se ausenta. La sombra se produce porque un cuerpo bloquea las líneas rectas de la luz, y opaca una determinada superficie. Hay discos que se mueven en este terreno: hay un algo, y a ese algo siempre hay un pero, una objeción que dice lo contrario... hay obscuridad, pero existe un rayo de luz; hay luz, pero existe un cuerpo que la opaca.

Tratemos primero a los discos obscuros como la entrepierna de Gstvo. En primera instancia nos parecerían más interesantes que los de la categoría contraria, porque se dedican a esas partes de nuestra mente que por voluntad propia (y hablo en general... muy en general) no visitamos; no por nada nos referimos a la alegría y demás como "ligeras", lo que implica que la tristeza y compañía son sentimientos "pesados", y creo que la tendencia es elegir siempre lo ligero sobre lo pesado como algo positivo para nuestras vidas. El chiste es que no hay una razón buena para seguir creyéndolo. La obscuridad, la música obscura, nos hace preguntarnos acerca de nuestra experiencia; al hacernos voltear hacia adentro nos conocemos mejor, exploramos nuestra mente hasta confiar más en saber quiénes somos y cómo percibimos al mundo, nos da fuerza para enfrentarlo y decirle "fuck off, bring it on". Nos hace imaginarnos la maldad, la locura, la violencia, asimilarlas y entonces abrirnos a ellas cuando se nos presenten en algún momento de la vida... en otras palabras, nos hace tolerantes, nos hace preguntarnos, como en una línea de esas películas de guerra retomada en una canción de Explosions in the Sky, "is the darkness in me the darkness in you, too?"

Si nos atenemos a la noción de que cada quien tiene su versión de los hechos, entonces la respuesta es "no". Pero bajo una visión más general, relativa a la vivencia de una misma música, entonces sí, porque a pesar de que tengamos diferentes conceptos de "maldad", la palabra que usamos para designar lo que sea que signifique es la misma.

No hablo aquí de discos producidos por metaleros que le cantan a Satán y se creen muy malos porque voltean la cruz y degüellan a un pollo; eso es pura puesta en escena, y lo peor, es puritita pendejada porque se quedan en un plano superficial de lo que es la maldad y cómo podemos entenderla. Según esa música, la maldad es el simple anti-valor, es una infantil muestra de llevar la contraria, es algo vacío y estúpido. Hablo de música que realmente nos lleva por caminos obscuros.

Tomemos el primer ejemplo: Outré de la banda australiana Portal (lo siento Lis-handro, te había dicho que eran canadienses, pero Mario se encargó de corregir mi camino). No hay aquí nada urbano, y mucho menos nada natural. La introducción está hecha de sonidos perturbadores parecidos a algo así como gemidos de cristales cuya fuerza crece con el tiempo hasta que se recubren con un fondo grave, profundo, interminable, igualmente malviajante.

El sonido expansivo y totalitario en todos los sentidos, de la guitarra, se vuelve apabullante en poco tiempo; la batería se oye distante y sólo marca los latidos de nuestras corazones, divididos matemáticamente en ritmos con golpes a veces sucesivos, a veces intermitentes, siempre inquietantes. Una voz cavernosa gruñe y grita, ruge desde el abismo que se encuentra en nuestras mentes, tal vez grande y central, tal vez pequeño y periférico, no importa, porque es intensidad pura. No importa, porque no podemos entender lo que está diciendo. Nos está alienando de su discurso y todo suena completamente ajeno aunque está aquí y nos rodea. Nada se mueve como debería: no hay riffs definidos, no hay gritos constantes, parece no haber una estructura cerrada en las canciones, sólo hay la disonancia de un campo desolado y muerto que absorbe nuestra esperanza y con furia extra-humana la destruye. No somos bienvenidos a esta tierra de decadencia: está más allá de nuestra humanidad, es extraña, es inhumana y por lo tanto más terrible que el infierno, el cual, poblado por antropomorfos, nos parece familiar y casi seguro. Aquí nos encontramos ante lo desconocido, lo verdaderamente desconocido que nos resulta incomprensible y que nos llena de miedo y de inseguridad.

Outré: el más allá, lo bizarro, lo extraño. Lo que nos espera después de la muerte. No es la nada, no es el cielo, no es el sufrimiento... es el caos, la incertidumbre, el interminable fin del mundo que se da una y otra vez en nosotros. El más allá respira y tiene ojos en todas partes, pero sólo los sentimos, pues estamos voluntariamente ciegos al no atrevernos a ver la masa informe de lo ininteligible. ¿Cómo serían los dioses? Creo que esta música es una buena representación de lo que veríamos al posar nuestra vista sobre un dios. Es una fantasía muy Lovecraftiana, una idea que nos deja, como especie, empequeñecidos ante lo increíble, absolutamente solos porque, al final, la incomprensibilidad es mutua. Nunca entenderemos a esos seres hechos de fuck-knows-what, de vida y muerte en formas eternas... pero lo más impactante es que esos seres son nuestro reflejo, en cierta medida en tal reflejo nos hallamos como somos. Inalcanzables, extraños, bizarros, incapaces de responder a una pregunta tan simple como quién soy, quién eres.

La obscuridad en este disco es plena, es absoluta. No hay rastros de luz, ni siquiera una sombra. En lo personal, es terrorífico. Al mostrar un más allá como probablemente es, dirigió mi atención al aquí y ahora, y me hizo darme cuenta de lo chido que es. Ni loco quiero morirme, no fucking way, no fucking thanks. También me hizo pensar en que tal vez nunca pueda comprender a nadie, ni a mí mismo. Si fuera fatalista, me daría por vencido y ya. Pero como tiendo a ser optimista, me voy a cansar de intentar entender a los otros aunque ahora se que tal vez nunca pueda hacerlo por completo, acompañarlos a donde nuestra obscuridad nos lleve para vivir nuestra soledad y hacerla algo constructivo: si dejas de pelear por integrarla, o si te dejas llevar por ella por completo, entonces estamos todos perdidos; no tiene caso acercarse, no tiene caso desafiar el abismo entre nuestras miradas. Eso fueron los resultados en primera instancia. Ahora bien, ¿por qué sigo poniendo el disco en mi playlist? Porque el mundo se ha hecho tan familiar que necesito un pequeño sarandeo de vez en cuando: lo inconcebible existe y está donde termina mi propio cuerpo. Portal no es una banda que yo ponga para rockear, como música de fondo... no, es música para escuchar, para ponerse a pensar y malviajarse a toda madre. Es música para hacer consciencia.

Lo cual nos lleva al siguiente ejemplo: Life... the Best Game in Town de la banda Harvey Milk. La propuesta parece simple: nuestra existencia, atascada como está de cultura (es inevitable) y de supuesta racionalidad, es tan trascendentalmente intrascendente como cualquier juego, lleno de reglas y tiros de dados, control y descontrol, tensión y satisfacción: es una enorme construcción lúdica en la que al final "Death Goes To The Winner", como indica el título de la primera canción. La música está llena de tonos algo macabros que se insertan en un contexto de ligereza en la estupefacción, del escapismo cotidiano al que todos recurrimos en algún momento del día, todos los días, al leer, ver la tele, mirar el cielo, bañarnos, yo que sé. El vocalista gruñe y grita con la voz de alguien que no está del todo cuerdo: todo está de la verga un instante y al siguiente todo está bien, porque el tablero de este particular juego está hecho de lo mismo que las reglas y que el jugador, resultando en la bipolaridad extrema de competir contra nosotros mismos y vivir, dentro del muy impuesto rutinario orden de la vida, siempre con temor al inconsciente y el 'dejarse ir'.

Acecha en cada cosa que hacemos, y por más tranquilos que estemos siempre habrá algo disonante en cada una de nuestras pequeñas victorias (y todas, en resumidas cuentas, son pequeñas en comparación a lo que podríamos hacer desde afuera del juego, desdeñando sus reglas... son pequeñas también porque la más grande victoria de todas, ganar el juego completo, conlleva la muerte), y aunque no las vivamos así, "Barnburner" las parodia y nos las muestra tal como posiblemente son: actos de locura. Actos de locura porque el orden es artificial y peor aún, es esclavitud, es una medida de controlar nuestra voluntad, es el mejor juego en todos los sentidos. La tensión perpetua sólo lleva a la esquizofrenia, pero en la esquizofrenia, nos dice Harvey Milk, hay libertad, solos desenfrenados de guitarra y aceleración continua frente a la lentitud y pasividad estancada del juego en general.

Los sentimientos son igual de limitantes. "After all I've done for you, this is how you repay me?", dice la tercera canción. No sólo hay orden, también hay desorden en la forma de obsesiones y otros rollos emotivos. Pero el desorden no es liberador, porque es tan integral al juego como el orden, es una regla más que todos esperamos y conocemos, que todos respetamos. Es, al menos, igual de determinante que cualquier forma de orden. Sólo la auténtica inconsciencia, sólo la locura puede mostrarnos cómo se configura el juego y desentrañar sus secretos, sus claves, y vivirlo como se debe: como una caricatura de los Looney Tunes. Sólo les digo que el disco hace referencia directa a ésto, pero que el cuándo sea una sorpresa, haha. Anyway, las caricaturas de los Looney Tunes están repletas de sinsentidos, desde los temas y las historias hasta los personajes. Todas son muestras puras de excitación y movimiento que no tienen motivo alguno ni fin general ni coherencia en las narraciones. Son episodios de situaciones increíbles que se resuelven de maneras también increíbles, ingeniosas, a veces estúpidas, a veces graciosas, pero siempre impredecibles. Claro, existe la ironía de pensar en que todos y cada uno de esos episodios aparentemente indeterminados tienen un guión, un "director", un dibujante, en otras palabras, un orden dado desde el exterior y del que los personajes no están conscientes, si es que puede hablarse de que los Looney Tunes estén conscientes de algo, por supuesto. ¿Será que no hay salida del juego? ¿Será que lo único que podemos hacer es vivirlo, sujetos y atados a sus reglas?

Tal vez. La posibilidad de la locura siempre está ahí. Entendemos la locura como algo que sale de la normalidad, como algo que rompe todas las reglas. Pero los locos no sólo tienen intuición, tienen un razonamiento especialmente sensible, cuya lógica excede la nuestra y penetra en la realidad de una forma que no podemos comprender a ciencia cierta. Pueden ser iluminados, ilustres, idiotas, geniales, violentos, extraños, apacibles... son todo al mismo tiempo, y parece como si pudieran entender el juego. Parece como un balance perfecto entre consciencia e inconsciencia: existe la posibilidad de repartirnos entre ambas sin darle primacía a ninguna. La posibilidad de darnos el lujo de, a veces, no preguntar por qué hicimos tal o cual cosa. Dejar la obsesión por el orden o el desorden de lado, y ponerle atención, más bien, a los actos en sí, sin asociaciones, sin implicaciones, libres, pero en balance. Una vez más, la obscuridad de la mente está aquí para que hagamos consciencia de que tenemos que perderla para poder vivir en paz. Harvey Milk nos incita a romper las reglas, a salir de ellas y dejarnos de tanta pendejada que nos limita, tanta pendejada racional y tanta pendejada emocional que nos determina.

Ahora ve allá afuera y haz algo estúpido, háblale a un desconocido y dile algo inteligente e interesante. No seas "tú mismo", porque eso no existe, sólo existe la manera en la que reflejas tu locura.

Con esto termino este debraye acerca de lo obscuro, y los dejo en manos de lo desconocido. Espero que les haya gustado, y espero que tal vez haya sido algo que les de en qué pensar. Si no, pues mala la leche, coño. Continuará.

Portal - Outre (Rapidshit, sorry mates)
Harvey Milk - Life... the Best Game in Town
(Nuevo link de Harvey Milk... este sí sirve!)

Virgin Black

2008-09-15T10:54:00.008-05:00

Es curioso la aparición de bandas dentro de los distintos géneros de música, parece una suerte de plaga; se genera un estilo, y, muchas de las bandas emergen siguiendo los pasos de quien finco los primeros escalones, hasta aquí no encuentro mucho problema mientas claro esta, se mantenga una aportación y originalidad, la pesadilla comienza cuando se repiten unas a otras, es compresible y lógico el sello del estilo pero lo que no es entendible es la monotonía y los mismos modelos.

Vigin Black es una banda de Australia, yo la encuentro más en el gotic-metal, aunque tiene otros elementos de tipo clásico, por ejemplo, el estilo del vocalista es versátil pero ahí están las notas muy cercanas a un tenor, sin llegar a serlo. Por supuesto que otros los clasifican en una montón de géneros y no sé que tanta pendejeda, que si me preguntan por la existencia de la lógica en esas mamadas, diré que me rindo. No presumo yo de poseer la verdad, puede ser que me equivoque, pero es loco pensar en cinco géneros para una misma banda.

Me encuentro en una especie de crisis de géneros y por eso no quiero extenderme en este punto; qué es la música gótica, no lo sé, y me da la impresión de que quien ostenta saberlo, no lo sabe y sólo sabe pararse en una pose de marfil y supuesta melancolía que aterroriza su vida cotidiana.

De lo que les quiero hablar es de la Sombre Romantic de Virgin Black. No me quiero detener demasiado en las canciones y prefiero que ustedes les den su mejor punto de vista. En general Virgin Black, es una banda que se recomienda por si misma, no necesita a mi parecer una larga descripción de su esqueleto y de su carne. Algunos dirán que My Dying Bride ya hizo el trabajo, pero las intenciones musicales de los australianos apuntan a otras cosas ―aunque debemos de aceptar algunas similitudes―, a otra forma de hacer música lo cual es valioso en el mundo de la repetición.

La Sombre Romantic, es un disco virtuoso por su intensidad, por la capacidad de los músicos de realmente transmitir emociones, por su versatilidad en los instrumentos y la seguridad de que cada canción dice algo distinto.

La Sombre Romantic, es un disco interesante por sus formas, por la fuerza desplegada en cada uno de sus espacios, por su coraje no expresado en si mismo, sino traducido a emociones. Desde los primeros traks “Opera de Romanci: I. Stare” “Opera de Romanci: II. Embrace” y “Walk Without Limbs” te podrás dar cuenta de lo que te quiero decir. Piensa en la melancolía por sus notas pero no olvides el metal porque es parte esencial de la fuerza. Algunas partes de la canciones pueden ser más veloces y rabiosas, en otras ocasiones lentas y agónicas, como es el caso de “Drink the Midnight Hymn” y de “Museum of Iscariot”, que por cierto habla esta ultima de Jesucristo muerto, pues son cristianos y aquí presente esta el elemento religioso, auque en lo temático no salen demasiado del mismo calabozo.

“Lamenting Kiss” funciono como uno de los sencillos del disco, en éste se demuestra la capacidad vocal de Rowan London, que tal vez no es la que mejor ilustra sus capacidades si hace, a mi parecer, una buena ejecución y es de esos cabrones que tienen marcada en la geta y en garganta la capacidad escénica de plasmar lo que sienten. Y no todos pueden hacer eso. En este sentido me recuerda mucho al vocalista de My Dying Bride, uno es el hijo y el otro el papá.

Bueno ya me dio flojera y tengo cosas por hacer, mejor bajen el disco y lo discutimos, estoy dispuesto a pelear canción por canción.

De aquí se lo chingan:
http://www.mediafire.com/?9dpck2mmn5l

Burial

2008-09-09T12:56:00.002-05:00

Hace un día o dos me topé con un par de artículos sobre Burial que me parecieron interesantes. Algunos de ustedes tal vez lo conozcan. Para aquellos que no, visiten su Myspace y escuchen lo que hay. También está la entrada de Wikipedia, que no dice mucho, pero sirve.

Hasta hace poco tiempo, Burial era un artista anónimo, en el sentido en el que su identidad permanecía oculta al público. Solamente sabíamos que era londinense. Se imaginarán mi sorpresa cuando, buscando información acerca de un posible nuevo álbum, me encuentro con una entrada del periódico The Sun, de Inglaterra, que con aires de victoria anuncia el nombre del artista. Al parecer el pendejo del editor de la sección de "showbiz" (ya desde el título del apartado es pura mala espina, carajo) había lanzado no hace mucho una recompensa sobre la identidad de Burial... parece ser que, bajo la presión de tanta mamada, éste decidió sacar una foto y su nombre en el myspace.

"Bueno, ¿y qué?", seguramente se estarán preguntando. Si les inetersa el "qué", lean esta excelente entrevista hecha hace ya casi un año, con motivo del Untrue. No voy a decir que esta entrevista me haya cambiado la vida, pero sí me hizo pensar en muchas cosas.

Ya que hayan terminado, pues pueden imaginarse por qué el asunto es... grave. El arte de Burial era uno de introspección y aislamiento, la paradójica soledad de las grandes ciudades como Londres y su último reducto de solidaridad: la música, una vaga conexión entre un alguien y la nada, un alguien y el todo. Música que pertenece a nadie, a todos. Música con la cual disfrutamos de auténtica libertad sin asociaciones ni referencias a la industria musical, al radio, a los medios, a los mainstreams. La idea me recuerda a los anónimos medievales, a aquellos que, al menos idealmente, eran guiados por el sentido de comunidad; intentar unir en los sonidos (y la religión) a quienes no tenían ningún motivo para hacerlo, a quienes tenían que ver individualmente por su propio bienestar cada día, cada hora. "¿Quién lo hizo?"... no importa. Lo que importa es el efecto que tiene sobre nosotros.

El anonimato de Burial era algo simbólico, intramusical y nada externo, que definía la esencia de la música en esa compleja red de introversiones sometidas que llamamos sociedad urbana, una esencia que disuelve géneros y deshace diferencias... “What I wanted is to get people singing: girls singing and pitching them down, so it sounds more like a boy singing, and then guys singing, and pitching them up, trying to get them a little more female. You get this weird middle ground and I’m into that.”
En otras palabras, una esencia que deshace sociedades: nos muestra cómo las ciudades se han convertido en sueños tecnológicos en los que participamos tan sólo de manera tangencial; nos inhiben, nos angustian, nos limitan y por lo tanto nos llevan a un único refugio que es cantar como el otro, cantar junto al otro. Ese otro que es tan anónimo, tan solitario como nostros, pero que podemos escuchar, que podemos sentir... que nos da esperanza de seguir adelante.

El imbécil de The Sun no lo entiende. Él sigue pensando en términos de industria musical, de "who's who", de producción, de utilidad, de funcionamiento y de gusto definido por su entorno mediático. Ponerle nombre a Burial era ponerle nombre a la posibilidad de chismes, de estrellato, de más ventas y más producción.

"I hadn’t heard of Burial before his nomination. I’ve now listened to him and love his stuff.

Isn’t that the point of music?

Not according to all the dubstep fans who have emailed crying about their music being stolen from them"

Es triste leer eso de alguien; que el punto de la música, así, en general, sea solamente ser escuchada y enjuiciada en cuanto a gusto. Esos "dubstep fans" tienen toda la razón del mundo - les han robado ese diminuto lugar en el que podían sentirse humanos y lo han puesto a la venta. Recuerdan "Big Yellow Taxi" de Joni Mitchell? La que dice "They paved paradise and put up a parking lot"? En otro contexto, ocurrió algo similar, pero si en esa rola la conexión humana era a través de la naturaleza, en la música de Burial era a través de las canciones en sí. Ponerlas al servicio de la lente de los medios es haber pavimentado el paraíso, es haber convertido algo profundo en motivo superficial, en motivo de Radio Ibero para que los hipsters digan "sí, Burial es buenísimo, espero que venga a México..." y puedan excusar su falta de pensamiento sobre aquello que escuchan con tan poca atención. En palabras más burdas: han convertido a Burial en motivo de una leyenda más en el loading screen de Rock Band.

Y con ello, amigos y amigas, con ello mueren esas conexiones humanas. Deja de ser música, y comienza a ser información. Afortunadamente Burial sigue, hasta cierto punto, en el anonimato. Pero eso no durará mucho. Cuando salga el nuevo disco, los medios van a caer sobre él como buitres, y no lo van a dejar en paz. Lo van a convertir en una estrella, y nosotros, los seres humanos, ya no formaremos parte de la escena.

Por otro lado, puede que esté sobrerreaccionando. Espero que así sea, y que estas noticias no tengan impacto alguno sobre el arte de Burial. Espero que esto sea tan sólo un berrinche elitista, y no más. Es sólo que algunos símbolos todavía son merecedores de respeto.

Nostalgia de rock

2008-09-02T11:53:00.003-05:00

Extreme es una de esas bandas que pegaron mucho en su momento y luego se disolvieron para no volver. Formada en 1985, esta agrupación que incluye al famoso Nuno Bettencourt fue arrojada al bote de la clasificación de "funk metal" y así los definieron durante los diez años que duraron juntos. Fast forward otros diez, en 2006, y ya se andan reuniendo, a pesar de que Bettencourt mandó a la verga a VH1 cuando les propusieron una de esas reuniones de sólo un día. La reunión ya más definitiva fue para grabar un disco nuevo, titulado Saudades de Rock (algo así como "añoranzas de rock" en el natal portugués de Bettencourt) y publicado hace muy poco, como un mes o dos.

Como el título lo indica, es un disco bastante retro, con un sonido que no termina de definirse entre el hair metal de los 80 y el hard rock de los 90 de bandas como los Stone Temple Pilots; suena crunchy pero limpio, lleno de riffs de la vieja escuela que básicamente están ahí para mentarle la madre a la escena del rock de hoy, volcado a lo extravagante, a las auto-imitaciones y al "no-rock", por llamarlo de alguna forma. Y de ninguna manera esto implica que suene viejo.

Por supuesto, no es un disco perfecto y tiene sus momentos altos y bajos. En mi opinión esos momentos altos están más cargados al inicio; las rolas de más o menos la mitad para adelante se me hacen algo aburridas, aunque tienen cosas chidas. En todo caso vale la pena tenerlo aunque sea tan sólo por "Star", "Comfortably Dumb", "King of the Ladies", y "Run". Hace tiempo que no rockeaba así de chingón, hermanos y hermanas de Cristo nuestro señor. Si están buscando un rato de diversión al estilo de los buenos tiempos de Axl Rose, look no further!

Extreme - Saudades de Rock
(Es rapidshare, lo siento)

Compilación de Disco Rayado, Volumen 1

2008-08-23T09:20:00.004-05:00

Con mucho honor y fuegos artificiales les presento la primera edición de la compilación oficial del Disco Rayado, titulada Gonna Dance My Life Away. ¡TA TAAAAAAaaAaaAnNN!!!!

Las compilaciones siempre son algo torpes - mezclas de estilos y transiciones no muy fluidas se convierten en parte de su esencia - pero también son bastante divertidas, y lo que es más, sirven para dar a conocer artistas que la audiencia posiblemente no conocía antes.

En este caso, mi intención era hacer un disco bailable, con puros ritmos traducibles en "movimientos del bote" y manos agitándose en el aire, aunque empieza lento pero interesante("Tonto", de Battles)y acaba en la pura diversión ("Feel The Air 2005" de Jazztronik). Hay rock, hay electrónica, y hay acid jazz (oh, y una que otra funky), más o menos en ese orden de aparición; quise que fuera ecléctico sin ser demasiado geeky, hay unas en las que fácilmente pueden recostarse y dejar hacer, dejar pasar, así como pararse, sacar a la chica guapa a la pista, y revolotear como si fueran los 90s.

Sólo que, por causas de fuerza mayor, esperen más acid jazz que otra cosa. Pensé en incluir más techno o electrónica, como Justice, pero preferí el acid jazz porque es menos agresivo, es más social, y más apto para ser escuchado en casa, con un jugo (de su sabor predilecto) en mano.

Espero que esta primera compliación les suba el ánimo, les haga levantar las manos, y les haga tomarse un descanso de lo que sea que estén haciendo y aprovechar una hora de sus vidas (aunque muchos lo llamarían perder una hora, ¡se los advierto!). So get up and let's dance! Let's dance our lives away!

Track list:
1 - Battles - Tonto
2 - El Ten Eleven - I Like Van Halen Because My Sister Says They Are Cool
3 - Hot Hot Heat - No, Not Now
4 - CSS - Let's Make Love And Listen To Death From Above
5 - Hercules & Love Affair - Hercules' Theme
6 - Me & You - Sneaker Thief
7 - The Bamboos - Bamboos Theme
8 - FreeTempo - Vamos a Bailar
9 - Jazzanova - Fedime's Flight (Kyoto Jazz Massive Rework)
10 - Groove Collective - Ocean Floor
11 - Mondo Grosso - Anger (Rhymin' for Original)
12 - Kyoto Jazz Massive - Substream
13 - KOOP - Summer Sun
14 - Jazztronik - Feel The Air 2005

Todas las pistas tienen un poco de custom tagging... hehe...

Vínculo para descargarlo:
Disco Rayado Volumen 1: Gonna Dance My Life Away

Kill Your Idols

2008-08-16T10:08:00.004-05:00

El otro día en conversación con doña Pozo me pasó algo gracioso. Me retó (cough cough) a identificar una canción, y obviamente fallé el reto. No se qué canción era, pero luego me dijo "Es de The Doors", y cuando le dije "No me gusta The Doors", se sacó de onda muy cagado. "Ay ¿qué pedo con tus gustos?" me reclamó. No sé, amiga, lo siento, pero bueno, ya pasada la risa me puse a pensar sobre qué tan condicionados están nuestros gustos (andaba en el metro, y aún afuera de él, le dedico mi pensamiento a muchas pendejadas... como ¿por qué chingados no se muere Paul Newman ya? hmph, I can't fucking sleep, mates). Es razonable pensar que están por entero condicionados, por factores múltiples que van desde lo que escuchaste de niño hasta cómo te sientes el día de hoy. El factor que me interesa, sin embargo, es externo, en términos de algo así como "herencia cultural". Todo mundo dice que los Rolling Stones son chidos, pero realmente ¿quién se pone a escucharlos con atención? Creo que ya no mucha gente, o al menos, nadie de nuestra generación. Muchas de las bandas que se ganaron una considerable reputación en su tiempo siguen conservándola, y a los ‘chavos de hoy’ como nosotros no nos interesa cuestionarla, más bien dedicándonos a venerarla y continuar con su existencia.

Entre muchos de nosotros, escuchar a los Doors al menos una vez en la vida es prácticamente imperativo, casi tanto como gustar de ellos. Un ejemplo más fuerte: Led Zeppelin. Pero "The End" tambalea, con su miedo al caos cae fácilmente en el terreno de las "buenas impresiones" que hoy en día ya suenan a añoranzas hippies de un oriente exotizado, a sueños de escapatoria incumplida que no nos corresponden, y con mucha razón. "Dazed and Confused", en cambio, se establece sobre un sentimiento de violencia, desamparo (en blues), y desenfreno, una promesa de vida mucho más cercana a nuestra locura urbana contemporánea. Una comparación interna entre ambas es inútil porque no se parecen en nada, pero creo que mi punto puede sostenerse: "People Are Strange" responde a una necesidad totalmente contraria a la de "The End", y en ese acercamiento a 'lo real' lo más coherente es la prudencia melancólica de un observador que con tristeza se proyecta (casi que por vez primera) hacia la sociedad en la que está inmerso, con la cual no se identifica, y por supuesto, de la que se siente alienado.

Get the fucking handkerchiefs, we got ourselves a whiner.

Fuera de pedo (o en él, como vean), las letras y la descripción dejan de ser tan efectivas cuando escuchamos la estúpida rola. The Doors decidieron... parecerse a los Beatles en espíritu. Pero para estos tiempos el enorme fenómeno de la british invasion ya empezaba a apestar menos, en otras palabras, comenzaba a tomar rumbos más interesantes (pero sin ser interesantes, anyway... sí, soy como un niño pequeño, los odio a todos). De tal forma, "People Are Strange" se derrota a sí misma en su visión pop arraigada en melodías pegajosas y coros simples; una visión pop que los mismos bitles empezarían a “superar” por ahí de 1968, un año después de la publicación de "People Are Strange". Si los Doors fueran tan chingones como la gente dice, creo que hubieran podido superar una visión tal con anterioridad, sobre todo teniendo en cuenta su pasado hippy más psicodélico y original que las vomitadas que los Beatles venían reproduciendo desde una década atrás. Esto es, hablando en términos de esos años. Yo no sé cómo carajos no aprendieron, como Jimi Hendrix, los Rolling Stones y luego Zeppelin, la lección del blues, siendo que pertenecen a más o menos los mismos años. No puedes hacer una canción de pop verdaderamente triste sin acudir a algo del blues, sin hacerla rock primero. ¿Qué esperaba The Doors con una canción como “People Are Strange”? En su momento tal vez fue efectiva, pero con una óptica diferente parece revelarse como un intento fútil. Solamente me hace pensar en que, a final de cuentas, The Doors sólo estaba ahí por el dinero, la fama y la gloria, y no más (¡Vamos a hacer una canción que todo mundo pueda cantar, venga, jóvenes desplazados!). Jim Morrison el gran poeta mis huevos en salsita roja picosita.

En términos de hoy, podemos hacer otra comparación más o menos inútil. "Since I've Been Loving You", de Led Zeppelin, está cargada de intensidad y sufrimiento dados no sólo por la quebrada voz de Jimmy Page (llora, llora conmigo, idiota, nos dice), sino por el gran balance que existe entre instrumentos; la guitarra es doliente y melancólica con apoyo de un teclado que hace del blues algo suyo al tranquilo, introvertido ritmo de la batería. I'm about to lose my mind, señores, I'm about to lose, y la guitarra da rienda suelta a la emotividad de una angustiosa existencia. Siete minutos y medio de confrontación con una realidad que se hace exponencialmente más fuerte que la de "People Are Strange" sólo porque el "actor" es parte de ella. Es una realidad que lo consume, no una que lo aleja lo suficiente como para reflexionar lo malo que es que nadie recuerde tu nombre; eso no importa, estás aquí, estás de la verga, y no hay mucho por hacer. Es una experiencia mucho más vital y, como ya he dicho, cercana a nuestros días.

“Oye imbécil”, pueden decir, “pero los Doors fueron importantes para su tiempo”. Tal vez, pero el tema es por qué chingados son importantes para nuestro tiempo. No tendrían por qué serlo. Realmente se quedaron cortos en sus propuestas, prefiriendo el mainstream (en ese entonces sí existía, y básicamente tenía un representante… los bitles) a la experimentación que se les adjudica en ocasiones. En ese aspecto fueron superados por sus congéneres de Grateful Dead. En el aspecto de abordar el mainstream, la verdad es que éste tenía mucho mejores representantes que los Doors, como el mismo Hendrix y los hippies tipo Janis Joplin (y si quieren, en términos de influencia, los mismos Beatles). Ah, pero Jim Morrison llega y se muere. La clave está en que el idiota se muere estando bajo el lente de los medios, después de sus rolas one-hit como “Light My Fire” y “People Are Strange”, inmortalizadas thereafter.

Aunque no lo crean, no se me ha olvidado el propósito original del post. Todo ese choro fue parte de decirles que, de alguna forma, los Doors llegaron con gran fuerza hasta nuestras conciencias y los seguimos escuchando sin haberlos reevaluado, resultando en que a mucha gente y sus abuelas les gusta, así en general, The Doors, llegando al punto en el que alguien se sacó de onda cuando le dije que a mí no. También, supongo, es una cuestión de coherencia. The Doors eran una de las alternativas a The Beatles (al final, vaya alternativa), aprobados y posteriormente santificados por la cultura inconforme con las desgracias de ese pop ya devaluado (¿The Turtles? For fuck’s sake) y dedicado a los singles (¿pero con qué recordamos a los Doors? No es con sus discos…). La cultura de la gente de nuestra edad se preconcibe como inconforme, en vista de lo que se supone “alternativo”, y en ese sentido es bastante lógica la expectativa de que a todos nos gusten los Doors, íconos de una falsa inteligencia que se auto-asume como connosieur cuando se tiene una vaga idea de qué fue bueno (asociado a lo alternativo) y qué fue malo (al mainstream) cuando nuestros jefes todavía se metían químicos en la sangre. Hay, creo, también un problema que se relaciona con aquellos tiempos; en un principio bandas como Zeppelin no tienen mucho éxito, son rechazadas, es un “underground” no deseado por su intensidad negativa, sus bad vibes, man. El rock progresivo apenas empezaba: de todas formas King Crimson era demasiado cerebral, Pink Floyd demasiado volcado a la enajenación, y no mucha gente estaba consciente de sus apariciones: la cultura alternativa necesitaba bandas accesibles, agradables (de un determinado mainstream). Con todos los héroes hippies prominentes muertos para 1970, más o menos, no había mucho a dónde mirar para encontrar opciones diferentes. Además, esos héroes en verdad pueden contarse con las manos. The Doors se encontraba entre los grupos disponibles que fácilmente podían entrar en la nueva dinámica de buscar en el pasado inmediato algo que pudiera redimir a la gente del otro mainstream, el de los Beatles; lo and behold, pronto son hechos estatua.

Y como estatua se nos ha heredado. The Doors no son tan buenos, neta, hay grupos mejores que son de más o menos el mismo tiempo. Creo que fueron un recurso, representaron una cierta idea en un momento específico y luego no se les dejó ir en paz. Es tan fuerte esta herencia que es casi obligatorio que nos guste su música. No todo en la historia es memorable, y a veces la memorabilidad de ciertas cosas se nota artificial después de tiempo. Si se fijan, los Doors no tuvieron repercusiones mayores; prácticamente nadie se dice inspirado por ellos, nadie copia su estilo simplemente porque no tienen estilo. Aunque me choquen, los Beatles sí lo tienen, sí influenciaron a… bueno, a todo mundo, el rock progresivo hizo boom en los 70’s y sigo oyendo la introducción de guitarra de “Close to the Edge” de Yes en las formas de múltiples bandas de math-rock, Led Zeppelin se convirtió en un fenómeno por sí mismo, la psicodelia se dejó de exotismos baratos y se hizo auto-consciente, y yo qué sé.

El gusto, a diferencia de esa psicodelia, muchas veces no es consciente. Nos dejamos llevar por herencias, modas, reseñas, word-of-mouth, presión social y demás. Si bien creo que el caso de Led Zeppelin es más justificable, es igual de cuestionable, pero eso es algo que yo ya no soy capaz de hacer; soy persona de peces pequeños. A veces, sólo a veces, creo que es mejor aproximarnos a la música del pasado por cuenta propia, y no por fuerza hereditaria. Puedo leer acerca de Jethro Tull y decir “bien, escucharé algo”, lo cual probablemente sea mejor que, como creo que ocurre muchas veces, saber que existe Jethro Tull por injerencia familiar o como sea, saber que son buenos y que me gusten simplemente porque son Jethro Tull y nunca preguntarme “bueno, y ¿por qué?”. El consejo de Sonic Youth es sano: kill your idols. Pensando en qué “grandes” bandas me gustan porque me tienen que gustar concluí que tengo bastantes, aunque las he empezado a matar ya, la primera siendo los Red Hot Chilli Peppers, la segunda siendo Sigur Rós. De los Foo Fighters sólo me gustan dos canciones. De Mr. Bungle sólo me gustan como cinco. ¿Pink Floyd? No fucking thanks, me quedo solamente con Piper at the Gates of Dawn. Metallica apesta, y lo saben todos los que leen estas palabras… lo saben en el fondo de sus corazoncitos de gelatina de pollo. I know you do. Ahora bien, si todas esas bandas que a “todo mundo” le gustan son apreciadas por ustedes de una forma que vaya más allá de la inconsciencia, pues mis respetos, con ustedes no me estoy metiendo. Caso ejemplar: a esa amiga le encanta Michael Jackson, pero le encanta todo, es fan, y ser fan es muy respetable porque implica conocimiento de causa, haber escuchado hasta lo peor y decir “bueno”, implica un gusto que no es hereditario. No creo que pueda decir lo mismo de ella en cuanto a Los Puertas, pero tampoco creo que le interese lo que tenga que decir acerca de eso, porque es una persona normal. En todo caso termina siendo bastante interesante el hecho de que tengamos gustos que no pensamos y que ni siquiera son parte de una mecánica que vivamos hoy, sino que son parte de algo que se vivió hace ya mucho tiempo y que se nos comunicó indirectamente.

¿Qué piensan ustedes? ¿Tienen bandas qué sacrificar al dios de los discos? ¿O The Doors sí son buenos y se las pelo? Let me know!

Hiromi - Kung-Fu World Champion

2008-08-08T18:47:00.002-05:00

Fuckin' A. En palabras de un comentarista de YouTube (siempre confiables, siempre coherentes):

"jazzeldestripador (1 month ago) Show Hide

No pretendo ser maleducado, no? pero como me calienta esta mujer!!!... el tema es increible.."

En fin, disfruten, creo que me gusta más esta versión que la de estudio (tengo el disco por si lo quieren). Later.

Heavy metal en Bagdad…

2008-07-31T17:58:00.003-05:00

Heavy metal en Bagdad… así comienza el encabezado de la sección de espectáculos de La Jornada; es un pequeño articulo que nos habla, entre algunas cosas, de un grupo de metal originario de Irak, el cual hace música occidental y junto con esa aventura se han encontrado con muchas piedras en los zapatos, pues como todos mas o menos sabemos, Irak es un lugar en el que encuentras la muerte en casa esquina y nadando contra la corriente se encuentran en el exilio. El nombre de la banda es Acrassicauda. No me gusto mucho su música, pero el fondo y lo que los mueve rompe con mucho. También el pequeño articulo encontraras breves referencia al mainstream, con lo que solo logra dejar mas preguntas que respuestas.

Aquí les dejo el link de La Jornada y más abajo el myspace de la banda.

http://www.jornada.unam.mx/2008/07/26/index.php?section=espectaculos&article=a09n1esp

www.myspace.com/wwwacrassicaudas5com

Somewhere Along The Highway

2008-07-31T13:29:00.003-05:00

Cult of Luna es una banda que en principio no me impresionó. Fueron de los primeros en hacer metal bastante meditativo, prolongado y temático, casi épico. Y no épico en el sentido de A TRAVÉS DEL FUEGO LOS ELFOS ABRIERON SUS CACHETES TRASEROS E INSERTARON SUS ESPADAS HERÓICAMENTE EN LAS RANURAS RESULTANTEEEEEEESSSS, sino épico en cuanto a discos cuya esencia reside en rolas que conforman una estructura semi-narrativa; historias de una hora que contienen todo tipo de debrayes y emociones encontradas tendientes a la obscuridad, la soledad, y la desesperanza. Cult of Luna inspiró a bandas como Callisto y Pelican a hacer experimentaciones con el género, haciéndolo, en muchas ocasiones, instrumental al estilo de la música ambiental. El resultado es una especie de panorama pesado, crunchy, desolado, aunque en el caso de Pelican tengamos algunos rayos de luz y furia que dibujan otros ánimos más allá del gris y el negro.

Los primeros discos de Cult of Luna, uno homónimo y otro titulado The Beyond, están llenos de lo que para el género del metal era ya un chingo de experimentación, con ritmos lentos, guitarras muy bien filtradas (no hay arrolladoras cargas de distorsión) pero en extremo pesadas, y temáticas de orden espiritual que le deben más elementos a una especie de orientalismo que a la mitología occidental. Si bien se desarrollan de maneras muy interesantes, al final del día son discos prescindibles por la naturaleza limitada de sus propuestas más aventuradas, mucho mejor logradas por sucesores como las bandas ya mencionadas. La crítica tiene muchas cosas buenas qué decir para Cult of Luna, pero yo guardaría silencio.

Eso es, hasta ahora. A veces escucho una banda y no me gusta, pero es posible que, si le vi "potencial", luego regrese y vea en qué andan por estas fechas. Claro, para mí, "estas fechas" significó checar Somewhere Along The Highway, publicado en el 2006. Me sorprendí en demasía, y me da un chingo de gusto poder decir con seguridad que este álbum es una puta obra maestra del género. Por supuesto, al hablar en esos términos parezco snob (y puede que lo sea), e implica muchas cosas como haber escuchado una buena cantidad de discos similares... pero lo he hecho, así que cuando se los digo, se los digo en buen plan. Anyway, no pretendo escribirles una reseña del disco, ni mucho menos, pero sí les daré una breve intro, por puntos específicos, porque tengo hueva.

- El tema del disco es el del título, claro. No hay precisión; la vaguedad de nuestra locación propicia no sólo un sentimiento de estar perdidos (en todo sentido), sino también de momentaneidad. Además, es un tema más cercano a la vida común, a la experiencia cotidiana, aunque esté impregnado del espiritualismo orientaloide que hace de Cult of Luna lo que son: algo así como místicos de lo mundano.

- Es música para estar solos y vivir en la desgracia. De todas formas, hay instantes en los que podemos ver el paisaje más allá de la carretera; flores como la que está en la portada, nacidas de la nostalgia y el recuerdo de algo más alegre, perdido ahora para siempre. Si están en un ánimo propicio, hay secciones que resultan maravillosas, como el final de "Dark City, Dead Man".

- Son rolas largas, en promedio, de diez minutos de duración.

- Es un disco que hace de lo chingón y energético del metal algo pasivamente disfrutable, casi bello. Olvídense de Opeth, this is where it's at.

Recientemente sacaron un nuevo disco, Eternal Kingdom, el cual, desde el nombre, sabemos que tiene que ver con sus rollos de siempre. Le dí una pasada, y no me impresionó. Le falta algo de la maestría con la que configuraron Somewhere. No se qué es, para serles sincero. Tal vez es sólo que este disco se ha convertido en uno de mis favoritos. En todo caso va a ser difícil encontrar algo tan bien logrado como este álbum. Mouth of the Architect hace intento tras intento, pero sólo terminan haciendo remedos mediocres. Algunas rolas de Pelican se acercan, tal vez el Oceanic de Isis, pero no hay nada como esto, así que dénle un rol y contemplen lo deprimentemente chingona que es la vida desde la carretera. Espero que les guste tanto como a mí y que les produzca sensaciones tan sublimes como las que me produjo.

Mientras tanto, saludos desde mi entrepierna.

Cult of Luna - Somewhere Along The Highway

Death.FM

2008-07-21T16:06:00.002-05:00

Las ventajas de participar en un blog de música son muchas y una ellas es tener un buen lugar donde compartir información como la siguiente. Espero que se estén despedazando los oídos de escuchar mucho metal, y si no es así, deberían de hacerlo. Buscando en la red algunas estaciones de radio me encontré con una genial, pero no tendría ningún sentido visitarlo sin que escuches las emisiones. Me paso horas escuchando las señales y anotando bandas interesantes, aunque, luego pasan cosas extrañas. Me gusto mucho http://www.death.fm/ porque tiene un montón de cosas muy chingonas. Esencialmente transmiten Black y Death, aun poniéndose la cosa cruda no importa. Mientras la escuchan con una cerveza en la mano y una mujer desnuda dándote masaje en los hombros (no en el pito), pueden ir navegando por todas partes y verán que se divertirán. Una buena idea es registrarse para pertenecer a la comunidad, puedes poner post, recomendar sitios, ver muchas disqueras, escribir en el foro, etc. Algo muy interesante son los links. Por ejemplo, puedes encontrar este sitio: http://www.metalmap.org/ en donde sale el mapa de Europa, le picas en una país y te salen las bandas de la nación y su estilo. En Death.fm ponen en el fondo información de la banda y la portada del disco. La verdad es que tienen tanta mamada que hay mudo donde explorar.
Sinceramente lo hago para que se hagan cabroncitos. Saludos desde el limbo.

Cosas valiosas II

2008-07-21T12:06:00.002-05:00

He aquí la segunda parte de tanta mamada escrita en el post anterior. Como les iba diciendo, hay muchos discos que no reciben la atención que merecen y que se encuentran en posiciones algo difíciles frente a la multiplicidad de gustos de la audiencia internetiana (¿en verdad queda gente interesada en escuchar nueva música que no pertenezca a ese grupo?). Hoy en día ya no surgen "grandes grupos"; los que lo son ya forman parte de un pasado que es, en forma muy paradójica, anticuado.

Hace un par de noches alguien platicaba que en dado momento durante la ola del nu-metal todos teníamos no sólo el Follow the Leader de Korn sino también la mierda esa de disco que sacó Limp Bizkit, el cual en el fondo a nadie le gustaba pero era parte integral de nuestra escena. Eso sí es participar de un cierto mainstream, y no jaladas de cuero cabelludo. Mas en esa generalidad había sólo un lugar extraño para aquellos que no se metieron tan de lleno. Yo era un reaccionario. Ante la novedad de esas bandas, yo decía "qué mierda", y seguía escuchando Soundgarden y Smashing Pumpkins. A diferencia de hoy, lo "nuevo" no me concernía y me conformaba con los éxitos de siempre. No me refiero, para nada, a oír música de años antes, porque eso también puede ser nuevo bajo ciertas circunstancias, sino a limitarme a repetir sin cansancio las mismas canciones, las mismas bandas, same old, same old. No se a qué hora me pasó lo contrario, pero el punto es que a pesar de percibir una circunstancia clara y determinada en nuestro mainstream, siempre hay elementos de disrupción que posibilitan la relativización de los "gustos generales".

En este sentido, es interesante ver la posición de una banda como Gifts From Enola. Si sólo visitaramos sitios como Silent Ballet, After the Post Rock, y similares, pensaríamos que esta banda ya es un fenómeno universal. Pero menciónenla en donde sea fuera de estos ámbitos y probablemente se lleven la no sorpresa de un "¿quién?". Si bien los halagos se desbordan de kilobytes, no es una banda que tenga tanta presencia en el mundo real: los mainstreams funcionan de maneras muy, pero muy misteriosas que espero algún día poder descifrar. ¿Cómo chingados llegan Battles y Saul Williams a un festival (el All Tomorrow's Parties)? Cierta fama los precede, por supuesto, pero, por ejemplo, Battles tiene muchos enemigos acérrimos, a tal punto que prefieren escuchar cualquier otra banda de rock instrumental, cualquiera. Hasta la fecha no he encontrado a nadie que diga que Gifts From Enola son un chiste, tienen mala estructura, son demasiado chavitos, yo qué se. Creo que la banda sigue tocando en bares y lugares pequeños. ¿Qué está pasando? Beats me, mates. ¿No son lo suficientemente notorios y/o notables? ¿No tienen el apoyo de la crítica? ¿No tienen uno de los mejores discos de rock instrumental de nuestros tiempos en la manga, como fucking debut? Mientras tanto, una marranada como We The Kings, lanzada al "estrellato" por un chingo de clicks de MySpace, toca en un festival, aunque sea ya en este 2008 año de nuestro señor un festival para retrasados mentales, wannabes, y pubertos, como lo es el Warped Tour. El chiste es que tienen un chingo de exposición, aunque se haya originado en MySpace, y es el tipo de exposición que luego los lleva por tours interminables a través de quién sabe cuántos países. Y no estoy diciendo que estar incluidos en festivales tenga que ser el máximo logro de una banda; sólo me refiero a que ser invitado a uno es mucho mejor que seguir pagando por dar tus propios conciertos.

Así que en pos de esparcir esos clicks de MySpace les presento a Gifts From Enola y su disco debut, Loyal Eyes Betrayed The Mind. Esta banda necesita más gente escuchándola y apoyando sus álbumes, porque promete, promete un chingo. Recientemente hicieron un split con You.May.Die.In.The.Desert titulado Harmonic Motion Volume 1 . Brillaron por su avance en cuanto a estilo, más controlado, más meditado, y más inovativo, pero con medio disco uno queda insatisfecho y es más fácil ir a su grandiosa primera grabación.

En ella hay una intensidad impresionante que resulta no sólo del tradicional juego entre quietud y paredes de sonido, sino también de la capacidad de estos chavales (cuando grabaron este disco estaban saliendo del high school, en gringolandia) de labrar potentes riffs que dicen "somos más heavy que Red Sparowes" sin, en realidad, serlo del todo. Es un sonido que le tira a las altas frecuencias, por lo que no hay pesadez alguna, al menos pesadez real , pues una rola como "Early Morning Ambulance" definitivamente suena a puro instru-metal pero ni nos jala hacia la tierra ni nos lleva consigo en un exacerbado dinamismo; al contrario, es tan disfrutable como Explosions in the Sky y evoca no se cuántas emociones en lapsos de tiempo que llegan a extenderse por minutos hasta que nuestras bocinas se rompen con "City Lights Scraped The Sky". He aquí, señores, señoras, perros e iguanas, un monstruo de rola. Mucho más majestuosa y extrovertida que cualquier rola de EitS, más cercana a las épicas de Mogwai y al crunchy flavor de Pelican o Red Sparowes, esta pieza estalla con un riff casi típico que se convierte en un desplante metalero de headbanging "con esencia", "con alma", con ese algo que no se limita al poderoso movimiento del sonido y que nos hace perdernos no en la nada que se hace entre nuestra persona y la música que escuchamos, sino en el vacío de nuestros pensamientos entremezclados con las notas. Y qué más podría pedir: la continuación, llamada "In the Company of Others", es intensidad pura. Se construye una narración, con un inicio, un desarrollo, y una conclusión. El principio acelera el pulso, el desarrollo lo mantiene en alto y empieza a introducir un elemento de tensión; una tensión enorme que en un punto explota, se hace distorsión, parece que el disco se ha rayado, se ha roto... repentinamente se suelta una gran fuerza vital que tiende al caos, a la disonancia, a la alarma y la destrucción total. Termina, y somos libres.

Para no arruinarles la experiencia, sólo les digo que el resto del disco está lleno de situaciones similares que además combinan espacios ambientales y electrónicos en la mezcla. Es en verdad un gran álbum que vale la pena pasar de persona a persona, de consciencia en consciencia, para que en un futuro sigan haciendo música significativa y no se queden atrás entre todas las bandas que acaparan la atención de la gente, tanto los gustos particulares como los generales. Algún día entenderemos por qué We The Kings salió de su cajita, y por qué Gifts From Enola se ha quedado en la suya. En todo caso tal vez el conflicto está en que sigo creyendo en que hay un mainstream de los mainstreams. Hmmm. Whatever. Escuchen Gifts, y sean felices. O no, también está chido.

Vínculos:
Loyal Eyes Betrayed The Mind completo (la neta es que son muy poquitos megas para ser un disco completo, así que igual y la calidad del mp3 está de la verga. Como es seguro que sea así, cómprense el disco en CD Baby... haha)

Cosas valiosas I

2008-06-24T09:20:00.004-05:00

El valor de las cosas es relativo. Cada quién le imprime un significado preciso (o no tanto) a los objetos que lo rodean, algo que no comparten con los demás explícitamente. Por supuesto, ocurre lo mismo con los discos y con la música que contienen. Tal vez ese disco te lo regaló una persona especial. Tal vez te lo encontraste tirado en el metro y dijiste "hey, qué cagado, un disco de alt-cumbias, bato, me lo voy a llevar". Tal vez bajaste esa canción de internet porque un buen amig@ (hahaha lo siento tenía que usar la manera fresimbécil de distinguir géneros en forma políticamente correcta... sí, eso me hace un fresimbécil también) te la recomendó. Tal vez se la dedicaste a alguien. Tal vez te recuerde a la secundaria, al kinder, no se, al estómago de tu jefa cuando te ponía la grabadora en tu jeta de feto antes de que nacieras.

Pues ese mismo disco, esa misma rola que tanto aprecias de seguro a alguien más le parece intrascendente. Y qué bien, porque así podemos intercambiar opiniones, encontrarle nuevos aspectos a música que ya tenemos casi idealizada. Qué bien, porque así nos salimos de nuestras respectivas burbujas. Y a la vez qué mal (en cierto sentido), porque ese particular valor, tal como era, se pierde para siempre. Había una canción que me gustaba mucho y que, cuando empecé a liberar mi música, a dejar de hacerla sólo mía y compartirla, se la dediqué a una chavala que me latía; me emocionaba escucharla y la ponía día tras día. Era "Morning in the Moonlight", de Saves the Day, y fue la primera canción que le di a alguien con esa intención. Me sigue gustando, pero ya no evoca nada, y más curioso aún, me he dado cuenta de que no tiene nada de dedicable. En su momento me provocaba cierto estado de ánimo, estoy consciente de ello, pero me encuentro imposibilitado en cuanto a saber con exactitud cuál y qué era lo que sentía; ya no recuerdo qué vi en ella (tanto la canción como la chava) que me hizo decir bambi, es para ti de mi, o cualquier pendejada que haya dicho. No es algo malo, es más, qué mejor, pero cuando algo de valor se pierde, sólo nos queda la nostalgia.

Sí, me gusta Saves the Day, ya pueden dejar de reírse, tarad@s.

Pero basta de digresiones. El punto de todo eso era decir que voy a presentarles dos discos que son muy valiosos... y creo que todo lo dicho arriba era como una nota al pie después de esta última palabra. En todo caso sirvió de aclaración, porque estos discos son de gran valor tanto personal como, en una proyección por entero subjetiva que pretende involucrarse con un ámbito de "objetividad", en general para el tipo de música al que pertenecen. Creo que ninguno de los dos han tenido el reconocimiento que se merecen, a pesar de tener su público y fans como yo. ¿Por qué? Creo que porque no están dirigidos por fórmulas comunes, pero también porque sus particulares innovaciones no son lo suficientemente aventuradas (en el ámbito de la música "popular", por supuesto), como por ejemplo, en el caso de John Zorn y su violencia desmedida, sino que son más moderadas y su ingenio, más limitado, se expresa de manera distinta. En ese justo medio entre la regla y la diferencia parece que no mucha gente presta atención suficiente, a pesar de que discos como estos son verdaderos oasis en un desierto lleno de conciliadores mediocres como This Will Destroy You, el último disco de A Silver Mt. Zion, M83, Hot Chip, los jotos de Joy Wants Eternity y demás porquerías que nos llegan hoy en día hasta el Ghosts de NIN.

El primer disco del que les hablaré es The Sentinel, de la banda sueca Aerial. Basado en el cuento de Arthur C. Clarke, el álbum nos lleva a través de una expresiva historia de ideas que no se relacionan mucho con la ciencia ficción, sino con emociones fuertemente asociadas a melodías elegantes a veces delicadas, a veces intensas, que nos llevan a exclamar, junto con aquél personaje de aquella película famosa, "My God, it's full of stars!". Las armonías se entrelazan y sobreponen en rolas como la que lleva por nombre esa misma exclamación hasta desenvolverse con estruendo muy al estilo de Explosions in the Sky. Entre cada manifestación de elocuente grandiosidad hay pistas ambientales que en primera instancia parecen prescindibles, sobre todo después de las imparables emociones suscitadas por las pistas más rockeras, pero que si escuchamos más de cerca podemos notar su nivel de artesanía, su importante función de "calma después de la tormenta". Así disfrutamos más de la trama que el disco elabora, nos adentramos en su forma concisa de expresar sentimientos complejos en melodías y armonías:
hay una cierta sensación de inevitabilidad activa ante el sueño último, entre introvertida y extrovertida, que nos lleva a conmovernos positivamente cuando la voz llega a la línea que dice "... we will all die." No hay aquí ningún "aprovecha el tiempo que te queda" ni "vive al máximo" ni estupideces de ese tipo que tanto llaman la atención cuando es uno adolescente. Hay aceptación, y superación, al mismo tiempo. ¿No es eso chingón?

Pasamos por la poderosa "46th Street", una magistral muestra del bien que puede hacer la distorsión y la disonancia por el rock semi-instrumental, en la que hallamos una hermosa y polifónica melancolía de sueños y recuerdos que parecieran deshacerse y revivir en contra de nuestra voluntad. Continúa en esta línea "Walk With Me", coronada por una tranquilidad situada entre la tristeza y la felicidad que se rompe gloriosamente con una deconstrucción ruidosa y disonante.

"The Dark Star Deleters" tiene una melodía inicial que es llamativa, emocional, si quieren "femenina" y que de forma invariable atrapa a la audiencia con su delicadeza; activa el corazón y se lo lleva a las estrellas, encerradas en la infinitud del oscuro espacio en el que no encontramos nada más que proyecciones propias; descubrimos que esas estrellas tienen formas que nosotros mismos ideamos y es casi imposible no sonreír. Las pistas finales son recapitulaciones tipo los ya mencionados Explosions in the Sky, meditaciones al borde de la intranquilidad que nos dejan inmersos en quién sabe cuántos sentimientos simultáneos.

Este disco es valioso porque, a diferencia de esa última banda, las construcciones de Aerial son precisas y su fuerza es continua, a pesar de que parta también de los momentos de tranquilidad y de ejercer el ya choteado sistema de quiet-loud-quiet y sus distintas variaciones. Sus melodías tienen una intensidad sentimental gratificante que se aumenta con los aspectos más experimentales en cuanto a disonancia y el ya casi típico rompimiento de los coros. Esto, señor@s, es el rock instrumental (o post rock, como quieran) en una de sus más finas expresiones. Es como una versión ultrarrefinada que sabe a qué atenerse y cómo llevar a cabo sus propósitos. Este disco también es valioso porque en mí despierta todo lo que he vivido emocionalmente este último año or so, y es en verdad el único álbum (en su totalidad) que ha logrado algo así en mi persona. Así que ya saben por qué The Sentinel es una cosa valiosa. Espero que lo aprecien y que para ustedes también lo sea.

Vínculo:
Escucha a Aerial en Last.fm

Desafortunadamente no pude encontrar un vínculo para bajar el disco completo. Está en Soulseek, o si lo quieren ya saben, se los paso. Ya les pondré el siguiente disco en otro post. Mientras tanto, have a nice day, motherfuckers!

Estúpido mainstream, que en paz descanse

2008-06-13T19:02:00.005-05:00

Las superestrellas han dejado de existir. Ninguna banda se hace repentinamente famosa y millonaria por un disco, un concierto, un no se qué. Todas esas cosas ya son notas culturales del siglo pasado. Las que había lo siguen siendo, pero de ahí en fuera ya no ha surgido nadie que tenga la misma "importancia" y que sea tan significativo como pudieron haberlo sido hace diez años. Las superestrellas se han hecho fugaces: 50 Cent duró un par de años, Eminem hizo hasta una película y hoy en día a nadie le interesa qué chingados está haciendo. [Estoy generalizando, lo se, pero creo que está por entero justificada.] En cambio, todo un ejército de pendejos y no tan pendejos de 40 años o más están al tanto de dónde esta Axl Rose, en qué videos sale, y bajando los singles del legendario Chinese Democracy. Guns n' Roses no sólo tuvo relevancia (salvando al mainstream de gente como Paul Stanley y sus hordas transexuales) sino que también tuvo influencia sobre toda una generación de rockeros que en sus buenos tiempos todavía aventaban las sillas al escenario y golpeaban a los de seguridad privada.

Hoy en día, ¿quién nos representa, quién nos levanta y nos une? Nadie más que nosotros mismos. La distribución de amplísimo alcance por medio de internet ha convertido a todos en expertos de su propio estilo de música elegido. Hasta la gente que escucha más Billboard que otra cosa conoce al menos una banda que ninguno de sus allegados ha visto jamás, tiene un amigo en MySpace que tiene un grupo que conoce al hermano de un chavo que toca... etcétera, se podrán dar una idea. "Ubicas a..." es una pregunta más común que antes, y hablo de un antes que todavía le tocó a gente anciana como nosotros. Hace como cinco años, poco más, poco menos, aún hablábamos de música en términos de "te gusta..."; muchos de nosotros todavía usamos esa expresión como resabio del toque del mainstream, convencidos de que ahí está y todavía existe. Creo que aplica el dicho de que la gente conoce cada vez más de cada vez menos, pero en la música tal vez no sea eso algo tan malo.

¿Hay todavía un mainstream del cuál podamos hablar? Parecería que sí. Todos saben quién es Rihanna, aunque nunca hayan escuchado una rola de ella en sus vidas. Esas personas, esas falsas estrellas, salen todavía en los periódicos, revistas, y algunos programas de televisión. Digo falsas estrellas porque ya no representan un modo de vida, un patrón de experiencia que podemos ver a detalle en los medios de comunicación y que podemos comparar con el propio, ya no unen a nadie bajo su bandera y están más cerca de lo que en verdad son o deberían ser: músicos. El rockstar es ya sólo una leyenda: los Grammys son un chiste, los MTV Awards son pura farola y ya nadie quiere estar bajo el lente de los medios, porque no le están hablando absolutamente a nadie. Están solos en sus campañas de publicidad, son un entorno autorreferencial; se dan palmadas a la espalda entre sí y dicen "qué bien que le dimos el Grammy a Herbie Hancock y no a Kayne West" como si a alguien todavía le importara. A nadie le importa, porque adquirir música ya no es una comodidad, es una necesidad que además está al alcance de la mano. Vale verga a quién le den un reconocimiento. Sin ser fans, la gente un día se va a encontrar una rola de Herbie Hancock y le va a gustar. ¿Qué va a hacer? No creo que vaya a MTV a ver si están pasando sus videos. Tampoco creo que vaya a sitios "serios" de reseñas para ver si un pendejo que no sabe nada aprueba o no de su gusto. Si le late, la va a buscar, la va a bajar (probablemente gratis), la va a poner en su Ipod, y se va a hacer dueño de esa música sin importarle lo que piensen los medios. Por eso los rockstars y las superestrellas ya no son más; las disqueras están desplomándose y los medios con ellas. Éstos no saben a quién hacerle caso, y como quienes tienen el dinero (todavía) son las compañías, entonces ponen a Mariah Carey en el spotlight, pero sólo para ellos sigue significando algo.

Un paréntesis curioso pero muy relevante a lo que sigue: vi en el periódico una pequeña nota en la que un compilador de no se qué libro de poesía o algo así veía en los autores que participaron lo que ahí llamó el "fenómeno mixup". Suena estúpido, y lo es. Decía que ocurre que el pasillo de discos clasificados como Alternativo era ya de mucho mayores proporciones que el de Pop. Según él, era algo bueno, porque mostraba inconformidad. Pero él es un retrasado mental, y cree que las etiquetas en verdad significan algo. No pudo percatarse de que, en realidad, lo alternativo ya no lo es. El "género" del Alternativo surgió en la era de las superestrellas. Si no escuchabas a los rockstars, entonces lo que escuchabas era eso, una alternativa. Hoy en día una banda que en verdad no toca cosas ni bonitas ni remotamente tontas como Radiohead es de las más escuchadas del rock en su conjunto. Hay covers de "Creep" versión bossa nova, for fuck's sake. Si eso no es "conformidad" no se qué es. En todo caso Radiohead ya no es alternativo. Es Pop, aunque no en términos de estilo, sino en términos de etiqueta como lo estaba viendo el wey ese del libro. En nuestra época, donde las superestrellas se reducen a residuos del pasado y en donde a nadie le interesa lo que dicen los medios de comunicación ni las disqueras, nos quedamos solos. Y 'solos' algo falsamente, pues seguimos haciendo nuestras decisiones en conjunto, nos seguimos apoyando en nuestros amigos y conocidos ("Hasta Yngwie Malmsteen tiene fans", dice un cuate de last.fm) y seguimos regalando discos y recomendando a nuestras bandas favoritas.

¿Qué es el mainstream hoy en día? ¿Qué es lo Pop? ¿Dónde están mis calzones? Estas preguntas son bastante importantes, y no pretendo resolveras hoy, aquí y ahora. Empecemos no por definir, sino por situar. Podría ser que ya no hay un mainstream, en singular, sino varios. Corresponderían a grupos de personas que comparten ya no sólo su experiencia de vida, como los amigos, sino también ciertos gustos, como los numerosos grupos en internet en torno a X o Y tipo de música y los miles de blogs que se dedican a promover un solo género, cierto tipo de artistas, y cosas por el estilo. Tendrían además varios niveles, pues todos en un grupo conocen a ciertas bandas y son influidos por ellas, pero es muy probable que todos y cada uno de sus miembros conozcan otro tipo de música de la que el resto no está consciente. Para los fans de la música electrónica, Aphex Twin es mainstream, por completo, y estoy casi seguro de ello. Para los fans del ska, Aphex Twin podría ser una referencia bastante desconocida. Ahora bien, aquí ya estoy haciendo generalizaciones mucho menos estables que las anteriores, por lo siguiente.

Hoy en día, a diferencia de hace años, todos escuchan TODO tipo de música. Me vale verga que digan que a los fresas puro indie Radio Ibero, porque ahí también ponen a Franz Ferdinand seguido de The Black Kids, y no, "indie" no es un buen término para describirlos a ambos, ni mucho menos ponerlos cara a cara en un mismo lugar. Los nuevos festivales de música reflejan la primera noción. Las compañías como OCESA en México, que tanto les gusta organizar fests, parecen ya no tener ni la menor idea de cómo organizarlos ("¿My Chemical Romance y The Mars Volta en el mismo sitio? ¡Blasfemia!"). Al contrario, no son idiotas, y creo que están muy al tanto de lo que está ocurriendo con la implotante industria musical y la gente que está ávida de conciertos. 65daysofstatic le abrió a The Cure en el tour de este año, por ejemplo. Cuando encuentren una conexión musical entre ambos me avisan. Ya se que Robert Smith los escogió personalmente para que les abrieran, y siendo The Cure pues supongo que ya no importa quién te abra, y ese wey pudo haberlos llevado como mascotas. Da igual, porque la gente compra sus boletos y ve a ambos grupos, los conoce, y hay la posibilidad de que les guste. Por cosas como estas nuestros gustos son cada vez más variados, más ricos, tal vez más tolerantes. Y por cosas como estas queda en duda la existencia de cualquier mainstream, porque mainstream significa no sólo amplio alcance y reconocimiento sino influencia e injerencia. Por lo tanto ¿de verdad amerita llamarle mainstream a aquello que tan sólo es conocido por mucha gente, como la mentada (hehe) Rihanna, o como Aphex Twin en los grupos de fans de la electrónica?

Creo que aquí podemos intentar darle una definición a la etiqueta de Pop, como "lo conocido por Chucho, Juana, y El Éter". Como estilo sigue siendo el mismo, eso que ni qué, pero con la variedad de nombres de géneros contra la que ya hemos hablado en este blog, a veces creo que es más pertinente usar la palabra en su forma de etiqueta, como algo implicativo y no como algo significativo, porque cada vez es más confuso el habla coloquial en cuanto a estilos. En todo caso creo que habría que hacer una precisión; el Pop denomina a la música que sabemos que todo mundo, nuestro mundo, conoce (y de ahí lo implícito). Cuando yo conocí a Ruins, pensaba que era el único. Ninguno de mis amigos los ubicaba, y en realidad a ninguno le gustaba. Pero luego navegando por internet me di cuenta de que a un chinguérrimo de gente le gustaba, y lo confirmé cuando fui al Japanese New Music Festival hace como dos años en el Alicia y estaba bien pinche lleno. Claro, no todos sabían quiénes eran (una chava ahí con la que... este... hablé, me dijo que no los conocía), pero al menos estaban interesados en ver de qué se trataba. Sabía, entonces, que mucha gente los tenía en su consciencia, pero no todos. En cambio, si le preguntan a cualquier vato que si ha oído hablar de Madonna, estoy seguro que les va a decir que sí. Algunos hasta se reirán de lo estúpida que les parece la pregunta. Eso es, creo yo, el Pop, y no el mainstream.

Para concluir este largo debraye, diré que no, que ya no hay mainstream, y confirmo que las superestrellas han cesado de existir. Existe, más bien, el Pop. El Pop no implica reconocimiento ni influencia. Madonna me puede lavar los huevos si quiere; de mí no tiene ningún respeto, ni su música ni su persona. Nirvana ya carece de importancia. A todo mundo le gusta, todo mundo los conoce, aunque cada vez menos y ya nadie intenta ser como ellos; a nosotros todavía nos tocó crecer con el grunge en la cabeza, pero pregúntenle mañana a cualquier adolescente "cool" qué es lo que escucha y les va a contestar que los Arctic Monkeys, Interpol, She Wants Revenge, y me estoy yendo por lo viejo. Además, lo más notorio es que esa música no los une como yo supongo que en su tiempo "Smells Like Teen Spirit" unió a su audiencia. Nuestra generación tampoco pudo sentir eso, a pesar de escuchar "Jeremy" una y otra vez y emocionarnos cuando alguien más la ponía en su radioestéreo. Rodeados por la explosión de la música gratuita, todos alcanzábamos hacia donde el destino guiara nuestras manos. En esa extraña adolescencia yo encontré el post-rock, otros encontraron el metal, otros siguieron escuchando las mismas cosas durante años. El dicho es mentira, la música ya no nos une. Nos separa ampliamente, decisivamente. Por eso para mí es muy importante regalarla, porque así nos acercamos aunque sea un poco. Por eso también es importante seguir escuchando de todo, abrirse y dejar entrar al otro. Por eso es tan importante el Pop, aunque todo mundo le eche tierra y diga que es mejor lo alternativo, lo "desconocido". Yo se que aquellos que se engañan a sí mismos felicitándose porque según conocen una banda que nadie más ha escuchado (falacia en sí misma porque si la bajas de internet, alguien la puso, alguien ya la escuchó, alguien la hizo y alguien la está distribuyendo...) de todas formas lo hacen siempre frente a otra persona, y en ello, sin saberlo, encuentran un alivio enorme. But I digress.

El Pop es incluyente, y tampoco implica el conformismo. Radiohead, Björk, Iron Maiden, etc.; ninguno hace música pasiva, que no trate de despertar algo significativo en su público, sino al contrario, y díganme si no son bastante Pop en los términos aquí expuestos. Es por eso que las bandas siguen aspirando a ser Pop, sin importar su condición, ni su valía, ni sus ideas al respecto. Quieren salir y ser conocidos, ser apreciados, porque así es como funciona la música hoy en día y el objetivo no es limitarla sino hacerla grande y libre mientras nosotros con ella nos libramos a la vez de todo lo que el viejo mainstream implicaba, con sus Alternativos y sus superestrellas tan esclavizantes. Por eso cuando hay alguien que dice que no le gusta Björk podemos decir "bueno" y seguir con nuestras vidas. Por eso Kayo Dot hace música inclasificable y ya no importa que no podamos ponerla bajo el altar de tal o cual género en el que al centro estaba siempre la estatua de algún rockstar, algún héroe con el cual hacer comparaciones. Anarquía y libertad, amigos, anarquía y libertad.

En fin, espero haber traído bien y claro a colación el tema, y espero que ustedes tengan alguna opinión al respecto que quieran compartir. Ya se que fue muy largo, pero ya ven, tenía rato que no escribía nada. Peace.

Spotlight: Boris y Me'Shell Ndegeocello

2008-04-28T16:35:00.003-05:00

Hoy que tengo tiempo quiero pasarles dos nombres que en mi mente inspiran cosas chidas. Estas bandas no podrían ser más distintas, pero tienen algo en común: me prenden como a una quinceañera en su cumpleaños. Como de ahí no pasa una comparación viable, les contaré un poco acerca de cada una y qué es lo que las hace tan chidas.

Boris es un grupo japonés formado a mediados de los noventa cuyo primer disco fue Absolutego, publicado en 1996. Estos vatos, desde mi punto de vista (de quién más, verdad), son como un emblema del rock. Haciéndole a los tiempos extremadamente lentos y un sonido de guitarras literalmente pesado (no se asusten, no es ese pesado del hardcore y del metal con el que convencionalmente se asocia la palabra, más bien, es un pesado que se siente como si cargaras quién sabe cuántos kilos en los hombros), Absolutego es un viaje pasivo-agresivo de una sola rola que dura poco más de una hora. Esto es la verdadera respuesta al rock pesado más común de esos tiempos, todavía nutrido por Metallica o, si nos va bien, por Pantera. Es, tal vez no tan curiosamente, una respuesta configurada por el rechazo de los años 80 desde una posición de remembranza de la década de 1970, sobre todo dirigida hacia Led Zeppelin, Hendrix, entre otros que no se. Si bien esto se ve reflejado hasta en bandas como Nirvana, en general lo que se recupera es el sonido particular de la guitarra, el espíritu del punk muerto desde principios de los 80, y el modelo rockero de canciones concisas, precisas, y significativas (no más glam, no más "hair", no más pendejadas). En otro ámbito menos conocido, Kyuss y grupos similares recuperan un aspecto psicodélico aunado a aquellas bandas que dieron los primeros pasos en el rock pesado, entre las que encontramos igualmente a Zeppelin, a Black Sabbath, Pentagram, Deep Purple, y la Flower Travellin' Band. Listados como este nos sirven solamente para ver qué chingados están escuchando estos weyes. Así entra en escena Boris, recordándonos que el mundo, producto de nuestra mente, se acaba para mañana, y en lugar de correr disfrutando de los últimos momentos con los pajaritos y el arcoiris, hay que acoger la destrucción, poner cara de malo con cigarro en mano, y decir "Fuck yeah".

Pero eso no es todo. A los weyes de esta banda les gusta cambiar de tono de vez en cuando. Discos como Heavy Rocks y Pink contrastan un sonido netamente rockero y rápido, inspirado en las bandas arriba mencionadas, con sus demás trabajos, más severos, más doom. Me disculparán por usar términos raros, pero es que el asunto tiene tantas vueltas que ya es hasta auto-referencial. Algún día podré salirme del relajo, pero mientras, les sigo diciendo que esta banda en ocasiones hace uso de una forma ruidosa y disonante, al igual que voces de japonés drogado que le dan a la experiencia un sentido de pesadez larga pero chidamente incómoda. Dan una media vuelta en discos como Rainbow, en el cual, junto con el guitarrista loco Michio Kurihara, hacen una exploración del rock psicodélico que bien podría suscitar comparaciones con Acid Mothers Temple o con el Pink Floyd de Piper at the Gates of Dawn. Con estas palabras como simples sugerencias, he aquí el sitio de la disquera a la que están firmados; pueden escuchar algunas rolas siguiendo los vínculos de cada album.

La siguiente artista de la que quiero hablar es Me'Shell Ndegeocello. Difícil de categorizar, esta bajista nacida en Alemania y criada en Gringolandia hace música a veces simple, a veces compleja, pero siempre con una carga espiritual muy fuerte. Con esto me refiero a que se nota en todo momento un pathos ya no sólo retórico que apunta directo a la cabeza. Porque cuando canta "listen to the angles sing / you make me feel beautiful" en su "Love Song #3" se me enchina la piel y me pierdo en el recuerdo de amores pasados, a pesar de haber leído o escuchado cosas muy similares ya cientos de veces en otras canciones y quién sabe cuántos libros. Tiene muchísimos discos, pero los que me re-rayan son The World Has Made Me The Man Of My Dreams, Comfrot Woman, y Cookie: The Antrhopoligcal Mixtape. El primero es el más reciente, y es con el que me introduje a la música de Me'Shell. Es también, sin duda, mi disco favorito del año pasado. Lo he escuchado ya numerosas ocasiones y en prácticamente todas he encontrado detalles que aunque sean pequeños me hacen volver y volver. Con una rola introductoria como "The Sloganeer (Paradise)", motivada por una beat box que parece sacada de un disco de Big Black, repleta de electrónica y una gran energía desenvuelta a través de la voz (también pasada por las armas de la compu), el disco se pasa demasiado rápido, aún con las más tranquilas piezas de reggae y soul, que a curiosamente huelen y saben a rock alternativo. El eclecticismo de esta mujer no es del pasivo y referencial, no es del que corrientemente se oye en Café Tacuba o esas bandas japonesas medio chafas como Naan en las que el elemento "folclor" está claramente distinguido del resto de la canción y que a nuestros oídos funcionan más bien como citas. Me'Shell lo aborda activamente: en "Article 3" los cantos de inspiración africana se funden con la guitarra jazz-rockera de Pat Metheny, guiados por un ritmo casi de dance-rock que en dado momento se deconstruye y pone énfasis en lo relativamente acelerado de la canción. Está en el límite de la sutileza; todo suena coherente y perfecto. Aislar cada parte no nos da nada autónomo, a diferencia de los resultados que comúnmente obtenemos de los ya mencionados artistas que le entran a la "fusión" de géneros. Y sí, los estoy degradando por no tener imaginación o la suficiente destreza para hacerlo mejor; existiendo artistas como Me'Shell, se les acaba el pretexto bien pinche rápido. Comfort Woman es un buen viaje de R&B entintado de jazz, pasando por las obligatorias canciones de reggae y soul llenas de tristes aspiraciones y agridulce esperanza. No me canso de poner "Liliquoi Moon", un chidísimo ejercicio de quietud-interrupción bluesera, y las distintas "Love Songs", simplemente hermosas. La chica de mis sueños se va a hartar de tantas canciones de Me'Shell que le voy a dedicar. Lo peor de todo es que hasta bailar podemos. Cookie, además de tener todo lo necesario para ser un disco de hip-hop, del mejor orden con todo y sus ritmos desacelerados, tiene rolas como "Hot Night" que podrían pasar fácilmente en cualquier compilación de acid jazz de nuestros tiempos.

Las letras de Me'Shell están hechas, muchas veces, en tono de protesta política. No se salva nadie. Lo más curioso del asunto es que, como en el blues de antaño, tienen igual importancia tanto el modo de llevar el mensaje como su contenido. El puro sonido de la voz es a veces suficiente para prenderme (me derrito en "Lovely Lovely", de The World Has Made Me...), pero combinado con el mensaje, como en la ya mencionada "Love Song #3", me voy, me voy del mundo, compañeros. Creo que Me'Shell no dejará de impresionarme en mucho tiempo, y como seguramente habrán notado, podría casarme con ella hoy mismo. Soy fan, aunque confieso que uno de sus discos, Dance of the Infidel, me pareció terriblemente aburrido y de mucho más baja calidad que sus otras obras (hay hasta un cameo de Kenny G en una de las rolas, for fuck's sake). No importa. Escúchenla, y sean felices. O no. Cada quien con sus pulgas. Al menos podrán apreciar por qué el eclecticismo, bien fundamentado, funciona super chido. Me encuentro en proceso de bajar su primer disco: Plantation Lullabies. Ya les contaré cómo me fue. Me gustaría poder decirles más, y convencerlos totalmente de lo chingona que es esta mujer, pero se me acaba tanto el vocabulario como la aptitud musical y todo se queda en una frustración gratamente emocionante. Whatever. Bajen los discos, y no me cuenten lo que piensan, porque si no les gusta, me la van a bajar del pedestal en el que la tengo, y voy a tener que destruirlos. Es por su bien, amigos, es por su bien.

Vínculos para piratearse los discos for the win:
Me'Shell Ndegeocello: The World Has Made Me The Man Of My Dreams
Boris: Absolutego
Boris: Heavy Rocks (parte 1)
Boris: Heavy Rocks (parte 2)

No pude encontrar más discos de Me'Shell en los sitios de hosting masivo, pero están casi todos en Soulseek, o si quieren, yo se los paso. Disfruten de la música, y "listen to the angels sing"... espero que les sea de su agrado.

Un artículo

2008-04-10T18:04:00.002-05:00

Miren, encontré este texto en una página y se me hizo interesante. A lo mejor y les gusta, está cool. Es acerca del punk en Inglaterra. Yo no sabía nada de eso, y cuando escuchaba el London Calling no sabía bien a bien qué chingados estaba pasando. Y menos en Nevermind the Bollocks. Lo atribuía a la locura de sus tiempos, pero pues ahora ya se un poco más... por lo que los volveré a escuchar. hehe...

Aquí está el texto.
Está en dos partes, pero ahí mismo pueden encontrar la segunda en el menú de la derecha. Enjoy!

Hoy, ayer, y un día antes de eso

2008-04-05T11:10:00.004-06:00

"The Construct" estalla súbitamente en las bocinas: una ola tras otra de agresivas insinuaciones hacen de mi mente un despertar sobre el pavimento, en pantalla, al volante, a media guerra. Volteo y en la ventana no hay más que metralletas; los árboles del parque rugen y respiran color negro. Una voz solemne y grave me habla en la chocante lengua de los faros que en la noche mi rostro iluminan, no le entiendo nada y nada es lo que significa. Pronto se escurre su ausencia entre mis labios y en mi pensamiento crece no una flor sino una hermosa serie de piezas de acero que adornan el paisaje y lo vuelven mío... sólo mío. En el incesante martilleo del ensamblaje hay paz, hay armonía, hay ideas que en esencia son el puro aquí y ahora. Triunfal y libre, marcha sobre mi consciencia destruyendo cada muro, cada frágil visión en el espejo acribillada por su rifle, siempre apuntado al frente, al horizonte, al engañoso fondo iluminado de la penumbra que me llama. Disonancia como orden, asalto perpetuo del oído como única vitalidad. Dramáticamente acaba con un oxidado panorama trazado en ángulos definidos a la perfección, sobre sus hombros cargando mi mente entre suspiros electrónicos. Mountains Became Machines, dice mi reproductor de música. Lo apago y me voy a dormir. Sueño con la ciudad, y en ese sueño espero ansioso el día siguiente.

La hora me tiene sin cuidado. Hay sol y en mis oídos canta no sé quién con una cierta delicadeza masculina. La edición del audio es como de hace treinta años; se nota en ese leve crack que perennemente cruje al dar cada instrumento cualquier nota. La guitarra se desplaza con precisa lentitud sobre un plano de tranquilo misticismo y se hace romántica, sumergiéndome en un disfrutar puro. Es similar a una intoxicación extasiada donde todo ese sonido se hace uno, inseparable, indistinguible, bajo, batería, teclado, lo que sea, como sea, ya no importa más, ya no se oyen más. "Hazy Paradise" es exactamente eso, y nada. ¿Para qué quererlo? Está ahí, eternamente inaccesible... pero yo lo siento. No lo vivo, es imposible, pero sí puedo vislumbrarlo con la mente, con el corazón, con un tercer ojo, no lo sé. De cualquier manera es un esfuerzo inútil. Me dejo llevar, recreando aquellos tiempos en los que Jimi Hendrix se postraba frente al cielo y frente a nadie. Con la cabeza colgando al aire en cámara lenta, miro la fecha de la pieza. 2004. La banda es Ghost, Japón, Hypnotic Underworld. ¿2004? ¿Japón? ¿Qué carajos? No es una banda de revival, no se dedican a los covers, a la nostalgia. Es curioso. Retoman algo de principios de los 70 y lo traen al ayer. Los 80 están ya (o todavía) lejos, y hoy es un buen día de 2004, con música de 2004, con gente de 2004. Claramente no siento lo mismo que algún superviviente de esa época de los 70, que recuerde con pasión aquello que escuchaba con la misma vitalidad que lo condujo a abrir los ojos ese día y dejarse llevar hasta el fin del universo. Pero en algún nivel estamos conectados, en algún segundo de "Hazy Paradise" él o ella se hacen nuevos y yo me hago de su supuesta antigüedad. No hay nostalgia. Convivimos ayer, en 2004, y sonreímos juntos como lo hubieramos hecho en 1971, como lo haremos en el 2010. Esas cosas me imagino cuando al fin decido ya dejar el pensamiento atrás.

No conozco las circunstancias bajo las cuales Gustav Mahler escribió su décima sinfonía, inconclusa, en 1910. Sólo existe el primer movimiento completo, y la grabación que estoy escuchando es originalmente de 1966, bajo la dirección de Leonard Bernstein. Todas esas tonterías importan porque escuchamos música que tiene ya no sólo décadas de edad sino siglos, interpretada por seres humanos que no son, en lo más mínimo, contemporáneos al imaginario que las produjo. Con relativo mecanicismo estas obras salen una y otra vez a relucir entre los públicos de diferentes tiempos, los cuales las reciben de distintas maneras. Mahler ya es un maestro reconocido, así que básicamente cualquier cosa que toquen de él va a ser bien recibida. El tiempo va consagrando a los compositores. En general no se conoce a Scott Johnson, pero todo el mundo ubica a Mahler, aunque sea en nombre. La décima sinfonía me deja inmerso en una cierta atmósfera esperanzada cuyo fondo es un mar gris... y ni siquiera puedo imaginarme una comparación con un hombre o una mujer de 1910, porque la obra nunca se estrena hasta que se graba en ve tú a saber qué disco, si no es que esta versión de 1966 que ahorita está tocando mi computadora. ¿Qué significa esta obra para mí? Nada. Me gusta, ciertamente, pero ya no encuentro sus palabras. Y si las fuerzo, entonces estoy matando a la música, la estoy atando a la hoguera de mi loco anacronismo. Mahler nunca habló entre nosotros; Scott Johnson habla para nosotros. Escuchar a Mahler (y cualquier compositor que no se acerque a nuestro tiempo) es, por lo tanto, extraño... se necesita tener una cierta actitud para ello. Porque, primero, pasa por el filtro cultural. Después y dentro de éste, por el de los intérpretes. Después, por el del ingeniero de audio. La situación se complica, tal vez innecesariamente. Por eso tal vez los chavitos tengan razón: la música clásica es aburrida, incomprensible, y obsoleta. Es un gusto adquirido. Y, a pesar de todo, esos mismos chavitos (pero no sólo ellos, yo también, todos) se regocijan en la repetición interminable de sus canciones "populares", son los primeros (ahora sí, ellos) en poner cara de "¿qué pedo?" cuando les muestras lo cercano a hoy, a Harry Partch, y sin irnos tan atrás, a Elliot Sharp, a Unsuk Chin. Supongo que tendré que conformarme con la idea de que de alguna forma toda esa música sigue vigente y viva, más allá de la notable influencia que ejerce sobre la que se compuso inmediatamente después, hasta nuestros días. Se acaba rápido, la décima sinfonía de Mahler. Pongo algo de Duke Ellington, y me pregunto exactamente las mismas tonterías.

Vínculos:
Paths, el primer disco de Mountains Became Machines, completo.
Hypnotic Underworld, de la banda japonesa Ghost.

Rock instrumental y rock con voz, parte 1

2008-03-07T20:48:00.000-06:00

Creo que podemos decir que hay gente a la que no le agrada la música puramente instrumental, mientras que todo mundo tiene el gusto, del tipo y género que sea, por aquella que hace uso de la voz además de los otros instrumentos. Digamos también que la generalización, como siempre, es un poco tonta, y probablemente se reduzca a una cuestión de cierta música instrumental. A fin de cuentas el new age no es igual al jazz instrumental ni al rock del mismo tipo, etcétera. Es posible que a alguien que no le guste una le encante la otra. Pero si fuéramos así de razonables entonces ya no tendría de qué escribir hoy, y por lo tanto me vale madres. Bueno, no tanto. Puntualicemos, y hablemos de rock, porque lo demás no cuenta ni existe ya que no se nada.

Entonces, creo que podemos decir que hay gente a la que no le agrada el rock instrumental, mientras que a todo mundo le gusta alguna rola con cantante(s). ¿Estará la clave en las letras? Historias contadas, expresión de emociones, poemas, protestas, y demás hacen de las letras un fuerte atractivo para descifrar de qué va lo que uno está o no escuchando (se me viene a la mente cualquier rola en la que haya un momento de silencio y el cantante continúe su línea melódica o esté recitando algo; creo que no escuchamos de la misma forma que cuando hay otro instrumento involucrado). Los desafíos y excepciones (¿quién carajos le entiende a Cedric, de Mars Volta?) son demasiado pocos como para destronar a los temas más habituales: el amor (ya comentado por mi compañero en armas), la tristeza, la felicidad (o búsqueda de ella), y demás emociones y sentimientos infinitamente recurrentes. El punto es que entendemos nuestra música a través de lo que el cantante nos dice de ella, lo cual en ocasiones difiere a lo que nosotros en primera instancia percibimos.

Tomemos como ejemplo Somebody Told Me, de The Killers. Comienza construyendo algo así como anticipación para algo explosivo, lo cual se presenta en la forma de un ritmo rápido (bailable, I love it) y sonidos electrónicos que podrían remitirnos a una pista de baile, un antro, la vida nocturna, no se, algo así. Ayuda a esta sensación el sonido de la guitarra, como algo casi de ruido de fondo junto al bajo que mantiene la tensión que desemboca en los coros. La voz de Flowers cambia poco de tono y casi siempre tiende a lo grave. Al principio es como introvertida y casi resentida, se vuelve implorante y luego, en los coros, es prácticamente electrónica. El efecto de ello a lo largo de la canción es que mantiene el tono en lo “básico”, más grave, más en la tierra, en el baile, y menos en el cielo. Es, entonces, una chida pieza para echarse a bailar y gastar energía, liberando la tensión a lo largo de la canción y no de golpe, por efecto de la rola misma. Ahora veamos las letras. Se las pongo en un vínculo. Básicamente es un wey que se quería ligar a una chava y resulta que alguien le dijo que el objeto de su ligue había tenido un novio que parecía una novia que él había tenido en febrero del año pasado. Es muy cagado. Ahora asociemos dicha letra con la música. Sí, refleja cierto sufrimiento, la tensión de intentar conocer el nombre de la chava... pero sólo al comienzo. Creo que el humor se pierde, y en realidad todo se reduce, después del impacto inicial, a un buen ritmo electrónico bailable, exento de cualesquiera implicaciones que las letras pudieran tener.

Tomemos de ejemplo contrario Microphone Fiend, una canción de Rage Against the Machine, porque en esa banda las letras y el mensaje importan muchísimo (a mí no, a ellos), más que en las demás bandas de rock en general. El ritmo es rockero; la guitarra y el bajo se desenvuelven fluidamente entre lo “fiestero” de un estilo cercano al funk y lo pesado, agresivo del rock. El sonido de la voz de De La Rocha hablando muy golpeadamente con el ritmo aumenta la sensación de agresividad, ya que es un tono de enojo casi imperativo. Es, entonces, una canción moderadamente rápida con la que se puede hacer headbanging y tal vez brincar como Ganesha manda, sin complicaciones. Pero en ese mismo momento entran las letras. Siendo un cover de un grupo que nunca he escuchado que se llama Eric B. & Rakim, decidí checar las letras del original, y la versión de Rage tiene una forma bien distinta. Se las pongo en vínculos: original, cover.

Rápidamente hago mi argumento: la versión de Rage enfatiza mucho más el aspecto del cantante como un efecto, un operador (tenía que ser comunistoide el Zack) y su “trabajo” convertido en adicción… pero creo que no vale la pena entrar a todas esas cosas por ahora. El punto es que tiene un significado general un tanto combativo, es el músico contra el mundo y a la vez con él, etc. Asociando ese significado con la música en sí, podemos ver que se reflejan y siguen mutuamente con efectividad. El corito de “I’m an E-F-F-E-C-T” con silencio de fondo seguido por los guitarrazos te da ganas de levantarte y gritar YEAH MOTHERFUCKER y hacer cosas, cualquier cosa. En otras palabras, letras y música coinciden en un ánimo general que hace de este cover un buen ejemplo donde todo va de la mano y no hay que descifrar realmente nada.

Estoy consciente de que probablemente esté lleno de mierda, y que Somebody Told Me sea más coherente que Microphone Fiend. Whatever. Creo que por lo pronto puedo decir que en el rock no instrumental la letra es tan ventajosa como desventajosa, precisamente porque lo que hay a interpretar son palabras cuya carga es a veces muy compleja, y la música, a menos que ignoremos las letras por completo, no puede tener un curso distinto en nuestras mentes dementes psicomentes. Seguiré hablando de estas pendejadas en otra ocasión, para que no se alargue el post. Hasta pronto, amigos.

PD: Ya viene el nuevo disco de Kayo Dot. Como buen fanboy, checo el pinche sitio diario y no lo actualizan. “Mid March”, dicen, y ya no falta mucho para eso. ¡Estoy emocionado, carajo!

También les tengo que pasar un disco que me encontré de Naná Vasconcelos, un brasileño que hace cosas muy chingonas. Si lo pueden bajar antes, háganlo, se llama Fragments: Modern Tradition. Se van a llevar una sorpresa, sobre todo en el cambio de las canciones 3,4, y 5... es un genio este cabrón! hahaha bueno, bai.

1.- Intro

2008-02-09T15:52:00.000-06:00

Conectarse. Leer y buscar pistas musicales por doquier. Prender un cigarro, prender el reproductor... or whatsoever. Leer críticas y reseñas. Algunas carentes de sustancia: se alejan por completo de lo propiamente inherente de un disco para justificar la labor escritural de algún cabrón ocioso. Leer otras que parecen desentrañar una de las tantas verdades que un disco puede tener y sentir que no todo el ejercicio crítico es una bagatela. O bien, algunas otras que van más allá, y sugieren algo previamente desentrañado que uno fue incapaz de encontrar. Y es que la música, también, presupone un reto no sólo de cúmulo de conocimientos, datos, referentes y demás. No sólo eso. La música plantea retos de inteligencia sensible y estética.

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Todo se convierte en una dinámica difícil de alejar. Buscar, con esa mezcla de euforia adolescente e interés sensible, nuevos sonidos y nuevas creaciones que resulten evocadoras. Sí, inexorablemente evocadoras: que traigan algo a nuestra cabeza y a las fibras de nuestro cuerpo y las enerven; o bien, que evoquen aquellos seres y demonios necesarios en nuestra existencia. El momento de goce musical resulta un lujo difícil de prescindir en la vida. Y no sólo en esa manera moderna que le tiene terror a la soledad y busca en los reproductores portátiles un modo de evadirla. Imaginar un día sin poder gozar un pinche disco de esos que nomás no mandarías a la chingada (en la pura hueva de la casa) es difícil -igual como lo es obviar los momentos de lectura del día-. Durante una temporada me impuse el hábito de no escuchar música para ver qué pasaba: para no ahondar en las profundidades del lugar común y de la mamada, baste con decir que sentía que algo faltaba.

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No es difícil convertir el momento musical en un ritual (quizá por la pura remembranza de tiempos lejanos): sentarse, conectar los micrófonos (que, de preferencia, aíslen los ruidos externos), sacar el damn disco/acetato/cassette/archivo mp3/etc de su empaque y echarlo a andar y, como en pleno estado meditativo, entrar en otras capas de consciencia; llegar al concierto (para el que buscaste como idiota los boletos y después, con suerte, compraste) que tanto se esperaba y disfrutar de la penumbra que caracteriza a un escenario antes de que las luces anuncien la entrada de los cabrones a los que quieres ver y escuchar y ponerte a bailotear, como euterpe y terpsicore mandan.

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El punto es disfrutar... cada quién con su propia melodía. Sin pendejadas presuntuosas como acompañamiento (comunes y corrientes entre muchos "melómanos" esnob).

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Que sirva esta patraña como mi intro al Disco Rayado. Mientras, como sugerencia del chef, a sacarse los mocos al ritmo de:

Burial

The Blood Arm

Estamos en la caca

2008-02-02T19:53:00.000-06:00

Ya que el colega timonel del presente blog comenzó haciendo algunas observaciones directas y sin muchas vueltas, me propongo de la misma manera llegar a aportar algo que no sea al final perezoso. En el instante en el que escuchamos música suceden dos efectos que van en la onda del sonido; me refiero a la parte musical y a la parte escrita, es decir las letras. En las siguientes líneas me gustaría enfocarme al último aspecto enunciado, exactamente al contenido de las letras. Ya se que mi ingles no es muy bueno pero finalmente después de escuchar y de leer con atención me puedo dar cuenta del contenido de las canciones. Un día, como en un cuento, de regreso a mi casa un amigo me dijo que el creía o afirmaba que la producción musical estaba infestada de la ya choteada temática del amor y desamor, palabras que se me quedaron en la cabeza y trate de ver que tan cierta era la situación. No avance mucho al igual que ustedes si piensan en su artista favorito y recuerdan la temática de algunos de sus discos, no podrán negar que en la mayoría de los canciones vienen temas como… love like winter, live in you o inmortal love, en lo personal me parece una porquería. Todos esos artistas que nos gustan y nos hacen mover la cabeza parece que no tienen intenciones o tal vez valor para pensar en otra cosa, no puedo decir que lo hagan en su totalidad todos los artistas pero sin problemas aseguro que son la mayoría ¿A poco ustedes creen que la realidad solo se trata de amor? Jjaajja solamente hay que mirar a tu alrededor o salir a pasear al perro para darte cuenta de que nuestra vida o las experiencias del ser humano son constituidas por un montón de cosas más y que bueno porque sino que horrible seria la vida. Y ahí nos tienen alabando a las súper bandas con sus repetitivas temáticas, estoy casi seguro de que si comparamos las canciones de diversas bandas vamos a encontrar gran cantidad de palabras o frases en repetición, parase que no miran más allá de sus narices, lo mismo encontramos en el presente que en un pasado cercano. Lo dicho anteriormente me lleva a pensar en otros aspectos de la música. ¿No es la misma porquería una banda que toca pésimamente a una que lo hace muy bien pero su contenido lo supera cualquier poema elaborado a la hora de defecar? ¿Cuál es la utilidad de seguir escuchando eso temas de telenovela? Se que suena complicado y en lo personal me confunde mucho, no se si están deacuerdo pero es una formula repetitiva el hablar de amor en la música lo peor de todo es que genera resultados, seguimos percibiendo ese ambiente y parece cómodo, a veces me pongo a escribir poemas y termino hablando de cosas de amor, parece ser un tema fácil que no se mete con nadie, a pesar de ello conozco algunos poetas que escriben sobre lo urbano, los admiro y nunca he hecho el intento de hacer algo diferente. Trato de pensar en las posibles temáticas que deberían o mejor dicho podrían estar en una melodía. Cero que todo, cualquier cosa, me parece bien los recuerdos de la infancia. Pondré una lista de temas que se me están ocurriendo a ver que les parece. Por supuesto que pienso beberán de ser muy imaginativos, de lo contrario caeremos en canciones de telenovela.

Sobre el trabajo. Alguien que haya trabajado bajo un ambiente de una fabrica podría decirnos cómo se siente vinculado a las maquinas, a los espacios que los rodean, de qué manera transcurre una mañana bajo ese techo y ese sudor. Suena tonto probablemente. No olvidemos que millones son los que lo hacen o por decir el camino hacia el trabajo, el medio de transporte, que significa viajar con cientos de obreros hacia en centro de la ciudad. En pocas palabras vivencias de la vida cotidiana. Son muchos los enfoques que se pueden explotar, claro, con voluntad y huevos para querer hacer algo en realidad útil.

Un viaje. Hablar sobre la ciudad a la que fuiste a conocer, la gente, los barrios, las comidas, los aromas, la arquitectura de la misma, su cultura, la organización social etcétera, puede todo esto y más remitirnos a una realidad.

Estar en la cárcel y dejar atrás esas mamadas de que me siento atrapado por que te fuiste o cosas así. Que significa de verdad el encierro, estar detrás de las rejas. Cómo se percibe el mundo desde ahí. Bueno un músico locote.

La locura. Alguien que haya o tenga problemas mentales podría hablar de sus experiencias con su recuperación o platicar lo que siente desde su enfermedad. Se que suena difícil pero no es imposible, ya ven esos weyes locos ya están.

Bueno, si se dan cuenta las posibilidades son muchas, también es peligroso porque se puede caer en pendejadas, estoy seguro de con mucho cuidado se podría logar implantar temáticas más relevantes en la escena musical, algunas algunas de que conozco muy poco y que por ello no quiero extenderme, hablan por ejemplo de historia y de mitos. Podría ser que se tocara el tema del arte, solo imaginen cuantas obras de arte existen y de las cuales se podrían crear canciones. Finalmente espero no haber terminado diciendo nada y me gustaría que lo pensaran, lo que acabo de escribir es… digamos una simple percepción, si alguien tiene algo que aporte muchas cosas más el espacio esta abierto. Afortunadamente la experiencia humana es más amplia y compleja que un romance lírico.

Los fans somos unos idiotas

2008-01-19T15:35:00.000-06:00

Los géneros musicales son como Johnny Quest. Nunca sabes exactamente por qué están aventurándose en una isla del golfo de Bengala y cuando encuentran lo que están buscando Hadji dice algo así como “BUEN TRABAJO AMIGOS” y el capítulo se acaba. La siguiente vez que pones la serie en la tele, ya todos se olvidaron de la aventura pasada y el peligrosísimo ídolo de Wongo Mongo capaz de destruir al mundo en las manos incorrectas está… pues quién sabe, no importa ya, a lo que sigue, muchachos, ahora vámonos al Amazonas porque alguien descubrió al legendario indio de platino o algo por el estilo. Como Johnny Quest, los géneros son bastante entretenidos y divertidos. Pero, como la caricatura, hay un momento en el que ya hay que dejarse de locuras y dar el salto a la TERCERA DIMENSIÓN. Si no se acuerdan de esa versión de la serie que pasaban en el ‘Toon Network, sólo es necesario decir que las historias eran más “serias”: Hadji ya no hacía telekinesis y Bandido era un perro inteligente. Bueno no, pero el chiste es que había ya una trama subyacente, el asunto era más coherente y comprensible, y las aventuras en singular se hacían por ello un poco más interesantes. La situación con los géneros musicales es comparable. Nos enfrentamos a miles de géneros que van desde lo general de “Jazz” hasta lo más particular del “symphonic metal jazzcore fusión” que casi siempre consiste de… una banda en todo el mundo. El rompimiento de los géneros, sobre todo en la “música popular” (la clásica tiene mayor control sobre sus más locas producciones), es un fenómeno que podría parecernos malo en primera instancia, pero tiene también sus puntos a favor. Si bien en dado momento se convierte en una práctica elitista y pretenciosa, a veces ayuda a esclarecer la dirección hacia la que va algún grupo, conjunto, compositor, o lo que sea. Porque si yo te digo que Porcupine Tree es “rock progresivo”, ya te das una idea de qué es lo que puedes esperar, mientras que si te digo que The Locust es “Power Violence”, nos quedamos en las mismas, aunque un poco más pendejo yo por andar diciendo babosadas. Aún así te puedes imaginar qué significa “Power Violence”, y darte una idea que puede coincidir con la realidad o no. Las clasificaciones, entonces, obran de formas casi ilimitadas. A pesar de que podamos recordar bandas muy distintas bajo la mención de un solo género, casi siempre tienen una trama subyacente. El problema viene cuando las clasificaciones son tan específicas que parecen abstractas, una situación surreal bien ejemplificada con eso del “Power Violence”, o todavía más allá, el “Zeuhl”. Con la palabra Zeuhl ni siquiera puedes imaginarte nada, porque no significa nada. Este “género” salido de las entrañas de la banda francesa de rock progresivo Magma tiene al parecer muchos representantes, sobre todo en el buen Japón. Todos me suenan a Magma y todos hablan en el lenguaje bizarro que dicha banda inventó, ni siquiera japonés. ¿No hubiera sido mejor llamarle Magmaismo y ya? ¿Magma fans? ¿Magmamitas? ¿Género musical #4356? Géneros así son aventuras singulares que duran un episodio e inmediatamente pasan al olvido, aún dentro de la misma serie. Lo más interesante es que es posible que las bandas que conforman dicho género no serían tan inefectivas si hicieran que sus fanáticos las dejaran respirar. En efecto, son los fans los que limitan a todas esas bandas y les ponen nombrecitos raros para sentirse ellos más especiales, no los críticos de música. He visto a algunos en acción; los profesionales no se limitan a los géneros, sino a los conceptos detrás de ellos. El otro día pude ver en algún sitio, creo que uno de los blogs de popmatters.com, que un crítico apreciaba al grupo noruego Supersilent como “maestros del minimalismo electrónico”. Un random fan salió de la nada para decirle que él o ella “no los llamaría minimalistas…” y ahí lo dejó. ¿Qué los llamarías entonces, tarado/a? Probablemente Norwegian electro-madness. Yo qué se. Habiendo oído un disco de esta banda, puedo decir que el crítico no dijo nada fuera de lugar, y no porque yo sepa más que él y esté capacitado para acreditar sus afirmaciones, sino porque me parece lógico y coherente con lo que yo escuché. Si uno busca la banda en la red, está clasificada por el gran anónimo internetiano (un autor de alta categoría) como “electrónica/jazz improvisado/experimental”… a veces hasta “ambient”. No es por nada pero me gustaba más el término de minimalismo electrónico, simplemente porque te dice en qué consiste (electrónica) y cómo lo hace (minimalismo). Fin de la historia, no es necesario incluir absolutamente todos los detalles y aspectos de una banda en su etiqueta. Por supuesto, los críticos no se libran de la idiotez tampoco, y por eso luego descubrimos que Mudhoney era parte del grunge… sí, en tu planeta.

Por lo que he visto, a las bandas en general no les gusta meterse en las clasificaciones. Cuando les dicen a los de Mogwai que si se consideran post-rock, escupen tres veces a la derecha, giran sobre su propio eje y no miran el espejo durante ocho días. Así de mal se ponen, y cuando se dan la vuelta todos nos reímos de su vana inocencia y decimos “qué chido post-rock hacen estos weyes”. Ejemplos así los hay muchos, y a los artistas casi siempre les vale cacahuate su clasificación o sólo hacen un “roll-eyes”. Son, primero los críticos (quienes se salen de la contienda temprano al perder el interés) y posteriormente los fans (los cuales se quedan para siempre y hacen más daño) los que encajonan a las bandas, a veces impidiendo su crecimiento. Cuando me pasan una banda y me dicen “es post-rock” (el género que más escucho) ya no se qué esperar vagamente, sino que ahora se exactamente qué tipo de música voy a escuchar, con quién voy a compararla, y bajo qué circunstancias voy a disfrutarla. Eso de por sí ya es malo, porque es como un prejuicio muy bien establecido y según yo bastante profundo, pero peor aún es cuando las bandas hacen su propia música siguiendo el molde del cajón que pusieron no ellos sino los escuchas de los diferentes géneros. Eso es exactamente lo que pasa con mi favorito, ya mencionado, y es claro que ocurre también en el indie pop/rock, por más vago que resulte el término.

En el post-rock, las bandas nuevas hacen música en plena imitación de las que se han identificado como icónicas en el género. El problema es que estas últimas nunca han aceptado su estatuto como post-rockeras, y más bien lo rechazan. El argumento era que abarcaba demasiados estilos extremadamente diferentes, y así lo era en un principio. Lo curioso es que ahora la etiqueta es muy identificable, y se asocia fácilmente con cierto tipo de música. Godspeed You! Black Emperor y Explosions in the Sky no tienen nada qué ver, en lo absoluto, y hace un par de años yo también pensaba que eso del post-rock era una tontería. Pero sus herederos, desafortunada o afortunadamente, sí tienen una relación más directa; como exhibit A tenemos a Sparrows Swarm and Sing, una banda que imita (bastante bien) a Godspeed en su estilo épico pero toma elementos de la explosiva intensidad inmediata de Explosions. Son hijos de ambas bandas, y junto con otras, forman a la nueva generación (ahora que Godspeed ya no existe y que Explosions explora otras ideas) que se identifica plenamente, ahora sí, con la marca “post-rock” que tanto usábamos a lo pendejo para denominar ya cualquier cosa que sonara medio larga y sin vocales. Entraron a la alberca de hule espuma en traje de baño, mis chavos. Realmente no tienen nada qué aportar, y sólo muestran cómo todo el asunto se autodestruye porque quieren ser como el fan piensa que deben ser (cualquier cosa que suene medio larga y sin vocales, o pocas vocales). En mi opinión, las posibilidades de ese post-rock formulado por los seguidores y no los artistas se agotaron con Dash and Blast, la primera rola del disco Enjoy Eternal Bliss, de Yndi Halda. Esa rola para mí es muy hermosa, y hace uso de todo aquello que los fans decían que eran puntos en común para bandas tan distintas como las ya mencionadas (y que, en retrospectiva, no son tan en común como parecían). Eso fue hace ya un año, los síntomas persisten, y los críticos no saben ya ni qué poner en sus listas, como ocurre en el Top 100 del 2007 del sitio thesilentballet.com (algo así como especialistas en el asunto). Con decirles que Joy Wants Eternity, una banda que hubiera estado muy bien hace como cuatro años y que hoy en día ya suena mal, llegó a algo así como el número 20 en la lista con el disco que se tardaron quién sabe cuánto tiempo en sacar. Lo mejor de ese disco es la portada, porque no es un intento de ser lo que hubiera funcionado cuando éramos más jóvenes e inexpertos.

Creo que en el indie pop/rock ocurre algo similar, pero mucho más fuerte porque está también más difundido. Desde The Strokes (según yo antes de ellos el indie era más aventadón, tipo Yo La Tengo o Sonic Youth) ha surgido toda una moda, un particular “look” y estilo que lleva a la gente a escuchar a White Stripes y decir que les gustan aunque en realidad los odien. Aquí sí creo que ni tengo que mencionar nombres, porque todas las bandas que intentan ser los siguientes Franz Ferdinand están allá afuera dando conciertos hasta en el Salón 21. Pero con ellos es más evidente: se visten igual que sus fans, sus canciones se remiten a situaciones familiares a ellos, hacen la música que sus seguidores buscan porque es la que ellos mismos ya disfrutan a su vez. ¿Qué hay de malo en ello? Nada, realmente. Lo que intento decir es que siento que muchas de esas bandas pueden ser más de lo que se limitan a ser, y con ello, ampliar tal vez también el gusto de los fanáticos de los géneros, es todo. Si escuchan una banda más o menos famosa del indie como Death Cab For Cutie, se llevarán la sorpresa de que sus discos van cambiando progresivamente con el tiempo, a pesar de que con ello dejaron fans atrás, pero ganaron nuevos. No puedo decir lo mismo de los ya mentados Strokes, o una banda “one hit wonder” como Jet, estancados por siempre porque no quisieron despegarse de su fama de cinco minutos. Y los fans son tan culpables como ellos, porque en el momento en el que una banda distorsiona su sentido siempre hay gente que grita y hace berrinche porque el cambio no les parece, haciendo que algunas bandas realmente se asusten de llevarlo a cabo. El género se convierte en una especie de predestinación, y eso no es chido, porque yo no quiero que lo sea (¿hay mejor razón?). Tomemos el contraejemplo que es bastante auto-explicatorio: el jazz. Los jazzistas se dedican sistemáticamente a romper la madre de su género. Hasta el loser de Kenny G fue algo nuevo en su momento. Con sólo ver la trayectoria de los héroes del jazz como Duke Ellington, Miles Davis, Charles Mingus, Dizzy Gillespie, Django Reinhardt, etcétera etcétera podemos percatarnos de la inmensa variedad de sus estilos y la creatividad con la que atravesaron las barreras de las tradiciones que heredaban. En sus conciertos de “cool jazz”, Davis, el muy cabrón, se sentaba de espaldas a la audiencia y ni siquiera le decía el nombre de las piezas. Fuck the fans. Vean nada más hasta dónde llegó con sus locuras. En fin.

¿Qué hacer? Según yo, primero dejar de usar las clasificaciones más bizarras. Quedémonos con las generales, todo-propósito. No caigamos en la trampa de los géneros que etiquetan a las bandas, sino hagamos lo contrario, etiquetemos a los géneros por medio de las bandas. “Mogwai hace rock”, y no “Mogwai es post-rock”. Tachen de pendejos a los que se creen mucho diciéndoles que su género preferido es el mathcore electro improv, o algo por el estilo. Igual de pendejos son los que se ofenden si les dices que su banda favorita no es tan buena. Seamos fans, pero moderados, sin ser devotos ni grandes seguidores. Aceptemos que también las porquerías son gratas (esa rolita de L7, Pretend We’re Dead, cómo me divierte, y tanto el disco como la banda son una mierda). Con ello, podemos luego aceptar que una banda cambie, según nosotros haga porquerías, y siga con su evolución a cosas tal vez mejores; o tal vez no, pero ya no será de importancia, porque al menos ya los dejamos seguir con su camino. Hagamos de la música una serie padre con coherencia, y no un bonche de capítulos cuya relación recae únicamente en que manejan a los mismos personajes. Opinemos, discutamos, y critiquemos a los que se dejen manipular por los fanáticos de género. Antes era malo el que firmaba con las grandes disqueras, pero como están en proceso de descomposición, ahora es malo el que se deja vender a los caprichos de la gente que se dedica a componer clasificaciones y lucirse con los cuates porque disque sabe un buen. El paso siguiente sería desmantelar lo de los subgéneros junto con sus ideas soporte y guiarse solamente por las cualidades más sobresalientes de la música, como ocurre en la clásica contemporánea. En todo caso, démosle la autenticidad y libertad necesaria a nuestra música, y con ello creo que las bandas menos originales asumirán una posición que les permita serlo en mayor medida, porque ya no satisfarían al fan de género, ni al “especialista”, ni todos esos cajones que existen hoy en día, y por ello serían más grandes , ahora sí, gracias a nosotros, los fans.

maudlin of the Well y Kayo Dot

2008-01-16T16:46:00.000-06:00

Metal astral. “¿Qué mamada es esa?”. Lo mismo pregunté yo. Lo bueno es que antes de encontrarme con esas dos palabras ya había escuchado la banda a la que hacen alusión y lo comprendí mejor, hasta me hizo sentido y dije “uy, pues me late.” Resulta que esa rareza de clasificación proviene, como siempre, no de la banda en sí, sino de quienes intentan darle una coherencia racional externa a su trabajo. Así, imagínense que son compositores, y como muchos de éstos, intentan hacer algo nuevo con su género preferido, en este caso el metal (si ya se que a algunos les costará trabajo imaginarse esta parte, pero háganlo o recojo mis juguetes en este instante). Les encanta el misterio y la idea de que en el mundo hay algo más allá de la razón, un algo de muchas variantes que podrían ser magia, caos y fenómenos realmente inexplicables repletos de posibilidades y violencia. John Zorn nos viene como anillo al dedo, como pueden ver, y sus pequeños debrayes acerca de la mística a través de un tipo de música que la refleje casi primitivamente son muy bienvenidos a nuestra casita imaginada. La casita tiene techo de tejas, por cierto. ¿Qué? Ah, sí. Entonces quieren hacer música que parta de ello, de la magia. Siendo un lenguaje, aunque en ocasiones sea ya pura matemática, toda la música que vayamos a componer tiene ya una base racional inevitable. “Pero espera”, dicen en su mente. “¿Qué hay de los sueños?” Su vivencia es equivalente a una experiencia real, después de todo, pero se encuentran en un lugar inexistente, funcionando bajo reglas que no podemos controlar y mucho menos comprender; son como la magia. “Y ¿cómo accedemos a ellos?” La respuesta está en el sueño lúcido. Por supuesto, entrenarse para ello leva muchísimo tiempo, y al parecer no es exactamente fácil de llevar a cabo. Sin embargo, eso es lo que van a hacer para componer música nueva.

El loco en cuestión ya no eres ni tú ni yo, sino Toby Driver, gringo de Nueva Inglaterra que formó la banda llamada maudlin of the Well precisamente con esas intenciones. Con ella hizo tres discos que en mi opinión son de lo más valioso y rescatable de la música popular de nuestros días, ya no digamos del tan gastado y débil género del metal. Sus canciones son en general realmente fuera de lo común y llenas, repletas, atascadas de detalles. La literatura acerca de lo onírico es también un elemento clave para estos discos, y tal como los sueños (más bien como a muchos de nosotros nos gusta verlos), están cargados de múltiples significados. “Si todo significa algo, ¿dónde quedó la magia y el misterio?”, dirán. El sueño lúcido es ya una forma de control, de racionalización que puede ser palpable para personas ajenas a uno, claro, pero el significado de un sueño permanece en el reino de lo personal y subjetivo. Por el simple hecho de haberles mencionado yo que hay cantidad de significados en las canciones probablemente empezarán a buscarlos y, por supuesto, encontrarlos, cuando si tal vez yo no hubiera dicho nada solamente hubieran escuchado y dicho “qué curiosa musiquita”. Perdón por sugestionarlos, pero es que me emocionan estas cosas. En todo caso, he ahí la magia y el misterio: el funcionamiento de la mente y de los sueños. Toby Driver, al fin que ya estaba de paso con esos asuntos, también usó técnicas más bizarras como las proyecciones astrales y los trances a través de mantras y meditaciones. Los resultados son muy interesantes, y se ve desde un principio en el tono experimental del primer disco de maudlin of the Well, My Fruit Psychobells…A Seed Combustible y desde la primera pieza, la cual comienza con guitarrazos a volumen y textura típicos metaleros… que siguen un tono más bien perteneciente al saxofón, el cual hace presencia también y explota con la misma fuerza haciendo dúo con las guitarras. La fórmula serenidad-violencia está por toda la obra de esta banda, y la usa con precisión y mucha intensidad. De cualquier forma, en una entrevista Driver aclaró que aunque usara todas esas técnicas fantásticas en su composición, ésta no era producto por completo de ello. Los sueños se nos escapan o se nos olvidan, las proyecciones astrales son más bien como orgasmos cerebrales y tormentas eléctricas en las que la percepción es lo primero que se va a tela de juicio, y los trances sólo hacen tabula rasa de lo que pasa en la imaginación cada momento. La idea era tal vez excelente, pero la ejecución probó ser todo un reto, uno que se sobrepuso a sus esfuerzos… con una excepción. En el tercer y último disco de maudlin, Leaving Your Body Map, encontramos la canción titulada Interlude 4, la cual fue la única pieza que después de años de trabajo pudo ser elaborada por completo con un sueño lúcido. Curiosamente es la canción más atractiva de ese álbum, y una de las mejores de la banda. Hay días en los que no puedo evitar sumergirme en esa rola y dejarme ir (y no hay nada de metal en ella, por cierto). Dentro de todo, y a pesar del aparente fracaso del proyecto, la obra de maudlin of the Well me parece muy rica musicalmente, llevada por la experimentación en un género que en general se cierra a ella, llena de insinuaciones, poder, locura, y viajes imaginarios. Lástima (o tal vez qué bueno) que al final sólo elaboraron tres discos: My Fruit Psychobells… a Seed Combustible (1999), Bath (2001), y Leaving Your Body Map (2001). Los tres se han dejado de imprimir y son difíciles de conseguir físicamente. Me gustaría mucho tenerlos, pero se me escapan o los dan muy caros. Lo bueno es que el INTERNET está dispuesto siempre al rescate. Les encontré Bath y Leaving, pero no pude dar con el primero. Si les interesa pídanmelo, porque sí lo tengo, pero me da hueva ponerlo en los servicios de hosting.

No les hablaré de la música en sí para no sugestionarlos más, y dejar que ustedes hagan lo que quieran con ella. A mí me encanta, y más Leaving. En todo caso les recomiendo empezar con Bath y luego ir con el otro. Lo mejor sería empezar por el primero, pero como no lo hay, pues ni modo. Los links están en los comentarios, por razones de seguridad nacional.

Antes de concluir es necesario mencionar que Toby Driver no terminó de componer al deshacerse maudlin of the Well. Al contrario, sigue hasta hoy en día; dejó el “esoterismo” a un lado y junto con la violinista Mia Matsumiya formó Kayo Dot, una banda todavía más experimental y menos rebuscada en algunos sentidos, mejor que maudlin en muchísimos aspectos fundamentales (empezando por el tipo de composiciones) y con una visión más racional, más fría, más clásica y efectiva. Su primer disco, Choirs of the Eye, es de mis favoritos, de lo mejor que he escuchado, neta, toda una obra maestra, allá arriba y conviviendo al lado de Toxic de Britney Spears y los narcocorridos. Fuera de broma, es un disco chingonsísimo y ampliamente recomendable si les gustan estas cosas. Para hacerles una pequeña comparación de las experimentaciones, Radiohead es como yo en la secundaria descubriendo cómo poner las aguas de colores en separaciones visibles dentro del matraz mientras que Kayo Dot es mi papá describiendo en puras fórmulas todas las reacciones que el ión de europium tiene cuando le echan láser verde en un ángulo obtuso. Por lo que he leído, algunas personas encuentran Choirs of the Eye indigerible (tomen alka-seltzer, jotos), otros lo hallan vano y sin sentido, otros completamente horrible y una muestra más de la desgracia de la música de nuestros tiempos, y algunos, como yo, una experiencia verdaderamente única. Cada quién. Porque aunque Choirs es memorable, el segundo disco de Kayo Dot, Dowsing Anemone With Copper Tongue, me parece plano, demasiado largo, y ya tirándole a las pendejadas. A otros les parece otra obra maestra, así que qué importa.

Escuchen Choirs, (también les puse un link) disfrútenlo y déjense llevar por la fría locura de Toby Driver fijándose en cómo se acerca al jazz, a la música clásica, y cómo combina todo en un paquete medio metalero que en ejecución es impactante y francamente maravilloso. Y si no les gusta, pues córtenlas. Bueno ya váyanse, o algo.

In Rainbows

2008-01-10T18:53:00.000-06:00

Me acabo de enterar que Radiohead puso su famoso disco In Rainbows a la venta en formato físico hace como una semana… con material extra, que no se puede conseguir oficialmente en su modelo “paga lo que quieras” en línea. Apesta, y por varias razones, no sólo la aparente injusticia cometida a aquellos que realmente pagaron buen dinero (fans, más que otras personas) para adquirir el disquito en mp3. Yo, sin ser fan de Radiohead, pagué lo equivalente a cien varos para escuchar su música y lo hice también precisamente porque el suyo es uno de los primeros modelos en los que el dinero aportado va directamente al artista. “¡Qué padre!”, pensé. “Mi dinero no se va a dividir en mil de tal forma que a los músicos les lleguen finalmente sólo tres centavos. Va completo”. Así que salté junto con todos al ‘bandwagon’, como dicen en inglés. Lo que siguió fue un tanto decepcionante. Primero, un mp3 a 160 kbps no es, ni de cerca, lo mismo que un CD, y la percepción de ello es obvia y clara. No tuvieron la decencia de llegarle a los 192 kbps, una calidad a la que ya notar la diferencia con el disco se hace difícil y que en los convertidores de mp3 es tan sólo el paso siguiente a 160 kbps. “Bueno.”, lo dejé pasar. Abrí el archivo comprimido en el que venía mi “disco” y descubrí que no tenía nada más, ni siquiera la portada en una simple imagen de bitmap o algo así de culero. Nada, pelones los mp3, que ni siquiera traían buen tagging (¿dónde quedó el año?). “Vamos, son detalles, cosa de nada, no seas exagerado.”, pueden decirme. Pero no, no son cosa de nada, son de hecho los detalles que implícitamente vienen con la compra de cualquier disco, estés pagándole la mitad del dinero a la Mixup o contribuyendo directamente a la cartera del artista. Empezando por ahí, hasta el viejo sistema de comprar CDs se luce. Mi vano enojo incrementó cuando supe del método de venta que había adoptado el hip-hopero Saul Williams para su disco The Inevitable Rise and Liberation of Niggy Tardust. En su sitio, le da a los interesados dos simples opciones: bajar gratis el disco, o pagar por él. Si decides bajarlo gratis, el paquete de mp3 viene codificado a la buena calidad de 192 kbps, e incluye la portada del disco y algunas partes del arte del libreto, además de las letras de las canciones. Si decides comprarlo por el módico y fijo precio de cinco dólares, el paquete es casi el mismo con la diferencia de que el mp3 es de 320 kbps, una calidad ya prácticamente indistinguible de un CD, y el libreto completo listo para ser impreso (y no hablemos de una banda como Phish que vende sus discos en línea en calidad FLAC, o “lossless”, que ya viene siendo lo mismo que un álbum en forma digital). Eso sí es “ofrecer un disco” en Internet, y no mamadas. Por supuesto, siendo hip-hop, nadie en los ámbitos “más serios” de la escena musical compuesta por gente como nosotros cuyo interés en la música es algo más pronunciado que el de aquellos que tienen mejores cosas que hacer, como oírla y disfrutarla, le hizo caso. No le ayuda que es alguien relativamente desconocido en el mundo del hip-hop, aunque lleve veinte años componiendo (como siempre, podemos culpar al gangsta rap). Yo me enteré de su proyecto sólo porque mientras surfeaba las altas olas de la red a algo le piqué relacionado con Trent Reznor, de Nine Inch Nails, que me llevó al sitio de Saul Williams. Una locura, pero uno supondría que siendo el Internet, estas cosas tendrían mucha mayor difusión, y más considerando la atención que obtuvo In Rainbows. El cual, hablando de ello, me terminó por parecer una completa farsa al enterarme de su salida a la venta en estos días, con su bonita cubierta, su bonito libreto, y su bonito material extra. A eso sí se le llama chingarse ya no sólo a los que les gusta Radiohead, sino a los fans que le entran hardcore a las cosas que hacen (y los hay muchos). Nos dan una mierda (¡es que es gratis!) y luego nos dicen que pues, a fin de cuentas, mejor si cómprennos el pinche disco, pretty please. Vale madres que lo hayan publicado a través de una disquera independiente (¡yay! ¿a fin de cuentas, quién chingados es VT Records?), porque el error está ya hecho. Espero que para la siguiente lo hagan bien, y ofrezcan el disco completamente gratis para que lo pruebes, así de mierda como lo sacaron, y una segunda opción de comprarlo (físicamente, si quieren), por si vale la pena. Siendo Radiohead, es probable que lo valga, de todas formas. “Exacto, ¿qué hay de la música? Echas pestes de su (oh tan) innovador sistema de ventas pero no hablas de lo importante, de la música.” Muy bien, lector imaginado por mi particular esquizofrenia y que pregunta convenientemente las preguntas que a fin de cuentas voy a resolver, pero que necesitaba una muleta para expresarlas rápidamente, hablaré de la música.

Algunos dicen que es disco del año. Algunos dicen que es el mejor disco de Radiohead a la fecha, y que les recuerda a los viejos tiempos de The Bends. Qué importa y qué mas da, todos escuchamos cosas diferentes a lo largo del año, y más importantemente, todos tenemos gustos bien distintos (Ire Works, de Dillinger Escape Plan, puta, ¡discazo del añísimo!). Así que de tales motivos no puedo hablar, ni puedo discutir. Lo bueno es que sí puedo hacerlo del disco en sí, sin tener que entrar en esos desmadres… mucho.

Comienza todo con 15 step, una canción marcada muy claramente por el estilo de Radiohead que acuñó en los noventa y que perfeccionó en OK Computer, lleno de una simplicidad en ejecución que es tan sólo aparente, pues siempre hay algo más atrás… ¿o no? En este caso, no veo cómo 15 step vaya más allá de ser una canción que se reduce a (¿o engrandece a?) algo familiarmente entretenido, con los detalles electrónicos ya recurrentes en los últimos discos de Radiohead pero con un giro más a lo Idiotique del Kid A cargado de dramatismo que a lo Hail to the Thief como “mejora” del sonido del rock que no se atiene a las fórmulas típicas, algo que esta banda sabe hacer bien. El resultado está bueno para mover el pie, pero no realmente para interesarnos. Bodysnatchers es como la continuación lógica de 15 step, entrando de lleno a un tiempo rápido que se maneja bastante simplemente y en el cual todos los instrumentos involucrados sirven el propósito de producirnos algo de urgencia y extrañeza (y la triste voz del Yorke es el mejor efecto), anticipando un final explosivo y demasiado corto que nos introduce a la intranquila lentitud de Nude. Para ser una banda “de detalles”, hasta el momento no estoy impresionado. Por suerte, Nude es una canción cuya fortaleza reside precisamente en los detalles y no tanto en el tema general. La adición de cuerdas (electrónicas) y otros efectos de sonido que nos remiten a ellas, utilizadas precisa y escasamente como complemento a la voz de Yorke, nos presentan un ambiente melancólico que nos lleva, nos lleva sin pensarlo dos veces. Esta efectividad es sobresaliente, y me gustó mucho encontrarla en un tema rock-anti-rock casi típico de esta banda. Retoma la rapidez Weird Fishes/Arpeggi, el cual es como una combinación de Nude y 15 step muy bien lograda; me podría perder en los detalles pero los temas dominantes son recordables, distintivamente frágiles y limpios, sin nada de ese riffing destructivo del rock al que podríamos estar acostumbrados. Pero eso no son nuevas noticias, ni algo limitado al estilo de Radio-cabeza. Algo de notar en esta canción es el uso de la voz, ya llegando al final, en una forma casi oriental muy introspectiva que nos llena de angustiado misterio. Y llega entonces All I Need. Dios, qué porquería. Es un intento, al estilo Radiohead, de armar una canción tipo post-rock repleta de anticipación por un final fuertemente emotivo y lleno de pasión. Para la música que actualmente hay por ahí, el tema de innovador tiene lo que yo de crítico de música. O sea, nada. Yorke intenta demasiado seriamente sonar afligido y roto, por lo que termina escuchándose como un chillón que apasionadamente echa la hueva mientras llora sus desgracias viendo, no se, MTV mientras se toma su Redbull. El intento por hacer del final algo memorable cae al suelo no porque el arreglo sea malo, o la combinación de sonidos sea incoherente, sino porque antes de él, la canción no produce ningún tipo de anticipación, ninguna tranquilidad o seguridad en el escucha que de un momento a otro se romperá trágicamente produciendo lágrimas. Sólo escuchamos a Yorke quejarse más débilmente de lo acostumbrado (ya que lo maten, o algo) acompañado por un temita olvidable. Faust Arp es la siguiente pieza, y es de aquellas en las que el botón de “Fast forward” llama como la sangre (haha). Bandas como Tool hacen uso de esas pendejadas cuyo punto es “darle coherencia al disco como un todo”, supuestamente evitando que el álbum sea visto como una mera compilación de canciones. Dichas pendejadas consisten en hacer una brevísima composición insignificante y pretendidamente ambiental que más bien termina rompiendo con la unidad del disco en lugar de aumentarla; y donde Tool falla con sus pretensiones, bandas como The Mars Volta tienen éxito al realmente configurar cada canción como parte de un todo perceptible, en lugar de intentar unir las piezas con otras menores, débiles, aburridas, e insensatas. Desafortunadamente Radiohead está en el punto medio, con una rola que no es ni lo suficientemente corta para ser insignificante, ni lo suficientemente presencial como para ser parte integral del disco. Reckoner, el siguiente tema, levanta un poco la cabeza sobre Faust Arp para decir que no, que el disco sigue. Aún así, esta continuación no es tan grata como yo esperaba, y el uso de las cuerdas en momentos que se considerarían dramáticos, con el obvio propósito de resaltar su intensidad, resulta soso y muy cliché, dejándonos pensando por qué en Nude les dieron tan buen uso y ahora andan haciendo cochinadas. Esta rola no es tan mala, y el uso del sonido de un pandero es interesante, pues le da un toque bonito de “báilame” que no es relativo al baile de la música electrónica o hasta el dance rock. Pero ESAS CUERDAS, oh dios, las malditas cuerdas. Bueno, el disco continúa con House of Cards, una canción de ritmo rockerón arreglada de tal forma que parece lenta. Hacia la mitad el tema va aterrizando con un estilo muy a la forma del space rock, con la guitarra dando largas y lejanas notas que siguen el tono distante, obscuro y con eco de la voz de Yorke que nos lleva a una cierta tranquilidad introspectiva, perdidos y flotando en nuestro propio espacio. Está muy bien construida (nada de rompimientos y riffs, nada de cuerdas intentando hacerle al rock dramático), y junto con Nude es un punto bastante alto para el disco. Jigsaw Falling Into Place es la penúltima canción, y es como un ejercicio en Radiohead-ez. Neta, me sonó como a algo salido de Amnesiac de repente, luego a Hail to the Thief , por acá un poco de Kid A, y dale con las pinches cuerdas. Por lo menos aquí están mejor colocadas. Nada sobresaliente, más bien es una canción mediocre de rock que, eso sí, suena muchísimo a Radiohead. Con cuerdas.

Videotape es mi canción favorita del disco. Su base está en el piano, seguido por la voz, sombría y tristemente dulce. Escuchamos la melancolía semi-orientaloide de un canto casi coral mientras la batería hace un arreglo compuesto por golpes rápidos que no nos dejan descansar en nuestra soledad. A mí me remitieron a la noche, no se por qué. Los grillos o algo. Simple y efectiva, Videotape no cuenta con que nos interesemos en detalles, en pensar qué ocurre con la música, sino que cuenta con que por puro sentimiento creemos nuestro ambiente y nos encontremos inmersos en nosotros mismos. ¿Ambiental? Tal vez. Lo que sí es que sin usar trucos baratos (sí, las estoy viendo, cuerdas), ni pretender armar la canción a partir de múltiples detalles dejando que los temas dominantes se presenten casi inesperadamente por sí mismos, Videotape es decididamente triste y emotiva. Muy bien.

En total, In Rainbows no es ni muy innovador ni especialmente poderoso. En cuanto a Radiohead, la innovación vino con OK Computer, y el poder vino con Kid A. Siento que este es un disco más bien para fans, no tanto para el público en general, por varios motivos. Uno, en general sí da la vibra del material más lejano de Radiohead, como The Bends, sin tener mucho en común con el más cercano cronológicamente pero más fallido Hail to the Thief. No rompe con el mainstream estableciéndose paradójicamente en el mismo como los primeros dos discos mencionados en este párrafo, uno por su arreglo de rock en forma inventiva y original combinándolo con electrónica y riffs realmente fuera de lo común, y el otro por su dramática presencia conducida por un rock que logra el mismo nivel de energía y dinamismo sin usar las fórmulas convencionales para hacerlo. Lo que In Rainbows hace se queda corto, simplemente porque todo ello ya había estado antes tanto en Radiohead como en otras bandas más nuevas y con otras ideas. Después del fiasco de Hail to the Thief, realmente no creo que la banda haya tenido la intención de llegarle a sus obras más emblemáticas y superarlas. Esto se me antoja más como un álbum dedicado a los fans, los cuales seguramente adorarán el disco porque revitaliza lo que aparentemente ya se había perdido. Para todos los demás, es un CD más de una de las grandes bandas de nuestros tiempos que aunque ya perdió su chispa y su relevancia está en entredichos cuando se trata de la actualidad, todavía nos mueve a escucharlos y decir “está chido.” Lo bueno es que gracias a cosas como esto del Internet hoy somos un poco más sabios que ayer, y conocemos obras de mayor complejidad, cargadas con más significados, más originales, más desafiantes al oído o tal vez más digeribles, más comprensibles, más bailables. Son todas buenas opciones, y en mi opinión, mejores que In Rainbows, aunque de verdad es un buen disco, pero definitivamente no el mejor de Radiohead ni el más significativo. Fuera de eso y retomando el primer punto de este post, la pinche farsa de comprar la cajita me lleva a pensar en no comprar ni madres y robarme vilmente el disco de Internet, a buena calidad, y con todo y su jodido material extra. Les pagué varo por lo que resultó ser una mierda de prueba, después de todo. Espero que no la vuelvan a cagar, al igual que espero que más artistas adopten un modelo parecido al de Saul Williams, o al menos buscar ventas a través de sitios como CD Baby y las disqueras independientes.