Buh-bye!
domingo, 6 de diciembre de 2009
Gloria Coates - 5 SQ's
miércoles, 2 de diciembre de 2009
10 Portadas Terribles
En un orden no jerárquico, BEHOLD:
a) Sepultura - Schizophrenia
Qué asco de portada para el que es posiblemente el mejor disco de Sepultura... Jesús alias el Cristo, parece que le dijeron "dibuja un Inca al que lo atosiga el diablo" al hermanito de Max Calavera y le dieron un bonche de crayones de colores básicos. "Sale chavito y si le puedes poner algo chido, así como que toda la escena ocurriera... digamos, dentro de... una cáscara de huevo rompiéndose, estaría chido."
b) Can - Ege Bamyasi
Ha,ha,ha pero qué inteligente referencia al arte pop, a sí mismos, y al consumo de verduras enlatadas. Sí, sí, la experiencia psicodélica está en todas partes y bla bla we get it, pero qué no había algo mejor con qué expresarse? Una lata de salsa, tal vez? No, tenía que ser una lata de whatever that shit is, que seguro es la verdura culpable de todos los males de Alemania.
c) Fear Before The March of Flames - Art Damage
Metalcore del peor tipo: aburrido, pretencioso, y barato como las de Insurgentes. La portada es un exacto reflejo de la música en esos mismos términos, excepto que podemos agregar 'color caca de perro post-caldo de cerdo y para niñas como ustedes'. ¿Y qué chingados hacen unas palmeras ahí? ¿Debemos esperar un cameo de estos pendejos en CSI Miami?
d) Mew - No More Stories [...]
¿Alguna vez se preguntaron qué pasaría si dibujaran un huevo feliz sobre una foto de una mariposa? Mew tiene la respuesta. Además, tuvieron el buen gusto de que la nariz de un gran huevo feliz azul fuera a su vez un huevo feliz rosa. El cual a su vez tendría una nariz de huevo feliz verde si no es porque la mariposa interrumpe con su pinche cola y la imagen se convierte en un embarradero. Así, el huevo feliz azul con pestañas de ala de mariposa se convierte en un fractal. Fuckin' awesome... NOT.
e) Ohm - Circus of Sound
No podían faltar las bandas de progre o jazz fusión para completar una buena colección de portadas asquerosamente graciosas. A este payaso del infierno super efecteado en photoshop sólo le falta una mesa de billar en la que los palos tienen picos y que cada vez que metes una bola se muere alguien a tres cuartos de distancia para que sea un buen promocional de SAW LCXVII. Y sangre, mucha sangre. No sé qué estaban pensando estos weyes cuando dijeron "ya que nuestro disco se llama circus, pues hay que meter algo así chingón como un gigantesco oso de peluche... o un tino al blanco... o ya sé, un payaso maligno de Dark Carnival!"
f) Overkill - Feel the Fire
Sí que lo siento, hermanos. En mis pantalones.
g) 24-7 Spyz - Heavy Metal Soul By The Pound
Nigga knows how ta use Powah Point, yo. Sí, soy bien racista y así. El punto es que esta gran banda funky tenía que contratar al abuelo Mike o algo así para hacer la portada de este disco, que incluye una maceta, una pata de pollo, y la Impact font curveada para efectos dramáticos. Todo en un fondo de... hojas secas? cigarros? mierda de caballo? THE WORLD SHALL NEVER KNOW.
h) Cactus - Cactus
Pure unadultered Male Power, motherfuckers, directo del ViewMaster 5000.
i) Led Zeppelin - Led Zeppelin III
Si esto es la idea de psicodelia que tenían los de Led Zeppelin, no me gustaría saber cuál era su idea de "heavy metal". La Z está sonriendo con amplias caries meientras un falo invertido le echa algo así como mayonesa encima. El III tiene estrellitas como de esas que se pone Thalía en su decréptia, anciana jeta y todo lo demás apesta a que les gustó "Yellow Submarine" de los Beatles y veían la película cada dos días y se reían de Las Cómicas Situaciones Disparejas. I mean, ¿qué chingados es esa cosa café que está sobre la doble p? ¿Un muffin podrido? Pffft.
j) New Order - Get Ready
Un ser andrógino tomando video, porque, you know, tienes que ponerte listo y ese weyvieja te va a filmar. Más allá de que quien haya diseñado esta portada se haya creído un constructivista ruso (una línea roja horizontal + verticalidad del niñ@ + confrontar al espectador, GU-a-U!!!), hay una total ineficiencia de la imagen que me hace querer chillarle a Billy Corgan diciéndole que todo esto es su pinche culpa. Más si, después de todo, es un disco plano y de hueva. Gracias, New Order, por ser tan losers.
Bien, eso es todo por hoy. Luego les pongo más portadas horribles, porque la verdad es que sobran, y eso que no estaba contando las portadas con fotos de la banda en poses sugerentes y cosas por el estilo. Hay portadas con fotos de las bandas que son chingonas, como la de Louder Than Love de Soundgarden, pero en general son péééééésimas. Catch ya later!
miércoles, 11 de noviembre de 2009
Breve interrupción
Miren este sitio, está bien divertido. Armas un festival con tu cuenta de last.fm:
Have fun!
martes, 13 de octubre de 2009
Música de Bali
Para seguir en el rollo en el que estamos desde hace un par de posts, les dejo un par de videos de música de gamelán de Bali que me gustan mucho.
Quería ponerles unas piezas de Lou Harrison para que compararan pero no hay en YouTube. Igual no hay pedo, les subiré un disco pronto para que puedan hacerlo y disfrutar de las reinterpretaciones occidentalizadas más sensibles que pueden encontrar. Lou Harrison es de mis compositores favoritos un poco por eso. Catch ya later!
Quería ponerles unas piezas de Lou Harrison para que compararan pero no hay en YouTube. Igual no hay pedo, les subiré un disco pronto para que puedan hacerlo y disfrutar de las reinterpretaciones occidentalizadas más sensibles que pueden encontrar. Lou Harrison es de mis compositores favoritos un poco por eso. Catch ya later!
lunes, 12 de octubre de 2009
Wu Fei - A Distant Youth
Ahí les va mi mejor reseña ever (y tal vez la mejor que leerán ever): Wu Fei es una hot chinese chick que toca esa como arpa horizontal tradicional (china, duh) que se llama guzheng y hace cosas bien modernas en compañía de personajes como Fred Frith y Carla Kihlstedt. Cute, smart, & interested in art - what the fuck else would you want from yer woman??
Modernízame
(Many thanks to By Chance Upon Waking for the upload)
martes, 22 de septiembre de 2009
La música no es el lenguaje universal
Todos, en algún momento de nuestras vidas, nos hemos encontrado con o hemos pensado en el viejo lugar común de la universalidad de la música. Hace algún tiempo yo decía que el problema estaba resuelto (y trabajo me costó), pero en los últimos meses he visto repetido el asunto en varias formas.
Idealizar a las artes es algo recurrente, sea como vehículos de una experiencia superior/trascendental (en términos de música podemos pensar en todos los tipos de exaltaciones de la 'clásica' o académica previa al siglo XX o al expresionismo de Schoenberg; una experiencia que finalmente bordea con lo banal, ya que casi siempre está relacionada con música socialmente asimilada como 'gran arte' y que, a menos que la enfrentemos con los pies en la tierra, presenta una ilusión de vitalidad en extremo poderosa), como lo contrario (pensemos en Bob Dylan y el movimiento folk), o como un elemento de unidad universal entre todas las poblaciones del UNIVERSO CONOCIDO Y LA UNIÓN DE IMPERIOS INTERGALÁCTICOS. Pero "todos hacen arte" mis huevos, empezando por el hecho de que la palabra 'arte' tiene treinta y cinco mil doscientas cuarenta y siete connotaciones e implicaciones, algunas distintas y otras no tanto, tan sólo en Occidente, donde a final de cuentas se inventó el término.
El discurso de la universalidad de la música (y aquí voy a sonar bien académico, pero x) es como otros tantos discursos con base en la Ilustración y que a lo largo del tiempo se fueron revelando como dispositivos de control ideológico que funcionaban a partir de la exclusión, la discriminación, y la sujeción. El New Age y la World Music son consecuencias directas de ello, echando mano tanto de la ingenuidad hippie (en el primero) como de la industria internacional de la música (en el segundo). Ambas son occidentalizaciones de música 'exótica' por naturaleza que descontextualizan su significado y origen, dejando sólo un vacío profundísimo. Mientras que a principios del siglo pasado numerosos compositores se dedicaron a la integración de músicas locales o de distintas etnias con un estilo derivado en su totalidad de occidente, su búsqueda tenía en principio la subversión de la rigidez de tal estilo y la 'elevación' de lo folclórico. El respeto de Lou Harrison por la música de Bali y oriente llevó a composiciones chingonsísimas que no desvirtúan el carácter espiritual de lo original y que de hecho pueden dar luz nueva sobre ello, bajo una forma, en su época, muy vanguardista (gamelan + violines = awesome). Podríamos decir lo mismo de Bartók, Revueltas, y demás. Por supuesto, existe un problema de fondo, el de '¿y por qué chingados necesita justificarse lo folclórico?' El argumento es fuerte, y podemos llegar a la conclusión de que ellos también eran "agentes de control y sujeción"; el modernismo fue así en gran medida (como ocurrió con las máscaras africanas y Picasso), pero por suerte nunca tuvieron la manía explícita de 'unir a todo el mundo bajo el mismo techo' o describirlo como una exótica totalidad de la cual somos sólo 'socios' u 'observadores'. Tales posturas sólo llevan a una utilización literal de música, por ejemplo, de la India, por razones no sólo ajenas al contexto hindú (lo cual no está mal en sí mismo) sino además carentes de cualquier intento de comprensión de qué es, en términos no técnicos, lo que mueve a ese sonido. La otra es la cálida recepción de música, por ejemplo, africana, pero sólo si es ajustada con anterioridad a los criterios estéticos de los occidentales contemporáneos - se agregan unos beats electrónicos y samples de chill out a una base norafricana y listo, un pedazo de World Music. En ambos casos se controla y se discrimina veladamente a numerosas culturas, reduciéndolas a souvenirs de aeropuerto.
Dicho eso, no tengo nada en contra de la reinterpretación (Lou Harrison, etc.). Lo que es desesperante es la apropiación sin sentido, o con un sentido muy superficial, de cosas que obviamente salen de nuestro entorno familiar. Ahora bien, está el otro lado de la moneda, que es igual o tal vez más común: proponer que partes de la música occidental le hablan a todo el mundo por igual. Los que lo hacen generalmente no tienen malas intenciones, pero no se dan cuenta del daño que le hacen a la diversidad propia del planeta cuando otras personas se la creen y adoptan el mismo modo de pensar. No es que no haya bandas de post-rock en China, pero sí tienen mucho más que ofrecer en cuanto a tradición y vanguardia musical, a pesar del control estatal que derivó en que durante mucho tiempo el máximo representante del país era Cheng-zong Yin con el "Yellow River Concerto", un ejercicio de romanticismo decimonónico europeo muy ajeno a lo que cualquier chino, supongo, escuchaba normalmente. Ejemplos así hay varios. Que tú creas que Bob Dylan habla de la 'universalidad de los sentimientos humanos' no significa que tú sientas lo mismo que él, tu jefa, o tu mejor amigo, ya no digamos alguien de una cultura diferente. Uno se identifica con las cosas, y no al revés.
Agarremos por un momento el rollo ese del lenguaje. Si tan universal es, ¿por qué nadie entiende el serialismo? Lo más curioso es que no hay nada más occidental que eso, y podemos ver un serio favoritismo hacia el siglo XIX y más atrás en las salas de concierto mejor establecidas. Sí, de repente saldrán por ahí Strauss, Sibelius, Britten, y qué sé yo, pero nada demasiado aventurado. El noise, como género, ¿tiene algo de universal? El mismo rock no tiene un carajo de mundial, excepto que es, junto con el pop, una magna imposición de estilos anglosajones de hacer música sobre una gran parte del mundo. Es una industria gigantesca, a fin de cuentas, y a pesar de que las más grandes disqueras estén cayéndose a pedazos. Tampoco quiero dar a entender que eso es malo - la más agresiva y penetrante banda de noise que he escuchado jamás es de China, y me encanta - sino que no es la utopía que a veces pudiera parecer que es. Porque si tú le pones noise a un tipo de Bali, quién sabe qué reacción va a tener; así como a los ingleses (siguiendo el tema de China) les parecía repulsiva la "ópera" china en los años de sus primeros contactos imperiales, es posible y probable que a un indígena de hace un par de siglos le pareciera no sólo inaccesible sino horripilante una melodía de Mozart. Hay que tener, primero que nada, respeto por las diferencias, entre las cuales destacan cosas tan biológicas como la visión y el oído, sentidos que nutren a las artes en general idealizadas.
Ya me dio hueva seguir, la verdad. Para terminar sólo reiteraré que no, ni la música, ni la pintura, ni la escultura, ni el pito del arcángel Gabriel son universales, y nunca lo serán a menos que eso de la globalización se cumpla y tengamos que presentar un frente unificado ante la amenaza de Galactus o algo por el estilo. La humanidad es sólo una especie, no un estado de consciencia ni un modo de vida. Denle de zapes de mi parte a todos los pseudo-románticos que vean y que anden con sus guitarritas acústicas pregonando las vivencias del hombre común. Ya tenemos a los folkies y a Bruce Springsteen para eso, gracias, y además ellos sólo hablan de Estados Unidos. Por lo menos allá no son tantos como acá, hahaha.
Pero bueno, nos andamos viendo, y los dejo con un video al random para que descansen de tanta mamada que digo en este blog. :D
Idealizar a las artes es algo recurrente, sea como vehículos de una experiencia superior/trascendental (en términos de música podemos pensar en todos los tipos de exaltaciones de la 'clásica' o académica previa al siglo XX o al expresionismo de Schoenberg; una experiencia que finalmente bordea con lo banal, ya que casi siempre está relacionada con música socialmente asimilada como 'gran arte' y que, a menos que la enfrentemos con los pies en la tierra, presenta una ilusión de vitalidad en extremo poderosa), como lo contrario (pensemos en Bob Dylan y el movimiento folk), o como un elemento de unidad universal entre todas las poblaciones del UNIVERSO CONOCIDO Y LA UNIÓN DE IMPERIOS INTERGALÁCTICOS. Pero "todos hacen arte" mis huevos, empezando por el hecho de que la palabra 'arte' tiene treinta y cinco mil doscientas cuarenta y siete connotaciones e implicaciones, algunas distintas y otras no tanto, tan sólo en Occidente, donde a final de cuentas se inventó el término.
El discurso de la universalidad de la música (y aquí voy a sonar bien académico, pero x) es como otros tantos discursos con base en la Ilustración y que a lo largo del tiempo se fueron revelando como dispositivos de control ideológico que funcionaban a partir de la exclusión, la discriminación, y la sujeción. El New Age y la World Music son consecuencias directas de ello, echando mano tanto de la ingenuidad hippie (en el primero) como de la industria internacional de la música (en el segundo). Ambas son occidentalizaciones de música 'exótica' por naturaleza que descontextualizan su significado y origen, dejando sólo un vacío profundísimo. Mientras que a principios del siglo pasado numerosos compositores se dedicaron a la integración de músicas locales o de distintas etnias con un estilo derivado en su totalidad de occidente, su búsqueda tenía en principio la subversión de la rigidez de tal estilo y la 'elevación' de lo folclórico. El respeto de Lou Harrison por la música de Bali y oriente llevó a composiciones chingonsísimas que no desvirtúan el carácter espiritual de lo original y que de hecho pueden dar luz nueva sobre ello, bajo una forma, en su época, muy vanguardista (gamelan + violines = awesome). Podríamos decir lo mismo de Bartók, Revueltas, y demás. Por supuesto, existe un problema de fondo, el de '¿y por qué chingados necesita justificarse lo folclórico?' El argumento es fuerte, y podemos llegar a la conclusión de que ellos también eran "agentes de control y sujeción"; el modernismo fue así en gran medida (como ocurrió con las máscaras africanas y Picasso), pero por suerte nunca tuvieron la manía explícita de 'unir a todo el mundo bajo el mismo techo' o describirlo como una exótica totalidad de la cual somos sólo 'socios' u 'observadores'. Tales posturas sólo llevan a una utilización literal de música, por ejemplo, de la India, por razones no sólo ajenas al contexto hindú (lo cual no está mal en sí mismo) sino además carentes de cualquier intento de comprensión de qué es, en términos no técnicos, lo que mueve a ese sonido. La otra es la cálida recepción de música, por ejemplo, africana, pero sólo si es ajustada con anterioridad a los criterios estéticos de los occidentales contemporáneos - se agregan unos beats electrónicos y samples de chill out a una base norafricana y listo, un pedazo de World Music. En ambos casos se controla y se discrimina veladamente a numerosas culturas, reduciéndolas a souvenirs de aeropuerto.
Dicho eso, no tengo nada en contra de la reinterpretación (Lou Harrison, etc.). Lo que es desesperante es la apropiación sin sentido, o con un sentido muy superficial, de cosas que obviamente salen de nuestro entorno familiar. Ahora bien, está el otro lado de la moneda, que es igual o tal vez más común: proponer que partes de la música occidental le hablan a todo el mundo por igual. Los que lo hacen generalmente no tienen malas intenciones, pero no se dan cuenta del daño que le hacen a la diversidad propia del planeta cuando otras personas se la creen y adoptan el mismo modo de pensar. No es que no haya bandas de post-rock en China, pero sí tienen mucho más que ofrecer en cuanto a tradición y vanguardia musical, a pesar del control estatal que derivó en que durante mucho tiempo el máximo representante del país era Cheng-zong Yin con el "Yellow River Concerto", un ejercicio de romanticismo decimonónico europeo muy ajeno a lo que cualquier chino, supongo, escuchaba normalmente. Ejemplos así hay varios. Que tú creas que Bob Dylan habla de la 'universalidad de los sentimientos humanos' no significa que tú sientas lo mismo que él, tu jefa, o tu mejor amigo, ya no digamos alguien de una cultura diferente. Uno se identifica con las cosas, y no al revés.
Agarremos por un momento el rollo ese del lenguaje. Si tan universal es, ¿por qué nadie entiende el serialismo? Lo más curioso es que no hay nada más occidental que eso, y podemos ver un serio favoritismo hacia el siglo XIX y más atrás en las salas de concierto mejor establecidas. Sí, de repente saldrán por ahí Strauss, Sibelius, Britten, y qué sé yo, pero nada demasiado aventurado. El noise, como género, ¿tiene algo de universal? El mismo rock no tiene un carajo de mundial, excepto que es, junto con el pop, una magna imposición de estilos anglosajones de hacer música sobre una gran parte del mundo. Es una industria gigantesca, a fin de cuentas, y a pesar de que las más grandes disqueras estén cayéndose a pedazos. Tampoco quiero dar a entender que eso es malo - la más agresiva y penetrante banda de noise que he escuchado jamás es de China, y me encanta - sino que no es la utopía que a veces pudiera parecer que es. Porque si tú le pones noise a un tipo de Bali, quién sabe qué reacción va a tener; así como a los ingleses (siguiendo el tema de China) les parecía repulsiva la "ópera" china en los años de sus primeros contactos imperiales, es posible y probable que a un indígena de hace un par de siglos le pareciera no sólo inaccesible sino horripilante una melodía de Mozart. Hay que tener, primero que nada, respeto por las diferencias, entre las cuales destacan cosas tan biológicas como la visión y el oído, sentidos que nutren a las artes en general idealizadas.
Ya me dio hueva seguir, la verdad. Para terminar sólo reiteraré que no, ni la música, ni la pintura, ni la escultura, ni el pito del arcángel Gabriel son universales, y nunca lo serán a menos que eso de la globalización se cumpla y tengamos que presentar un frente unificado ante la amenaza de Galactus o algo por el estilo. La humanidad es sólo una especie, no un estado de consciencia ni un modo de vida. Denle de zapes de mi parte a todos los pseudo-románticos que vean y que anden con sus guitarritas acústicas pregonando las vivencias del hombre común. Ya tenemos a los folkies y a Bruce Springsteen para eso, gracias, y además ellos sólo hablan de Estados Unidos. Por lo menos allá no son tantos como acá, hahaha.
Pero bueno, nos andamos viendo, y los dejo con un video al random para que descansen de tanta mamada que digo en este blog. :D
sábado, 29 de agosto de 2009
Axolotl - Telesma
Drone drone drone noise noise
Heaven.
Tao. Fantasmas in vitro -
Muerte fractal = vida. Instrumentos? Expresiones; anti-materia y anti-arte absorbiendo la médula del axis mundi. 38'59'' : fin del significado, cambio metabólico, tiphereth implota y tocamos la )des(órbita.
libertad - el espíritu carcome el poliéster, programa su furia. en el ruido vuela until "she turns and looks a moment in the glass, hardly aware of her departed lover;" vuelvo entonces a la quietud de la célulA.
La transmisión se curvea y florece en nuestra sangre polifónica... hasta el contagio. Sin cura, se dibuja un tercero - ¿trialéctica? - que se desliza entre nuestras manos ("Your Hand In Mine"); aniquila y ahoga.
sin Comprensión/Entendimiento/Significado, tal vez nuestra sonrisa se haga verdadera, corporal[mental], Significativa. To at last wash away and flow, with you.
Infect me
p.d. - llorar y reír como nunca antes
martes, 11 de agosto de 2009
Supergrupo
"No mams tiene a Billy Corgan, John Cleese, Paty Navidad y el wey ese de la banda que es todavía demasiado hip como para que todo mundo la conozca!!!!!!!"
¿Alguna vez han escuchado de un 'supergrupo' que no haya apestado (desde leve hasta asquerosamente)? Yo sí, haha... lo siento, fue una pregunta trucada. Todos conocemos a 'supergrupos' que tienen muchas virtudes, aunque los podemos contar con los dedos de las manos. Además, el concepto de supergrupo está invariablemente ligado al mainstream y a lo corporativo; lo 'super' es establecido a priori por la fama a través del reconocimiento, por una parte, de un cierto público, y por otra, de la industria por la cantidad de discos que ha vendido cada miembro con su propia banda. Es decir, es una extensión de la industria que gira alrededor del rock: lo que en el jazz es una colaboración, una comunión, en el rock es un despliegue de prestigio. Porque si de habilidad se tratara, habría muchos más supergrupos, empezando (WARNING: OBJECTIVE TRUTH INCOMING) por Kayo Dot, o, si gustan, por las legendarias bandas de King Oliver, los Hot Seven, Jelly Roll Morton, etc. etc. Por supuesto, aquellos viejos conjuntos de jazz se trataban también en gran medida de prestigio, pero no en términos capitalistas, sino de talento. La dinámica de ello era, por lo tanto, totalmente distinta, y si bien todos querían tener a los mejores instrumentistas de la época en sus respectivas bandas, la competencia era musical (Jelly Roll constantemente decía que él era el mejor pianista ever, el mejor compositor ever, y así; sin importar si era cierto o no, al menos tenía la habilidad suficiente para apoyar tales aseveraciones y no sólo huevos, a diferencia, por ejemplo hoy en día, de los Killers, de quien el cantante Brandon Flowers dice que son lo mejor que le ha pasado al rock desde hace décadas y luego se pone a componer pura mierda) y no sólo monetaria.
Si se fijan, las bandas más 'indie' así como quienes las apoyan evitan hacer de sus distintas membresías (pasadas o no) un elemento importante de lo que hacen - todo mundo sabe que en Broken Social Scene hay gente de Do Make Say Think, Metric, Valley of the Giants... o que en Fantomas tenemos a la mitad de Mr. Bungle así como al baterista de Slayer and so on, pero mientras que vemos a los críticos mencionarlo todo el tiempo, la música que tales artistas hacen con sus 'supergrupos' es lo suficientemente distintiva y chingona como para que se les de mérito por ese lado. A veces hasta más; creo que hay más gente que conoce a Broken Social Scene que a Do Make Say Think (una lástima, hahaha).
En fin. El punto es que los 'supergrupos' como tales son un gran producto de la industria de la música basado en sus propios referentes, como la venta de discos y la cantidad de exposición que han tenido sus integrantes con sus bandas anteriores (en MTV, en el radio, medios que también le pertenecen). El ejemplo más claro, y a mi parecer el primero que es en verdad significativo en la historia de estas cosas, es el de Asia. Este supergrupo se formó a raíz del gradual desvanecimiento de Yes y Emerson, Lake & Palmer en un mar de semi-pop mediocre (sólo denle una escuchada a Love Beach para que vean a lo que me refiero) ante la incapacidad de ambas bandas de continuar con el proyecto del rock progresivo, por razones que no me termino de explicar, y que podrían ir por el lado de la enorme adquisición de dineritos y fama así como de los caminos que ellos mismos habían cerrado con sus últimos discos (no más jazz fusión, no más música clásica, no nada; gracias a cthulhu Robert Fripp tuvo la suficiente visión como para hacer descansar a King Crimson durante una buena década después de haber agotado las posibilidades de la "era dorada" del progre). Habiendo muerto la utopía-distopía del género a manos de las disqueras y de la falta de huevos de ciertos de sus artistas, sólo quedaba hacer porquerías 'radio-friendly' - y Asia, con todos sus miembros sobrecalificados para tocar porquerías, hizo justo eso. No es que otros no lo hayan hecho (Genesis, Alan Parsons, Mike Oldfield, todos, TODOS los veteranos del progre menos KC), pero ninguno de ellos tuvo la categoría de 'supergrupo'. Es revelador, sobre todo porque en la "era dorada" los músicos de progre intercambiaban bandas como de calzones por lo cual casi que todas ellas eran supergrupos (también porque prácticamente todos y cada uno de esos músicos eran buenos, muy buenos, o excelentes en lo que hacían), lo cual nos dice que había más del espíritu de colaboración común en el jazz y menos de la mecánica del prestigio presente a principios de los ochenta en el rock. El caso de Asia, por lo tanto, es significativo por ser la primera gran muestra de cómo el mainstream podía comprar hasta a aquellos que intentaron hacer del rock "gran arte" (justo, además, en el momento en el que el cadáver del "gran arte" se adornaba ya con unos cuantos gusanitos) y hacerlos parte de su mercado a un precio bastante barato, tan barato que la mayoría de progres que lo vivieron todavía lo sienten como una traición.
¿Existen, por lo tanto, supergrupos 'underground'? ¿Sería correcto llamarlos así? No lo creo. Primero, porque en ese lugar no existen las 'superestrellas'; el prestigio no es impuesto, es ganado, y ni aún así es indicio de seguridad. Claro, al menos mientras no entren pendejos del mainstream que creen que porque un proyecto ya tiene a X o Y peronsa, la cual ha vendido millones de discos, instantáneamente será bueno. Creo que esa gente nunca aprende, por más Audioslaves y Velvet Revolvers que les eches encima. Si eres fan de un músico en particular, pues qué chingón, tú me entenderás cuando digo que los pendejos mainstream son fácilmente reconocibles (al menos los que quedan), tan reconocibles como los pendejos hipsters genéricos que contaminan las 'escenas' y los gustos; todos esos que están en el mismo concierto que tú pero con los cuales no puedes compartir el gusto por lo que escuchan. Pero me desvío del tema - quería ponerles un ejemplo de cada caso (prestigio-meh, prestigio-awesome), ambos de Japón, y que involucran, de hecho, casi a los mismos artistas. El primero es el de la presentación en vivo de Zubi Zuva X en el Japanese New Music Festival (el cual vino a México hace unos años). Los integrantes son Atsushi Tsuyama, Yoshida Tatsuya, y Kawabata Makoto. Los tres son bastante reconocidos en el mundo de la música prog-noise-psych y sabemos lo que pueden hacer a través de la multiplicidad de grupos a los que pertenecen o han pertenecido (Ruins, Acid Mothers Temple, Afrirampo, etc.); son muy buenos músicos, tienen proyectos impresionantes, estoy seguro de que ganan una buena lana, pero no son "estrellas" ni mucho menos. Es como ocurre con los músicos académicos: muchos son reconocidísimos pero distan de ser figuras aptas para Perez Hilton, un reality show... ya know what I'm sayin'? Regresando al ejemplo, lo padre del asunto es que teniendo los 'historiales' que tienen estos vatos, uno no sabe qué esperar. Cuando llega el momento de escucharlo, es cagado, es muy divertido, pero no es nada que resalte en ningún sentido, ni siquiera por su espíritu dadaísta. He aquí el video:
Si por el prestigio de estos cuates, bien ganado por sus miles de obras, dependiera, uno esperaría maravillas. Aunque la intención y las implicaciones de una presentación así es todo lo contrario a las que tiene la idea de 'maravilla' y que de hecho la destruye, uno esperaría algo tan confrontacional como un ready-made, 4'33 de John Cage, no sé. Por otra parte, aunque formalmente sea equis, podemos ver un acto sincero, divertido, más profundo en un sentido cotidiano cuya relación con los manifiestos y el modernismo es en extremo tenue. Tú y yo podríamos hacer algo así, al menos potencialmente (ya en la realidad, saldría algo bastante malo, estoy seguro). Así que esto es más 'contemporáneo', y el ejemplo que sigue es más 'moderno', repleto de abstracciones y referentes a un viejo desarrollo musical que supuestamente empezó con Debussy. Así mismo, es mucho más impresionante y destructivo. Dura una hora en 5 partes de 10 minutos (todas en los vínculos en el cuadrito de videos relacionados ahí en youtube), así que siéntense y déjense llevar. Behold:
Esta agrupación, también ternaria, involucra a Tatsuya Yoshida y Kawabata Makoto una vez más, pero ahora con la participación de Keiji Haino. Creo que para este momento no necesito ya ni presentar al tal Haino. Es uno de mis héroes musicales, por lo que su 'prestigio ganado' tiene mucha influencia sobre lo que pienso acerca de lo que hace, y no tengo por qué dejar eso atrás cuando digo que es uno de los conciertos más chingones ever al que no asistí. Los tres entran en comunión a su manera; siento que hay mucho más espacio individual que en Zubi Zuva y no sólo por la obviedad de la instrumentación, sino también por el proceso creativo en el que participan, más libre, más expresionista, más poderoso: eléctrico, ruidoso, 'free'. Este trio no tiene miedo de traer su infierno personal ante el público, mostrarle cómo se construye y deconstruye la forma, cómo la música no nos dice absolutamente nada porque no es lenguaje, es experiencia. Qué diferencia de Asia y todos los demás supergrupos confeccionados tal vez con buenas intenciones pero validados y estructurados en una sala de conferencias.
Conclusión: es hora de que el supergrupo pase al cementerio y de que las agrupaciones 'legendarias' pasen a ser más comunes, a un primer plano. Ellas, aún en sus momentos menos heroicos (Zubi Zuva) nos pueden ofrecer mucho más que cualquier supergrupo jamás nos ha ofrecido, aunque esté en su más mediatizado y glorioso momento. Pero bueno, ya sueno otra vez a manifiesto, así que es hora de despedirme.
Bye.
¿Alguna vez han escuchado de un 'supergrupo' que no haya apestado (desde leve hasta asquerosamente)? Yo sí, haha... lo siento, fue una pregunta trucada. Todos conocemos a 'supergrupos' que tienen muchas virtudes, aunque los podemos contar con los dedos de las manos. Además, el concepto de supergrupo está invariablemente ligado al mainstream y a lo corporativo; lo 'super' es establecido a priori por la fama a través del reconocimiento, por una parte, de un cierto público, y por otra, de la industria por la cantidad de discos que ha vendido cada miembro con su propia banda. Es decir, es una extensión de la industria que gira alrededor del rock: lo que en el jazz es una colaboración, una comunión, en el rock es un despliegue de prestigio. Porque si de habilidad se tratara, habría muchos más supergrupos, empezando (WARNING: OBJECTIVE TRUTH INCOMING) por Kayo Dot, o, si gustan, por las legendarias bandas de King Oliver, los Hot Seven, Jelly Roll Morton, etc. etc. Por supuesto, aquellos viejos conjuntos de jazz se trataban también en gran medida de prestigio, pero no en términos capitalistas, sino de talento. La dinámica de ello era, por lo tanto, totalmente distinta, y si bien todos querían tener a los mejores instrumentistas de la época en sus respectivas bandas, la competencia era musical (Jelly Roll constantemente decía que él era el mejor pianista ever, el mejor compositor ever, y así; sin importar si era cierto o no, al menos tenía la habilidad suficiente para apoyar tales aseveraciones y no sólo huevos, a diferencia, por ejemplo hoy en día, de los Killers, de quien el cantante Brandon Flowers dice que son lo mejor que le ha pasado al rock desde hace décadas y luego se pone a componer pura mierda) y no sólo monetaria.
Si se fijan, las bandas más 'indie' así como quienes las apoyan evitan hacer de sus distintas membresías (pasadas o no) un elemento importante de lo que hacen - todo mundo sabe que en Broken Social Scene hay gente de Do Make Say Think, Metric, Valley of the Giants... o que en Fantomas tenemos a la mitad de Mr. Bungle así como al baterista de Slayer and so on, pero mientras que vemos a los críticos mencionarlo todo el tiempo, la música que tales artistas hacen con sus 'supergrupos' es lo suficientemente distintiva y chingona como para que se les de mérito por ese lado. A veces hasta más; creo que hay más gente que conoce a Broken Social Scene que a Do Make Say Think (una lástima, hahaha).
En fin. El punto es que los 'supergrupos' como tales son un gran producto de la industria de la música basado en sus propios referentes, como la venta de discos y la cantidad de exposición que han tenido sus integrantes con sus bandas anteriores (en MTV, en el radio, medios que también le pertenecen). El ejemplo más claro, y a mi parecer el primero que es en verdad significativo en la historia de estas cosas, es el de Asia. Este supergrupo se formó a raíz del gradual desvanecimiento de Yes y Emerson, Lake & Palmer en un mar de semi-pop mediocre (sólo denle una escuchada a Love Beach para que vean a lo que me refiero) ante la incapacidad de ambas bandas de continuar con el proyecto del rock progresivo, por razones que no me termino de explicar, y que podrían ir por el lado de la enorme adquisición de dineritos y fama así como de los caminos que ellos mismos habían cerrado con sus últimos discos (no más jazz fusión, no más música clásica, no nada; gracias a cthulhu Robert Fripp tuvo la suficiente visión como para hacer descansar a King Crimson durante una buena década después de haber agotado las posibilidades de la "era dorada" del progre). Habiendo muerto la utopía-distopía del género a manos de las disqueras y de la falta de huevos de ciertos de sus artistas, sólo quedaba hacer porquerías 'radio-friendly' - y Asia, con todos sus miembros sobrecalificados para tocar porquerías, hizo justo eso. No es que otros no lo hayan hecho (Genesis, Alan Parsons, Mike Oldfield, todos, TODOS los veteranos del progre menos KC), pero ninguno de ellos tuvo la categoría de 'supergrupo'. Es revelador, sobre todo porque en la "era dorada" los músicos de progre intercambiaban bandas como de calzones por lo cual casi que todas ellas eran supergrupos (también porque prácticamente todos y cada uno de esos músicos eran buenos, muy buenos, o excelentes en lo que hacían), lo cual nos dice que había más del espíritu de colaboración común en el jazz y menos de la mecánica del prestigio presente a principios de los ochenta en el rock. El caso de Asia, por lo tanto, es significativo por ser la primera gran muestra de cómo el mainstream podía comprar hasta a aquellos que intentaron hacer del rock "gran arte" (justo, además, en el momento en el que el cadáver del "gran arte" se adornaba ya con unos cuantos gusanitos) y hacerlos parte de su mercado a un precio bastante barato, tan barato que la mayoría de progres que lo vivieron todavía lo sienten como una traición.
¿Existen, por lo tanto, supergrupos 'underground'? ¿Sería correcto llamarlos así? No lo creo. Primero, porque en ese lugar no existen las 'superestrellas'; el prestigio no es impuesto, es ganado, y ni aún así es indicio de seguridad. Claro, al menos mientras no entren pendejos del mainstream que creen que porque un proyecto ya tiene a X o Y peronsa, la cual ha vendido millones de discos, instantáneamente será bueno. Creo que esa gente nunca aprende, por más Audioslaves y Velvet Revolvers que les eches encima. Si eres fan de un músico en particular, pues qué chingón, tú me entenderás cuando digo que los pendejos mainstream son fácilmente reconocibles (al menos los que quedan), tan reconocibles como los pendejos hipsters genéricos que contaminan las 'escenas' y los gustos; todos esos que están en el mismo concierto que tú pero con los cuales no puedes compartir el gusto por lo que escuchan. Pero me desvío del tema - quería ponerles un ejemplo de cada caso (prestigio-meh, prestigio-awesome), ambos de Japón, y que involucran, de hecho, casi a los mismos artistas. El primero es el de la presentación en vivo de Zubi Zuva X en el Japanese New Music Festival (el cual vino a México hace unos años). Los integrantes son Atsushi Tsuyama, Yoshida Tatsuya, y Kawabata Makoto. Los tres son bastante reconocidos en el mundo de la música prog-noise-psych y sabemos lo que pueden hacer a través de la multiplicidad de grupos a los que pertenecen o han pertenecido (Ruins, Acid Mothers Temple, Afrirampo, etc.); son muy buenos músicos, tienen proyectos impresionantes, estoy seguro de que ganan una buena lana, pero no son "estrellas" ni mucho menos. Es como ocurre con los músicos académicos: muchos son reconocidísimos pero distan de ser figuras aptas para Perez Hilton, un reality show... ya know what I'm sayin'? Regresando al ejemplo, lo padre del asunto es que teniendo los 'historiales' que tienen estos vatos, uno no sabe qué esperar. Cuando llega el momento de escucharlo, es cagado, es muy divertido, pero no es nada que resalte en ningún sentido, ni siquiera por su espíritu dadaísta. He aquí el video:
Si por el prestigio de estos cuates, bien ganado por sus miles de obras, dependiera, uno esperaría maravillas. Aunque la intención y las implicaciones de una presentación así es todo lo contrario a las que tiene la idea de 'maravilla' y que de hecho la destruye, uno esperaría algo tan confrontacional como un ready-made, 4'33 de John Cage, no sé. Por otra parte, aunque formalmente sea equis, podemos ver un acto sincero, divertido, más profundo en un sentido cotidiano cuya relación con los manifiestos y el modernismo es en extremo tenue. Tú y yo podríamos hacer algo así, al menos potencialmente (ya en la realidad, saldría algo bastante malo, estoy seguro). Así que esto es más 'contemporáneo', y el ejemplo que sigue es más 'moderno', repleto de abstracciones y referentes a un viejo desarrollo musical que supuestamente empezó con Debussy. Así mismo, es mucho más impresionante y destructivo. Dura una hora en 5 partes de 10 minutos (todas en los vínculos en el cuadrito de videos relacionados ahí en youtube), así que siéntense y déjense llevar. Behold:
Esta agrupación, también ternaria, involucra a Tatsuya Yoshida y Kawabata Makoto una vez más, pero ahora con la participación de Keiji Haino. Creo que para este momento no necesito ya ni presentar al tal Haino. Es uno de mis héroes musicales, por lo que su 'prestigio ganado' tiene mucha influencia sobre lo que pienso acerca de lo que hace, y no tengo por qué dejar eso atrás cuando digo que es uno de los conciertos más chingones ever al que no asistí. Los tres entran en comunión a su manera; siento que hay mucho más espacio individual que en Zubi Zuva y no sólo por la obviedad de la instrumentación, sino también por el proceso creativo en el que participan, más libre, más expresionista, más poderoso: eléctrico, ruidoso, 'free'. Este trio no tiene miedo de traer su infierno personal ante el público, mostrarle cómo se construye y deconstruye la forma, cómo la música no nos dice absolutamente nada porque no es lenguaje, es experiencia. Qué diferencia de Asia y todos los demás supergrupos confeccionados tal vez con buenas intenciones pero validados y estructurados en una sala de conferencias.
Conclusión: es hora de que el supergrupo pase al cementerio y de que las agrupaciones 'legendarias' pasen a ser más comunes, a un primer plano. Ellas, aún en sus momentos menos heroicos (Zubi Zuva) nos pueden ofrecer mucho más que cualquier supergrupo jamás nos ha ofrecido, aunque esté en su más mediatizado y glorioso momento. Pero bueno, ya sueno otra vez a manifiesto, así que es hora de despedirme.
Bye.
viernes, 31 de julio de 2009
Sunwrae - Autumn Never Fall
Un chavo de last.fm me pidió de favor que le pasara este disco. Para aprovechar el vínculo y la subida, se los paso a ustedes también. No les haré una reseña larga, con que sepan que es para fans de Rachel's, los primeros discos de Kashiwa Daisuke, Invert, y otros grupos de música de cámara que tocan música original, compuesta por ellos mismos, basta. El distintivo de Sunwrae es combinar composiciones semi-clásicas padres con ambient y jazz, pero sobre todo jazz. "haha eso ya lo hizo Gershwin hace 90 años, dude!" pueden decir. Sí, pero la diferencia no sólo reside en el tiempo y la experiencia personal de estos músicos de Australia, sino en la intención; el jazz ya no está en condiciones de ser defendido por nadie como arte, y la música clásica no se encuentra bajo el impulso renovador del modernismo de principios de siglo. Además, aquí no hay orquestas ni arreglos sinfónicos. Esto es música que se encuentra en la frontera entre ser simple y compleja, es música sincera y cautivadora para sentarse y pensar, o para salir y admirar la naturaleza, o para cerrar los ojos e imaginar el paso del tiempo, o lo que sea.
¡Que la disfruten!
Let the sun into my head
jueves, 2 de julio de 2009
Upsilon Acrux
La gran mayoría de la música popular interesante de nuestros días proviene directa o indirectamente de las aventuras (sí, tipo Dorita) de las distintas bandas de rock progresivo de los años setenta. Y me refiero a 'rock progresivo' en su denominación más amplia, incluyendo todos los 'movimientos' y todas las regiones donde se dio el interés por explorar las posibilidades de lo aparentemente simple (imagínense a un pinche hippie medio drogado que, con toda la seriedad del mundo, le pregunta a su bandmate: "¿qué pasa si a esta canción de rock le agregamos una sección intermedia en tiempo de 7/8 y después sustituimos los solos de guitarra por unas frases semi-barrocas de teclado mientras en el fondo ponemos el sonido de un violín procesado electrónicamente cuarenta y cinco veces de atrás para adelante y luego de regreso??"). Estilos tan diferentes como la IDM en electrónica y el post-rock en... el rock le deben su estatuto de arte y experimento a aquellos hippies que (casi) todo lo pudieron.
El math-rock no es la excepción. Este estilo caracterizado por el despliegue técnico ultra-desarrollado, lo cual se traduce en ritm
os bien pinches raros y estructuras de piezas por completo impredecibles, tomó las pautas de bandas como King Crimson y Rush, añadiéndoles la fuerza y la agresividad tal vez de Voivod y Black Flag para crear un sonido casi brutal y enérgico que conjunta lo corporal con lo cerebral. Claro, mientras que las bandas mencionadas buscaron siempre un balance (sí, hasta Voivod en Nothingface suenan bien calmaditos después de tanto pinche escándalo con Rrröööaaarrr y Dimension Hattross [aunque es bueno mencionar que Dimension Hattross es ya bastante proggy sin dejar de lado lo thrashy]), las bandas de math-rock intentaron trascenderlo con pura forma; si el progenitor es una primera aproximación de Kandinsky, el continuador es algo de Malevich que no sea monocromático, so to speak.
Para ponerlo en pocas palabras, lo que escuchamos en el math-rock es pura forma. Por lo tanto la emotividad tradicional de la música queda totalmente transformada - justo como con los Suprematistas en pintura, lo que escuchamos es una manera nueva de sentir, más profunda, más cercana a una fusión con el intelecto y en consecuencia, aunque sea en intención, holística. Aquellos que dicen que el math-rock carece de todo sentimiento están mal, pero no es algo reprochable, pues todos estamos acostumbrados a que la emotividad expresada en la música sea más bien de orden dramático; si bien los matemáticos tipo Milton Babbitt se dedicaron a exterminar por completo cualquier sentimiento en las altas épocas del modernismo, nunca se dejaron de lado las posibilidades 'expresionistas' tanto de la atonalidad como del serialismo. No pasó demasiado tiempo sin que se utilizaran para fines expresivos, como ocurre en la obra de Alfred Schnittke. En fin, el chiste es que la muy moderna exploración de la forma pop hecha por las bandas de math-rock no excluye en ningún momento la expresividad, y nuestra banda de hoy, Upsilon Acrux, es una muestra de ello entre muchas otras: podríamos hablar sobre Don Caballero y los roces metaleros de sus primeros discos, o de la fina sensibilidad folk/pop de Maps & Atlases, o la ultra-locura caricaturesca de Hella. Todo ello nos da a sentir algo que no es dramático ni nada por el estilo, sino que es más... no sé. Es distinto.
Anyway. Galapagos Momentum (2007) es el quinto disco de esta banda que ha cambiado ya varias veces de miembros y tipos de instrumentación. Para este disco son, al parecer, guitarra, bajo, un moog, y la batería. Cada uno entra en algún momento con particular locura para mostrarnos todo lo que el rock (y la música popular en general) carece: huevos. Para experimentar, para ser libres, para desafiar las normas, para volarnos la cabeza con tanta pinche desquiciadez. Esta música está más allá de mis habilidades para escribir, analizar, y todo, así que lo más que puedo hacer es seguirla, hacerme el loco e intentar. Es un devenir continuo, lo que cuenta que escuchemos aquí no es un resultado, sino un proceso en el cual los músicos nos llevan de la mano y nos dicen 'mira, seguro nunca te volverás a acordar de esta pequeña parte que tanto te gustó, al menos no para que la cantes mientras caminas por el campo... pero al mismo tiempo la recordarás por siempre en idea y sensación'. El impacto y el viaje son lo que cuenta. La descomposición sistemática y disciplinada (no hay nada random en este disco; todo lo contrario, se necesita ser muy bueno para hacer algo así sin que suene a pendejadas) borra los lindes de nuestra (eterna) preocupación: "¿esto es música?" Vaya que lo es. Literalmente no deja nada a su paso; es imposible recordarla, cantarla, disfrutarla sin tenerla puesta en este mismo momento. Sí, nos acordaremos de la sensación y de la idea ya después, y seguro pensaremos en lo adictivo que es eso de 'vivir el momento' así como de aplicarle el dedazo a lo que la tiranía de la melodía representa. Lo malo es que empiezo a sonar a manifiesto, pero a final de cuentas y a pesar de tooooodo el esfuerzo de la academia y de los progres, en general se sigue adorando a Madonna y los Black Eyed Peas y yo qué sé. Sí, Radiohead es sólo una gran pose. Teniendo esas melodías perfectas, PAS/CAL debería estar aterrorizando el mainstream con sus estructuras progre, y sin embargo, permanece en el underground y me temo que ahí se quedará.
Ahem... lo siento. Es sólo que Galapagos Momentum es el perfecto stream of consciousness. Es monumental y poderoso. Es la prueba de fuego contra la que todos los discos de math rock deben enfrentarse; después de escuchar este monstruo, es fácil detectar a los pretenciosos que creen que con cambiar el ritmo un par de veces y usar truquitos en la digitación de la guitarra ya están revolucionando la forma (cough cough Tera Melos). Los dejo para que lo escuchen, se hagan adictos, y luego ya nunca vuelvan a oír melodías sin que les den algo de hueva.
Evolve
El math-rock no es la excepción. Este estilo caracterizado por el despliegue técnico ultra-desarrollado, lo cual se traduce en ritm
os bien pinches raros y estructuras de piezas por completo impredecibles, tomó las pautas de bandas como King Crimson y Rush, añadiéndoles la fuerza y la agresividad tal vez de Voivod y Black Flag para crear un sonido casi brutal y enérgico que conjunta lo corporal con lo cerebral. Claro, mientras que las bandas mencionadas buscaron siempre un balance (sí, hasta Voivod en Nothingface suenan bien calmaditos después de tanto pinche escándalo con Rrröööaaarrr y Dimension Hattross [aunque es bueno mencionar que Dimension Hattross es ya bastante proggy sin dejar de lado lo thrashy]), las bandas de math-rock intentaron trascenderlo con pura forma; si el progenitor es una primera aproximación de Kandinsky, el continuador es algo de Malevich que no sea monocromático, so to speak.Para ponerlo en pocas palabras, lo que escuchamos en el math-rock es pura forma. Por lo tanto la emotividad tradicional de la música queda totalmente transformada - justo como con los Suprematistas en pintura, lo que escuchamos es una manera nueva de sentir, más profunda, más cercana a una fusión con el intelecto y en consecuencia, aunque sea en intención, holística. Aquellos que dicen que el math-rock carece de todo sentimiento están mal, pero no es algo reprochable, pues todos estamos acostumbrados a que la emotividad expresada en la música sea más bien de orden dramático; si bien los matemáticos tipo Milton Babbitt se dedicaron a exterminar por completo cualquier sentimiento en las altas épocas del modernismo, nunca se dejaron de lado las posibilidades 'expresionistas' tanto de la atonalidad como del serialismo. No pasó demasiado tiempo sin que se utilizaran para fines expresivos, como ocurre en la obra de Alfred Schnittke. En fin, el chiste es que la muy moderna exploración de la forma pop hecha por las bandas de math-rock no excluye en ningún momento la expresividad, y nuestra banda de hoy, Upsilon Acrux, es una muestra de ello entre muchas otras: podríamos hablar sobre Don Caballero y los roces metaleros de sus primeros discos, o de la fina sensibilidad folk/pop de Maps & Atlases, o la ultra-locura caricaturesca de Hella. Todo ello nos da a sentir algo que no es dramático ni nada por el estilo, sino que es más... no sé. Es distinto.
Anyway. Galapagos Momentum (2007) es el quinto disco de esta banda que ha cambiado ya varias veces de miembros y tipos de instrumentación. Para este disco son, al parecer, guitarra, bajo, un moog, y la batería. Cada uno entra en algún momento con particular locura para mostrarnos todo lo que el rock (y la música popular en general) carece: huevos. Para experimentar, para ser libres, para desafiar las normas, para volarnos la cabeza con tanta pinche desquiciadez. Esta música está más allá de mis habilidades para escribir, analizar, y todo, así que lo más que puedo hacer es seguirla, hacerme el loco e intentar. Es un devenir continuo, lo que cuenta que escuchemos aquí no es un resultado, sino un proceso en el cual los músicos nos llevan de la mano y nos dicen 'mira, seguro nunca te volverás a acordar de esta pequeña parte que tanto te gustó, al menos no para que la cantes mientras caminas por el campo... pero al mismo tiempo la recordarás por siempre en idea y sensación'. El impacto y el viaje son lo que cuenta. La descomposición sistemática y disciplinada (no hay nada random en este disco; todo lo contrario, se necesita ser muy bueno para hacer algo así sin que suene a pendejadas) borra los lindes de nuestra (eterna) preocupación: "¿esto es música?" Vaya que lo es. Literalmente no deja nada a su paso; es imposible recordarla, cantarla, disfrutarla sin tenerla puesta en este mismo momento. Sí, nos acordaremos de la sensación y de la idea ya después, y seguro pensaremos en lo adictivo que es eso de 'vivir el momento' así como de aplicarle el dedazo a lo que la tiranía de la melodía representa. Lo malo es que empiezo a sonar a manifiesto, pero a final de cuentas y a pesar de tooooodo el esfuerzo de la academia y de los progres, en general se sigue adorando a Madonna y los Black Eyed Peas y yo qué sé. Sí, Radiohead es sólo una gran pose. Teniendo esas melodías perfectas, PAS/CAL debería estar aterrorizando el mainstream con sus estructuras progre, y sin embargo, permanece en el underground y me temo que ahí se quedará.
Ahem... lo siento. Es sólo que Galapagos Momentum es el perfecto stream of consciousness. Es monumental y poderoso. Es la prueba de fuego contra la que todos los discos de math rock deben enfrentarse; después de escuchar este monstruo, es fácil detectar a los pretenciosos que creen que con cambiar el ritmo un par de veces y usar truquitos en la digitación de la guitarra ya están revolucionando la forma (cough cough Tera Melos). Los dejo para que lo escuchen, se hagan adictos, y luego ya nunca vuelvan a oír melodías sin que les den algo de hueva.
Evolve
lunes, 15 de junio de 2009
Converge - No Heroes
Converge es una banda salida de Salem, Massachusetts. Pueden encontrar su 'biografía' en la Wikipedia; por lo que a mí respecta, es una de mis bandas favoritas, no por su trayectoria entera sino por dos discos: Jane Doe y No Heroes. Tienen la costumbre de redefinir el metalcore con cada nuevo disco, y No Heroes no es la excepción. Su característica ira salida de la mejor mezcla del mundo (piensen Orchid + Slayer; aunque en este disco suena más a Orchid + Cult of Luna + thrash/sludge/black + pure fucking hatred) seguro pondrá a más de uno o una en modo de violencia - estos vatos dejaron atrás la teatralidad metalera y la simplicidad del hardcore en favor de un estilo altamente técnico (neta que en las primeras cuatro rolas de este disco hay más cambios de ritmo que en toda la discografía de Mars Volta) e intensamente agresivo. Dicen por ahí que en sus conciertos, por ejemplo, no ha sido raro el descalabrado por golpes del bajista, los aplastados por la furia de la multitud en movimiento, o el fan que sale volando del escenario arrojado por el vocalista. Hay en Converge un verdadero enojo que se trasluce en todas y cada una de sus canciones, un enojo inteligente y concentrado que se vuelve como una fuerza primaria, un elemento constitutivo del mundo. No Heroes es un himno al "uno mismo", es la obscuridad que purifica de las idealizaciones, es la destrucción de las limitaciones (la tranquilidad, la individualidad...); la furia es la última y la única verdad, y a través de ella nos atrevemos a matar a los héroes y volver a la naturaleza (la cual no nos quiere de regreso y es más maligna de lo que recordamos), retomamos el auténtico significado de sobrevivir y al fin vislumbramos la nada del universo.
Formalmente, No Heroes es una locura: secciones de riffs aplastantes al más puro estilo hardcore ceden el camino a todo tipo de experimentaciones y combinaciones que hacen lucir la maestría de los instrumentistas, mejorando los trabajos de quienes citan como influencias con creces y desde un ángulo siempre extremo, violento. En un punto llegan a hacer post-metal más "atmosférico" que Cult of Luna, sludge más pesado que Eyehategod o Electric Wizard, y mathcore más complicado que el de Dillinger Escape Plan. O sea, me encanta. Además, lo chingón de este disco es que hay un momento, "Grim Heart / Black Rose" en el que la furia da lugar a la tristeza y luego se combinan. Por tanto, no es una tristeza con la que querramos sentarnos en la esquina y llorar hasta dormir (o morir, que sería casi lo mismo desde cierto punto de vista más antiguo), sino salir al mundo llorando y perdernos en una montaña, odiando (realmente odiando) todo lo que no es la obscuridad y nuestra voluntad... hasta morir.
Por lo pronto, los dejo con este gran álbum. Espero que lo disfruten en toda su profundidad y su complejidad. Olviden la paz, la tranquilidad, los héroes. Sólo existe el dolor, el enojo, y la nada. Sólo existe nuestro cuerpo y nuestra voluntad. Al final, no necesitamos nada más.
Death as it should be
martes, 26 de mayo de 2009
Jamie Saft - Black Shabbis
Heavy metal judío. Digo, si existe el cristiano, por qué no. Pero, a diferencia de éste, el judío tiene toda una gran tradición musical detrás sobre la cual puede soportarse (digo, el cristiano también, pero no pasan de un par de notas de órgano y tal vez unos cantos semi-gregorianos). Otra diferencia es que, en realidad, no existe. Pero para eso está Jamie Saft; si Zorn, la Cracow Klezmer Band, et al se han encargado de definir una "radical jewish culture" a través del modernismo (uno que no se pone nervioso ante la idea de utilizar el sonido de las 'vanguardias populares'), el señor Saft, un tanto famoso por su colaboración con Merzbow en uno de sus Merzdubs, nos ha traído un disco en el que lo judío se define a través de la burla, la teatralidad y el drama - y ¿qué género tiene más posibilidades de dramatismo y teatralidad que el heavy metal (digo, aparte de la religión misma)? En los extremos de cada estilo musical hay una escena, pero creo que la más recurrentemente over-the-top es la del metal. Check it out:
Jamie Saft describe la maldad en términos de violencia intestina, física, caótica. Pero no se imaginen a un asesino, sino a los Looney Tunes, si la portada caricaturesca es un indicio. Es la vieja tradición ironizada al ritmo de un tipo de música que es tan autoconsciente que muchas veces se ha convertido en puro teatro, en una imagen típica de "corpse paint", cruces al revés, sangre, y picos, en una obra carente de guión pero además de improvisación. Además de que con el paso de los años todo permanece igual. Es, en corto, la imagen de los miedos de un grupo de personas, cristianas, acomodadas, yo qué sé, definida no por sí misma sino por ellos. Es decir, los tipos de Gorgoroth no son malignos y satanistas porque así lo crean realmente, sino porque así lo definen esos "otros" contra los que han reaccionado. Como reacción funcionaron y funcionan bastante bien, pero si nos metemos más con su música, pocas cosas de mérito son las que vamos a encontrar. Yo diría que Jamie Saft sabe esto muy bien, sobre todo considerando su historia de moderado éxito en el avant-garde (sí, eso lo convierte en alguien listo, haterz fuck off and go listen to Radiohead), la cual se nota en este disco con creces cuando hace piezas doom directito del infierno como "Kielce" y mete secciones de noise e improv en otras como "Serpent Seed". El caso es que ha creado una puesta en escena sobre otra puesta en escena que es la moralidad, al menos la religiosa, y específicamente la judía tradicional.
En el resultado hay hasta momentos políticos, como "Army Girl", en la que una voz al estilo de Mike Patton grita "army girl / you're driving me crazy" con un soporte de heavy (real fucking heavy) bluesy shit con el que te dan ganas de coger en maneras muy... básicas. Hahaha. Supongo que será referencia a la secuencia de imágenes en forma de propaganda que sacó el ejército israelí en su más reciente invasión a su lugar favorito, en la que se hacía gran gala de lo (¿?)buenas/bonitas/atléticas que eran las chicas militares. Muy objetivizante, muy "moderno occidental", muy pendejo como siempre. En fin, luego encontramos piezas como "Remember", que suenan a metal gótico con todo y vocales femeninas cantando sobre una de las superultramáximes de los judíos actuales e históricos. Ya cuando vemos títulos como "King of King of Kings", el chiste es más obvio. Sobre todo porque quién más va a ser el rey del rey de los reyes si no SATÁN, motherfuckers. Hell yeah.
Suena mucho a Slayer, tiene ritmos de música judía (las partes doom son como las meditaciones largas y solitarias de los rabís, en las que entran casi en trance), luego recuerda a Boris cuando hacían doom, y todo se mezcla perfectamente, tanto que ni cuenta te das de que todo es pura pendejada. Claro, es pura pendejada pero de las buenas, de las mejores, sobre todo porque si a alguien le cuesta trabajo eso de burlarse de sí mismos es a los judíos tradicionales u ortodoxos. Y burlarse chido, no en forma de película gringa. Y no sólo a los judíos, sino también a los metaleros. A veces son demasiado pinche serios. ¿Qué mejor manera de burlarse de ambos si no es combinándolos con gran destreza? Teniendo en cuenta que son algo así como polos opuestos, tradición y reacción, resulta un disco chingón, heavy as shit, y un paso más entre muchos que se han dado en esta "radical jewish culture" promovida por Zorn y su disquera Tzadik. No sé si sea viable otro salto más en este estilo sin que se convierta en algo "serio", como folk-jewish-metal o alguna mamada así sin sentido como el metal cristiano. Por lo pronto, me likey. HAIL SATAN.
Take me to the goat-headed man
Jamie Saft describe la maldad en términos de violencia intestina, física, caótica. Pero no se imaginen a un asesino, sino a los Looney Tunes, si la portada caricaturesca es un indicio. Es la vieja tradición ironizada al ritmo de un tipo de música que es tan autoconsciente que muchas veces se ha convertido en puro teatro, en una imagen típica de "corpse paint", cruces al revés, sangre, y picos, en una obra carente de guión pero además de improvisación. Además de que con el paso de los años todo permanece igual. Es, en corto, la imagen de los miedos de un grupo de personas, cristianas, acomodadas, yo qué sé, definida no por sí misma sino por ellos. Es decir, los tipos de Gorgoroth no son malignos y satanistas porque así lo crean realmente, sino porque así lo definen esos "otros" contra los que han reaccionado. Como reacción funcionaron y funcionan bastante bien, pero si nos metemos más con su música, pocas cosas de mérito son las que vamos a encontrar. Yo diría que Jamie Saft sabe esto muy bien, sobre todo considerando su historia de moderado éxito en el avant-garde (sí, eso lo convierte en alguien listo, haterz fuck off and go listen to Radiohead), la cual se nota en este disco con creces cuando hace piezas doom directito del infierno como "Kielce" y mete secciones de noise e improv en otras como "Serpent Seed". El caso es que ha creado una puesta en escena sobre otra puesta en escena que es la moralidad, al menos la religiosa, y específicamente la judía tradicional.
En el resultado hay hasta momentos políticos, como "Army Girl", en la que una voz al estilo de Mike Patton grita "army girl / you're driving me crazy" con un soporte de heavy (real fucking heavy) bluesy shit con el que te dan ganas de coger en maneras muy... básicas. Hahaha. Supongo que será referencia a la secuencia de imágenes en forma de propaganda que sacó el ejército israelí en su más reciente invasión a su lugar favorito, en la que se hacía gran gala de lo (¿?)buenas/bonitas/atléticas que eran las chicas militares. Muy objetivizante, muy "moderno occidental", muy pendejo como siempre. En fin, luego encontramos piezas como "Remember", que suenan a metal gótico con todo y vocales femeninas cantando sobre una de las superultramáximes de los judíos actuales e históricos. Ya cuando vemos títulos como "King of King of Kings", el chiste es más obvio. Sobre todo porque quién más va a ser el rey del rey de los reyes si no SATÁN, motherfuckers. Hell yeah.
Suena mucho a Slayer, tiene ritmos de música judía (las partes doom son como las meditaciones largas y solitarias de los rabís, en las que entran casi en trance), luego recuerda a Boris cuando hacían doom, y todo se mezcla perfectamente, tanto que ni cuenta te das de que todo es pura pendejada. Claro, es pura pendejada pero de las buenas, de las mejores, sobre todo porque si a alguien le cuesta trabajo eso de burlarse de sí mismos es a los judíos tradicionales u ortodoxos. Y burlarse chido, no en forma de película gringa. Y no sólo a los judíos, sino también a los metaleros. A veces son demasiado pinche serios. ¿Qué mejor manera de burlarse de ambos si no es combinándolos con gran destreza? Teniendo en cuenta que son algo así como polos opuestos, tradición y reacción, resulta un disco chingón, heavy as shit, y un paso más entre muchos que se han dado en esta "radical jewish culture" promovida por Zorn y su disquera Tzadik. No sé si sea viable otro salto más en este estilo sin que se convierta en algo "serio", como folk-jewish-metal o alguna mamada así sin sentido como el metal cristiano. Por lo pronto, me likey. HAIL SATAN.
Take me to the goat-headed man
miércoles, 20 de mayo de 2009
OPTVISION
Atsuhiro Ito construyó un instrumento que funciona, como todos, con base en el tacto, pero que "contesta"/reacciona no sólo con sonido sino también con luz, y que se llama OPTRON. Los sonidos que logra son únicos y además muy variados; a veces pueden ser penetrantes y rítmicos (te someten al bondage), a veces pueden ser abiertos y arrítmicos (estás en el Todo), pero siempre son poderosamente intensos. El show en vivo es increíble (lo vimos en el Radar del año pasado, junto con Yamatsuka Eye) porque se convierte en un gran carnaval de sensaciones en el que tus retinas se desorientan y tus oídos están en perma-vibration mientras le estás pegando al de al lado (tal vez no muy fuerte, o si te emocionas mucho y armas el slam, muy fuerte) y hueles la ropa, el sudor, o tal vez la pinche mariguana (que se están chingando al lado) de quienes te rodean. Sobreexcitado, te empuja a vivir ese momento como no has vivido nada ever, y entras al Zen. O puede que no, depende de cada quién, hahaha.
En todo caso, aquí está un corto video de presentación de un dvd que Atsuhiro ya publicó o está por publicar, no sé, pero está padre y capta algo de lo que se siente cuando lo ves moverse como un pinche loco con una espada láser de juguete con la que re-hace la música convencional para una audiencia que pretende "escuchar el futuro". Awesome shit, my friends. Wacha:
En todo caso, aquí está un corto video de presentación de un dvd que Atsuhiro ya publicó o está por publicar, no sé, pero está padre y capta algo de lo que se siente cuando lo ves moverse como un pinche loco con una espada láser de juguete con la que re-hace la música convencional para una audiencia que pretende "escuchar el futuro". Awesome shit, my friends. Wacha:
jueves, 9 de abril de 2009
Rock In Opposition
Vamos de la periferia hacia el centro: los 'distintos' primero y los 'principales' al último. No me refiero a esa cualidad en importancia ni nada así, sino más bien solamente de lo menos reconocido a lo más, del "alt" al "mainstream", por decirlo de una forma. Porque si bien el rock progresivo anglosajón tuvo un gran momento de gloria, hacia los años ochenta era un títere más del dinero de las disqueras; de despotricar como locos y poner al mundo del rock de cabeza, pasaron en ciertos casos a formular hitazos y singles de un pop en el que las tendencias a lo... chingón habían quedado en extremo reducidas (como Yes), y en otros a seguir haciendo lo mismo de siempre en circunstancias que ya los habían superado por completo (como Genesis). Por supuesto, la generalización es un tanto falsa, ya que grupos como King Crimson y Rush demuestran que el progre anglosajón siguió haciendo de las suyas durante un largo tiempo, pero a pesar de todo y su enorme influencia en bandas más actuales, el rock de este tipo era en realidad ya poco poderoso frente a la gigantesca oleada de estilos nuevos surgidos en los 80s.
Un momento que podría marcar el final de la gloria del rock progresivo es el principio de otra, igual de innovativa pero tal vez más violenta, la del festival de Rock In Opposition de 1978, en Londres. Los participantes, de cierta forma, llevaron las ideas del progresivo (progresibo) a sus últimas consecuencias; donde los grandes representantes como Jethro Tull y Yes involucionaron a cosas bastante terribles, estos desconocidos rechazados continuaron y alcanzaron con más fuerza el ideal de hacer del rock una especie de música "culta", ponerlo al tú por tú con el high art y decir "tú y yo somos iguales" en un entorno relativamente más contemporáneo que las excursiones de Gentle Giant al mundo de la polifonía medieval. Alguna vez leí alguna cosa que decía "la música de Univers Zéro es lo que hubiera hecho Béla Bartók si hubiera nacido 50 años después", or something like that. Si bien el krautrock estaba dirigido hacia el avant-garde alemán, muy tecnológico y empíricamente experimental (valga la redundancia), el RIO estaba informado por el modernismo desde Schoenberg en adelante - no más "Cans and Brahms" y covers de "Cuadros de una exposición". Aquí pura locura expresionista, aleatoria, folclorista, atonal, y en ocasiones dadaísta.
¿Cuál es la diferencia, entonces, con el progresivo? En términos prácticos, ninguna. Pero donde el progresivo se desvió del camino a causa de presiones por parte de la industria, el festival RIO siguó de frente sosteniendo ideales similares. El resultado es música en general difícil aunque a veces bastante accesible y divertida, modernista, complicada, y llena de detalles muy chidos de explorar.
Para este punto, se preguntarán entonces a qué chingados viene el "In Opposition". Es muy simple: la banda inglesa Henry Cow (entre cuyos miembros estaban Fred Frith y Chris Cutler, famosos luego por sí solos), después de unos pocos años de haberse formado y tocar juntos, no podían encontrar ninguna disquera que les quisiera publicar su trabajo. En una rabieta muy provechosa, decidieron formar este 'frente' nuevo bajo la frase "The music the record companies don't want you to hear."; o sea, música rara y tal vez no apta para todo mundo. Si al progresivo le había costado trabajo establecerse, con todo y sus fuertes declaraciones melódicas y "accesibles", imagínense a estos cuates que hacían música todavía más complicada sin miedo alguno al rechazo. Este nuevo Salón de los Rechazados se inauguró con una exposición brillante que tuvo como protagonistas a cinco futuros gigantes provenientes de diversos lugares de Europa: Univers Zéro, de Bélgica, Etron Fou Leloublan, de Francia, Henry Cow, de Inglaterra, Stormy Six, de Italia, y Sammla Mammas Manna, de Suecia. Los defensores del progresivo anglosajón, a principios de la década tan animados y arrogantes como para bautizar derogativamente al progresivo alemán, no pudieron decir palabra ante el "internacionalismo" del RIO y su surgimiento preciso en los inicios de la precipitada decadencia del género. O peor aún, ya habían cambiado de bando y se inclinaban al punk y al heavy metal, los grandes némesis (pero más el primero) del progresivo.
El festival RIO continúa cada año hasta nuestros días, y numerosos grupos se han adjudicado o unido a la tradición establecida en 1978, una tradición bastante efectiva, pues hasta la fecha ninguna de esas bandas ha pasado al mainstream o al consciente colectivo de la misma forma que las más icónicas del progresivo anglosajón. De cierta manera, siguen estando en oposición, y tal vez sigue siendo justo el slogan fundacional, aunque es probable que con la caída final de las disqueras pasen a formar parte del nuevo mundo como iguales ante la siguiente Hannah Montana, las bandas de metal vikingo, y qué sé yo. Ya veremos. En todo caso, es importante mencionar que el festival, después de un éxito moderado que le otorgó reconocimiento en varias partes del mundo, se convirtió en una especie de organización dedicada a la promoción y publicación del trabajo de estos artistas. Hacia finales de 1978 las cinco bandas se reunieron para decidir qué hacer en el futuro, y parte de los planes fue abrir el RIO a nuevos participantes bajo tres principios directores: que la nueva banda en cuestión fuera técnicamente proficiente y se apegara a la "excelencia musical" (característica evaluada por el colectivo, claro, haha); que trabajara fuera de la industria; y finalmente que tuvieran un "compromiso social con el Rock" (así, con mayúscula). Los únicos nuevos integrantes hacia 1979 fueron Art Zoyd, de Francia, Aksak Maboul, de Bélgica, y Art Bears, de Inglaterra. En realidad Art Bears es Henry Cow reformado y reformulado, por lo que a veces pienso que no cuenta, pero no importa.
Al final, creo que el RIO es la única corriente de la familia progresiva que le sigue siendo fiel a los principios establecidos por los críticos de los 70s a raíz de King Crimson y compañía, que, aunque no sea un género como su madre/padre ni una coyuntura como el kraut, ciertamente es un ideal que hace concretos todos los objetivos de los modernistas populares en música, desde Ornette Coleman hasta The Velvet Underground, ayudado de toda la magnificencia del rock progresivo.
Pero bueno, pasemos a lo importante: ¡discos y más discos!
Primero, las originales. (Nota importante, la password de decompresión de los archivos a partir del de Univers Zéro hasta Samla Mammas Manna es hiskilla.blogspot.com)
Henry Cow - Western Culture (1979) [No es el primer disco de ellos, por supuesto, pero es sin duda el mejor ejemplo de su trabajo en torno a la idea de combinar composiciones modernas con tintes de jazz en forma de canciones de rock. Empujaban sus instrumentos al límite, como todos los modernistas, y a veces es necesario olvidarse de los roles de cada uno en una banda para apreciar a qué lugares pueden llegar. Este disco es fuckin' heavy y grandioso en formas en las que ningún grupo de progresivo pudo alcanzar, tal vez porque se interesaban demasiado en el público. No sé, dénle un rol y a ver qué piensan.]
Univers Zéro - Heresie (1979) [El segundo disco de esta gran banda belga; hallamos aquí expresionismo puro, obscuro, delirante y atemorizante. Es como una amenaza desde las profundidades de algún pinche lugar bien lúgubre, con tensiones constantes basadas en atonalidad y pasajes que parecerían sacados de una ópera perdida de Alban Berg. Si bajan un disco de este post, que sea éste, manos. You're gonna shit your pants. Lo padre es también su uso de electrónica en maneras que preceden directamente a la escena gótica y doom, así como las voces monstruosas que después serían usadas en el heavy metal.]
Etron Fou Leloublan - Les Poumons Gonflés (1982) [Unos de nuestros semi-dadaístas. Aquí la voz sí tiene un papel más típico, aunque la música en sí es como un carnaval, y como tal, es un portal hacia lo inusual, lo extraño, lo atípico, lo circunstancialmente único que rompe las reglas del juego. El juego de la vida, hahahaha. Parte de la instrumentación es un saxofón que se encarga de hacer muy sexy el asunto de lo atonal y los ritmos complejos. Parece que las letras son puras pendejadas de las buenas, aunque como están en franchute pues todavía no me meto mucho con ellas. De todas maneras el cantante le tira a lo punk y a veces gruñe como Tom Waits si fuera gay/francés. Burlas, juegos, diversión extrema y excelente música. ¿Qué más podría pedir?]
Stormy Six - Cliché (1976) + Pinoccio Bazaar. Parte 1 y Parte 2 [¡Nuestros invitados italianos! Combinando el folklor italiano con composición moderna, estos vatos tienden un puente muy distinto al hecho por Genesis o Gentle Giant, pues, como muchos de los modernistas, se dedican a crear folklor nuevo. Es decir, no citan ni aluden, sino recrean y recontextualizan usando instrumentos nuevos, técnicas nuevas, y demás. Es uno de los lados más o menos amables del RIO, y algunas personas incluso afirman que de las cinco bandas originales es la menos confrontacional. Tal vez, aunque no lo creo, precisamente por sus ligas con el modernismo en cuanto al folklor, y además porque nadie estaba haciendo lo que ellos estaban haciendo. Sus contemporáneos compatriotas en el rock progresivo eran dados a cosas más parecidas a Genesis que otra cosa... hmm... tal vez podamos ver el progre italiano en algún momento.]
Sammla Mammas Manna - Måltid (1973). Parte 1 y Parte 2. [Suecia al rescate, mah niggaz. Les puse este disco que precede significativamente al festival de RIO por la simple razón de que me encanta; tiene mucho todavía de progresivo anglosajón, aunque ya se nota la tendencia a la deconstrucción en varias de las rolas. Insertaron sus influencias folklóricas sin pedo alguno (aunque sin crearlo), pero algo que los hace muy RIO es su exploración de las posibilidades de sonido de una banda: de repente cantan como loquitos en tono de burla (me recuerda a Zappa), de repente truenan los dientes con la lengua, de repente le suben a todo lo que da al teclado de tal forma que parece que se va a reventar la nota por el pinche feedback... cosas por el estilo que no se hallan en las demás bandas de progresiBo, o en el kraut, pa'l caso. Y hablando de kraut, se ve que estos señoritos escucharon bastante, porque ya desde aquí se nota una inclinación al jam y al debraye psicodélico. Una gran banda, sin duda.]
Y ahora unas cuantas muestras de música que posteriormente se alinearía con el concepto de Rock In Opposition:
Art Zoyd - Les Espaces Inquiets (1983). [Stravinsky antes de que se hiciera neoclásico, tape loops, diseños minimalistas de órgano, soundtracks de películas póstumos (hicieron uno para Metropolis, y luego una para Nosferatu), música de cámara para guitarra eléctrica, bajo, piano, trompetas, violín pasado por filtros eléctricos... en pocas palabras, grandilocuentes exposiciones de música contemporánea hechas "rock". 'Nuff said.]
Thinking Plague - In Extremis (1998) [Música compleja y depresiva, sólo que, siendo ya de 1998, tiene algo de math rock y ambient, pero conserva los elementos atonales y rítmicos del RIO más modernista. Además, con una vocalista femenina las cosas se ponen muy interesantes. This shit is heavy, man, heavily awesome. El principio del disco, "Dead Silence", es para mí algo así como un clásico de estas madres, so go get it!]
Guapo - Elixirs (2008) [Este disco es grande como una tortuga australiana. Alimentado de bandas como la legendaria Magma (estoy ya cansado como para seguir con Magma, pero se las recomiendo muchísimo, eran como los niños raritos de la escena del rock progresivo, salidos de Francia y haciendo lo que el RIO haría años más tarde, nadie los quería, y no fue sino hasta los 80s que encontraron un lugar para sus bizarradas (Chris Vander, genio detrás de la banda, inventó un pinche lenguaje completo llamado Kobaian para usar en su música... lenguaje que luego la también legendaria Ruins, del New Japan, usaría) se alinearon con dicho festival), esta banda hace música obscura para meditar sobre el mundo y verlo de manera mística, abrazando el misterio del universo a través de literales rayones de violín y motivos atonal y exóticamente modernistas. Es como si hubieran puesto a Lou Harrison a escribirles sus rolas, o algo así bien chingón y proto-hippie. Y, a diferencia del resto del RIO, suenan a algo más nuevo al mismo tiempo que siguen sonando a cosas viejas. Es, en corto, AWESOME.]
Pues bueno. Después de otro post super épico, no hay mucho más qué decir... empezando porque estoy cansado y shit, hahaha. Ya que he convertido esto en una serie, planeo hacer dos revisiones generales más y dejar esto de los géneros-coyunturas-ideas de lado y regresar al viejo formato del disquito o las mamadas que se me ocurren en el baño y que es necesario debrayar. El siguiente voy a terminar con esto de los "outsiders" al progre anglosajón, revisando un poco del italiano, algo del mexicano, y les voy a investigar a ver qué estaba pasando en oriente al mismo tiempo. Hecho eso, finalizaré revisando el anglosajón itself, aunque creo que después de los detalles dados aquí y en el otro post más lo que ustedes ya conocían supongo que podré dejar el post cortito y ponerles discos para más fun times. Espero que les esté gustando y que estén disfrutando esta música tanto como yo. Olviden los 60s, los 70s rockearon como nada en este mundo y hoy seguimos viendo sus consecuencias e influencias por todos lados. Hay mucho qué sacarle, and I love it.
Ah, y algo importante: esta música se presta para que la gente pretenciosa como yo diga muchas pendejadas. No caigan en la trampa; sí, es música difícil, pero allá afuera hay cosas todavía más complejas, y no porque sean complejas son buenas o nos hacen más inteligentes o whatever. Mozart es relativamente simple y ese sí está demostrado que te mejora el IQ durante no sé cuántos minutos. Creo que no podemos decir lo mismo de, no sé, Luigi Nono. Así que si alguien le sube de huevos con su musiquita, díganle eso, y afirmen con seguirdad que los Backstreet Boys van a ser más recordados que Art Bears. Hail Satan.
sábado, 4 de abril de 2009
Kurt Cobain 1967-1994
Lo que me impulsa a escribir estas breves líneas es la muerte del amigo Kurt Cobain. No me interesa para nada meterme en la parafernalia de si lo mato su novia o se termino por suicidar (que la segunda opción me parece más lógica) por arma de fuego. También habrá los colegas que en cuanto vean este post digan lo siguiente: “eso ya está bien repetido, lo de hoy es la música fresa y las armas de destrucción masiva”, “no mamen, ya déjenlo morir”, “otro pinche post del güero ese” o “lo mejor es decir que eso es una pendejada para luego pararme el culo con alguna mierda sacada del culo”. Si alguien no le parece lo que escribo nos podemos citar en el castillo de Chapultepec y rompernos gustosamente la madre, ¿no?
Lo que en realidad me emociona mucho es el hecho de recordar cómo funciono mi vida cerca de eso llamado Nirvana, en aquellas épocas de gloria, en donde me encerraba en mi cuarto para estar triste y que nadie lo supiera, pero al mismo tiempo escuchar algo con lo cual me identificaba profundamente, entre otras cosas. En algún sentido creo en la música como un elemento en donde terminas refugiándote por diversos motivos; es un ámbito en el cual te puedes ver reflejado y por tal situación, regresas continuamente. Es simplemente un lugar donde te sientas (como en la primaria) para comerte tu “lunch”, es a donde vas para cuando requieres pensar, reflexionar o ponerte a llorar... Es es donde habitas.
Recuerdo la ocasión cuando rompí unos pantalones (siguiendo a los mensos de Nirvana) de mezclilla, de color azul y en buen estado, todo para que no me quedaran bien los cortes y ya no los pudiera utilizar ni para ropa de espantapájaros; los cortes fueron muy grandes y simplemente podía meter el pie por cualquier agujero, entonces quedaron muy ridículos. Por algún tiempo los escondí (los pantalones) para que nadie se diera cuenta de la hazaña y no sufrir la represión. Y cómo olvidar el póster de más de un metro de grande de Kurt Cobain (ya está en la basura) y que adorno por años las complejas paredes de mi cuarto.
Recuerdo muy claramente que hace algunos años, me sentía muy triste y no me daba cuenta muy bien de los motivos; fue muy tenue al principio y después se agudizo: al grado en que casi todos los días de la semana me sentía anímicamente muy fatalista, sin ganas de hacer nada, creía verdaderamente que nada valía la pena y ese tipo de cosas que no me gusta recordar, sólo para saber que nunca quiero regresar a esos pasos. La cuestión es que como a nadie se lo platicaba, pues necesitaba un medio de escape, siendo el primero ponerme a escribir unos poemitas y el segundo escuchando música, aquella con la que me sentía identificado, con la que digamos que podía contar. Muchas de las letras de Nirvana y su rebeldía en el escenario terminaron por ganarme, y no precisamente como fan, en realidad aún hoy no me considero fan, sino que me adoptaron como algo más que eso. Finalmente son una especie de inspiración y de desahogo: en cuanto escuchaba sus canciones yo sabia que eran destructivas, tristes y dolorosas, que me permitían explorar esas formas y sacar lo malo de mí para luego estar más tranquilo. Fue una forma de estar despierto escuchando y después quedar dormido cerca del sonido, como si algo te durmiera ligeramente el cuerpo y alejara por algunos momentos el dolor. Cuando miro atrás y busco en Nirvana elementos de mí persona, los encuentro y me da gusto saber que están ahí, que se quedaron justo en ese lugar plasmados, son una forma de memoria, una manera de recordarme a mí mismo. Son un pedazo de una etapa de mi vida; una de las más difíciles, en donde cometí muchas tonterías y estuve cerca de caerme para seguramente no levantarme nunca más. Gracias por esas tardes de brincos y rebeldía Kurt, donde quiera que te encuentres, maestro.
lunes, 30 de marzo de 2009
Torturing Nurse
Me puse a leer una novela gráfica llamada Necronomicon (Cthulhu ftaghn y todas esas cosas) con este disco de "fondo". Santo bondage batman, me estaba cagando del malviaje en conjunto. Nunca llegó a ser un malviaje del tipo "mala onda", pero digamos que me encontraba justo en la frontera. Este ruido es de los más violentos, salvajes y angustiantes ever. Olvídense de los experimentos más cerebrales de los chicos y chicas noise de la escena estadounidense y el New Japan; esta shit es como Merzbow al cuadrado antes de que se volviera un maricón del ambient. Les advierto, "al cuadrado" no es hipérbole. Cuidado con sus bocinas, cuidado con sus oídos, cuidado c
on el pinche WAH WAH PEDAL HACIENDO MAMADAS en lA SeGuNdAA rOOla.
Una hora. Cuando acabe, van a empezar a apreciar no sólo los gratos chirridos de la computadora, el perro, la calle, las uñas sobre el pizarrón, el feedback de un micrófono... sino también sus vidas, ca'. Esto es el cielo, el inframundo, el pinche tao, no sé, pero no es un lugar agradable y está encabronado, sumamente encabronado. Busquen fotos de esta banda de china, tienen un performance bastante extremo que se basa en las relaciones de poder y todo lo (¿lo único?) que de ellas deviene: dolor. El noise en general es liberador, pero en este caso, es el acto de esclavización pura; sadomasoquismo (me soplé todo el disco con gusto) y terror se presentan como lo único existente, lo único presente, y, oh dios, es sobrepresente, sobreexistente, if you will. ¿Y no es el título del disco, Fade Away But Not Ending, una perfecta descripción del dolor? Cuando nos duele algo físicamente no tenemos claro un momento de inicio y de fin, sino que todo es un gran continuo en el que sólo existe una gradual disminución del síntoma, y lo más interesante es que estamos conscientes de que en cualquier momento puede volver. En otras palabras, el dolor nunca finaliza. Siempre está ahí, y es sólo cuestión de despertarlo. Ocurre lo mismo con el de orden sentimental. Por tanto, un disco así resulta más que sugerente. Una vez más, dejaré el choro corto para que se imaginen lo que tengan que imaginarse.
Por supuesto, no me arrepiento de haber echado a andar este álbum, pero cómo tengo miedo de ponerlo una vez más. Esta música es peligrosa, amigos. No la escuchen si no andan bien balanceados de la cabeza. Es neta.
Tráeme el dolor
pd. los gritos al final de la segunda rola, pieza, whatever the fuck, son reales. demasiado reales. Dice el dicho que la verdad (¿la realidad?) duele...
on el pinche WAH WAH PEDAL HACIENDO MAMADAS en lA SeGuNdAA rOOla.Una hora. Cuando acabe, van a empezar a apreciar no sólo los gratos chirridos de la computadora, el perro, la calle, las uñas sobre el pizarrón, el feedback de un micrófono... sino también sus vidas, ca'. Esto es el cielo, el inframundo, el pinche tao, no sé, pero no es un lugar agradable y está encabronado, sumamente encabronado. Busquen fotos de esta banda de china, tienen un performance bastante extremo que se basa en las relaciones de poder y todo lo (¿lo único?) que de ellas deviene: dolor. El noise en general es liberador, pero en este caso, es el acto de esclavización pura; sadomasoquismo (me soplé todo el disco con gusto) y terror se presentan como lo único existente, lo único presente, y, oh dios, es sobrepresente, sobreexistente, if you will. ¿Y no es el título del disco, Fade Away But Not Ending, una perfecta descripción del dolor? Cuando nos duele algo físicamente no tenemos claro un momento de inicio y de fin, sino que todo es un gran continuo en el que sólo existe una gradual disminución del síntoma, y lo más interesante es que estamos conscientes de que en cualquier momento puede volver. En otras palabras, el dolor nunca finaliza. Siempre está ahí, y es sólo cuestión de despertarlo. Ocurre lo mismo con el de orden sentimental. Por tanto, un disco así resulta más que sugerente. Una vez más, dejaré el choro corto para que se imaginen lo que tengan que imaginarse.
Por supuesto, no me arrepiento de haber echado a andar este álbum, pero cómo tengo miedo de ponerlo una vez más. Esta música es peligrosa, amigos. No la escuchen si no andan bien balanceados de la cabeza. Es neta.
Tráeme el dolor
pd. los gritos al final de la segunda rola, pieza, whatever the fuck, son reales. demasiado reales. Dice el dicho que la verdad (¿la realidad?) duele...
lunes, 23 de marzo de 2009
(Falsas)Reseñas de Radar
Benditas sean las tarjetas de crédito y las mensualidades sin intereses. Así es, lectores de este espacio, gracias al plástico de False Bread –porque mi pinche Visa no era aceptada- pudimos comprar varios boletos para la edición de Radar de este año.
En nuestro caso comenzó (la ida a los conciertos, la espera ya estaba añeja) con Jazkamer y Sunn O))); luego fuimos a Las Percusiones de Estrasburgo –aunque para eso no necesitamos boleto-; seguimos con Anderson, Bennink, Cohen y Ribot; proseguimos con Gavin Bryars; y, con una mezcla de sentimientos encontrados (aunque el mayor determinante era el deseo de que, por alguna extraña bonhomía del Universo o de gente como nosotros, el festival durara todo el año), finalizamos (hasta el día de hoy) con el concierto del sábado de Keiji Haino y Mike Patton + Zu.
De una manera u otra todavía siento que las impresiones están muy frescas y no me animo a dar una semblanza o reseña lo suficientemente objetiva respecto de lo que escuché, observé y aprehendí en el proceso. Lo más atinado es dejar marinar estas mierdas epistemológicas un poco más para poder enunciar algo un poco menos vago que el “No mamen, estuvo de huevos”. Porque sí señoritos… de eso pueden estar seguros, los conciertos estuvieron de huevos: cada una de las experiencias de esta pasada edición nos dejó un sabor de boca muy agradable –me estoy tomando la libertad del plural puesto que fue un parecer manifiesto entre nosotros: False Bread y yo, Tony Wak-. Cada concierto por sus propios méritos y demás [...].
En nuestro caso comenzó (la ida a los conciertos, la espera ya estaba añeja) con Jazkamer y Sunn O))); luego fuimos a Las Percusiones de Estrasburgo –aunque para eso no necesitamos boleto-; seguimos con Anderson, Bennink, Cohen y Ribot; proseguimos con Gavin Bryars; y, con una mezcla de sentimientos encontrados (aunque el mayor determinante era el deseo de que, por alguna extraña bonhomía del Universo o de gente como nosotros, el festival durara todo el año), finalizamos (hasta el día de hoy) con el concierto del sábado de Keiji Haino y Mike Patton + Zu.
De una manera u otra todavía siento que las impresiones están muy frescas y no me animo a dar una semblanza o reseña lo suficientemente objetiva respecto de lo que escuché, observé y aprehendí en el proceso. Lo más atinado es dejar marinar estas mierdas epistemológicas un poco más para poder enunciar algo un poco menos vago que el “No mamen, estuvo de huevos”. Porque sí señoritos… de eso pueden estar seguros, los conciertos estuvieron de huevos: cada una de las experiencias de esta pasada edición nos dejó un sabor de boca muy agradable –me estoy tomando la libertad del plural puesto que fue un parecer manifiesto entre nosotros: False Bread y yo, Tony Wak-. Cada concierto por sus propios méritos y demás [...].
Sería absurdo proponer que sólo “estuvieron de huevos” per se y nomás (aunque si quisiéramos no tendríamos empacho en hacerlo, nosotros no necesitamos de permisos). Podemos ser simplistas, de eso no cabe la menor duda. Podemos justificarnos de cualquier manera cuando no queremos ahondar en porqué es que tal o cual cosa nos pareció un evento a toda madre o fue algo que nos cagó la madre –sé que pueden diferenciar los diversos empleos paradigmáticos-.
Por mi parte puedo decir que hablaré en su debido momento de los pedazos de logos que, tras haber marinado, digerido, destilado y demás todo lo captado en los últimos días, surgieron a raíz de mi reflexión.
Por mi parte puedo decir que hablaré en su debido momento de los pedazos de logos que, tras haber marinado, digerido, destilado y demás todo lo captado en los últimos días, surgieron a raíz de mi reflexión.
Mientras tanto aludiré a mi lado simplista –y al que no le guste ya sabe lo que puede hacer con su parecer- para decirles: “Estuvo de WEBOS”.
martes, 3 de marzo de 2009
Krautrock
El "Krautrock" es, más que un estilo, una coyuntura muy especial a finales de la década de 1960 y principios de la siguiente. Alemania estaba levantándose todavía de las ruinas y las polarizaciones políticas dejadas por lo que ya todos conocemos y demás. Lo que en gringolandia se vivió como una liberación exteriorizada en todo tipo de medios y artes, en germania fue algo mucho más sutil, introvertido, por así decirlo, pero al mismo tiempo mucho más radical. Intentaré aclarar tales vaguedades: mientras que en América la cultura popular se teñía de "rebelión" a través de ataques al pop anterior (tanto en letras como en forma; pensemos en cantantes y bandas como Van Morrison y Jimi Hendrix) y cruces muy específicos con los remanentes de la alta cultura (como Sgt. Pepper de los Beatles), en germania se teñía de "revolución"; se borran tales diferencias entre 'culturas' en buena medida gracias a la presencia de los más agresivos vanguardistas de mediados de siglo como Stockhausen, Xenakis, y Boulez en todo tipo de presentaciones y festivales celebrados en distintas partes del país, a los cuales acudían no sólo los compositeurs sino también los curiosos. Tal parece que en Alemania, dada la situación de desconcierto económico y político, lo único certero residía en las expresiones culturales, las cuales debían formular la creación de algo nuevo (cultura, sociedad, política...).
El resultado en el buen y viejo Rock fue lo que los ingleses llamaron peyorativamente "Krautrock". Mientras el mundo anglosajón tenía a sus grandilocuentes Yeses y King Crimsons, haciendo gala de su sapiencia musical y flexionando sus músculos técnicos con gestos que tenían que evocar a héroes canónicos como Brahms y Dvorak hasta al muy contemporáneo monumento de Miles Davis, Alemania tenía en sus manos un bonche de bandas muy cercanas al avant-garde que buscaba no tanto una ruptura (bastante intelectual) con su propio pasado, sino, muy en el espíritu constructivista de la Bauhaus, una construcción casi manual del futuro y de la realidad. En términos más simples, fuck history, look forward and build yourself anew. Para los ingleses, esta nueva música salida del país de Wagner representaba una load of bollocks por su complejidad modernista - ellos intentaban equiparar al rock con el gran arte, y los debrayes de Stockhausen acerca de la compresión electrónica de la voz definitivamente no eran parte de eso. En fin, esto es sólo una vía de interpretación para esta ola de bandas que hacen música muy improvisada (arte = vida), larga (contenido = forma), y novedosa (moderna).
Prefiero dejar esto corto, así que como punto final de esta parca introducción me gustaría decir que el mundo no-Alemán todavía se tardó casi diez años más en producir algo de la misma calidad y altura: el festival de Rock In Opposition de 1978. No es que Yes o King Crimson fueran malos, pero ni muchísimo menos, sólo es que no fueron tan destructivamente avant-garde como lo fue el Krautrock o el Rock In Opposition. Por supuesto, para los 80s todo había cambiado y las tablas se habían volteado; el rock progresivo había caído en desgracia y los únicos que seguían contando con una considerable producción decente fueron los grupos que se habían aventurado de lleno al mundo de la electrónica, como Kraftwerk (quienes vienen a México con Radiohead... no me pregunten por qué) y Neu! Las bandas del RIO constituyen otra historia, la cual tal vez sea motivo de otro post.
(Para ir a las páginas de descarga copien el vínculo y péguenlo en su barra buscadora)
Amon Düül II:
1971 - Tanz Der Lemminge (Dance Of The Lemmings)
http://rapidshare.com/files/103031881/AD06.rar
pw para descomprimirlo: purgatory
[Locura llena de improvisación y utilización de ciertos instrumentos para fines que no son precisamente característicos de sí mismos (en este disco creo que no, pero en Phallus Dei, esta banda usa un violín como si fuera una guitarra y el resultado es sheer awesomeness), algo así como post-rock a la inversa.]
Kraftwerk:
Ralf und Florian 1972
http://www.megaupload.com/?d=A6BVX02V
[Supongo que ya los conocerán, los p(m)adres de la electrónica como la escuchamos hoy en día. Un disco mucho más famoso y que define esto es The Man Machine, pero no interesa para este post.]
Can:
Tago Mago 1971
http://www.mediafire.com/?5wp4f0juo62 parte 1
http://www.mediafire.com/?5do0ehumywu parte 2
[Pongámoslo como la respuesta más cercana al rock progresivo por parte de la escena alemana; improvisados guitarrazos, líneas de bajo pesadas y chingonas, una batería loca y complicada, todo con un tono experimental que se ve en la ausencia de una estructura lineal aunada a ataques electrónicos masivamente expansivos (tipo Xenakis) o perfectamente bien acoplados con los instrumentos, sonando a algo hecho ayer 2005,2006,2009... Si hay una banda por completo adelantada a su tiempo, era esta, y con este disco. No es casual que tres de sus miembros hayan estudiado con Stockhausen pocos años antes de crearlo, y se nota en todo momento (busquen los violinazos!).]
Popol Vuh:
Letzte Tage 1976
http://rapidshare.com/files/102128655/PV1976LTLN.rar
[Psicodelia de la más pura y desinhibida; no hay ideas, sino La Idea, el Universo, and awesome shit like that. Si querían soñar, sólo pongan este disco en el fondo. Una de las grandes bandas de este tiempo, y desafortunadamente una de las tantas que hacia los 80s ya sólo eran un pálido recuerdo de antiguas glorias.]
Ash Ra Tempel:
Homónimo 1971
http://rapidshare.com/files/156474352/Ash_Ra_Tempel_-_Ash_Ra_Tempel__1971_.rar
[El stoner rock siempre tendrá sus ojos puestos en la Flower Travellin' Band, tal vez Blue Cheer, Black Sabbath, qué se yo. Pero el Gran Debraye Psicodélico original está aquí, con Ash Ra Tempel. Bandas como Pharaoh Overlord y hasta Earthless le deben una gran parte de su sonido a este disco, entre otros. No por nada Color Haze grabó un disco llamado "Tempel". Behold.]
Tangerine Dream:
Phaedra 1974
http://rapidshare.com/files/46244626/1974__Phaedra.rar
[Electro-rock de vanguardia que mezcla una base casi free-jazzera con todos los conceptos y trucos del modernismo alemán, como la compresión de audio, los loops, y las ideas sobre el sonido electrónico como determinante de tono, ritmo, etc. sin ayuda de un tono, un ritmo, o etc. como tal]
Achim Reichel & Machines:
Die Grune Reise 1971
http://rapidshare.com/files/5113983/green_journey.rar
[Un vato de last.fm lo puso en mejores palabras que nadie forever and ever: "Fuck Pink Floyd. After they kicked out Syd Barrett, David Gilmour must have been masturbating to this record constantly. There's a lot of guitar looping, echoes and delay, electronic noodling and effects-driven arrangements. It's kind of amazing that Achim Reichel isn't more well-known considering this sound." No hay más que decir.]
Alcatraz- Vampire State Building 1971
http://rapidshare.com/files/5821892/alcatrazvampire.zip
[No lo he escuchado, pero según parece es también un disco esencial en cualquier colección de Krautrock. Bájenlo también y luego podemos discutirlo juntos. ]
Kluster:
Klopfzeichen 1970
http://sharebee.com/f9ae83d5
[El "ambient" original, que no es ambient a la Brian Eno, sino que demanda tu atención y te dice "oye tú, scheisse-man! trágate la obscuridad del mundo moderno! tú lo hiciste, después de todo..." Lo negro del paisaje en este disco es la realidad misma, y podemos notar mucho de la escuela de electrónica alemana de este tiempo.]
German Oak:
German Oak 1972
http://www.mediafire.com/?gwrzygmjkyw
[Mi contribución a la blogósfera; parece que no hay dónde encontrar este disco por ahí. Con el tema de la Segunda Guerra Mundial y grabado en un búnker durante el verano de 1972, este disco reclama una actitud decididamente política mostrada a través de la improvisación y un ambiente muy, pero muy Heavy. Ya verán a qué me refiero con esto último, pues el sonido de las guitarras como tal tiene poco de heavy metal, pero holy shit, cómo lo evoca.]
Bien, pues eso es todo por hoy. Disfruten del mundo del Krautrock y olvídense de lo que les enseñan en la escuela sobre el rock progresivo. No por nada algunos dicen que el Kraut es el auténtico rock nerd. Y eso que ellos nunca cantaron sobre alienígenas, elfos, y dragones., como... bueno, como muchos. Más bien tal aseveración indica no sólo el nivel de popularidad (casi nula)si nos vamos más allá de Kraftwerk) de la coyuntura, sino también su marcada cerebralidad, o como chingados quieran llamarle. Si el rock progresivo americano - anglosajón veía hacia atrás (Gentle Giant y sus medievalismos no dejan de ser cagados hoy en día), el alemán no dudó en verse a sí mismo y hacia delante. Who's progressive now, bitch?
¡Diviértanse!
El resultado en el buen y viejo Rock fue lo que los ingleses llamaron peyorativamente "Krautrock". Mientras el mundo anglosajón tenía a sus grandilocuentes Yeses y King Crimsons, haciendo gala de su sapiencia musical y flexionando sus músculos técnicos con gestos que tenían que evocar a héroes canónicos como Brahms y Dvorak hasta al muy contemporáneo monumento de Miles Davis, Alemania tenía en sus manos un bonche de bandas muy cercanas al avant-garde que buscaba no tanto una ruptura (bastante intelectual) con su propio pasado, sino, muy en el espíritu constructivista de la Bauhaus, una construcción casi manual del futuro y de la realidad. En términos más simples, fuck history, look forward and build yourself anew. Para los ingleses, esta nueva música salida del país de Wagner representaba una load of bollocks por su complejidad modernista - ellos intentaban equiparar al rock con el gran arte, y los debrayes de Stockhausen acerca de la compresión electrónica de la voz definitivamente no eran parte de eso. En fin, esto es sólo una vía de interpretación para esta ola de bandas que hacen música muy improvisada (arte = vida), larga (contenido = forma), y novedosa (moderna).
Prefiero dejar esto corto, así que como punto final de esta parca introducción me gustaría decir que el mundo no-Alemán todavía se tardó casi diez años más en producir algo de la misma calidad y altura: el festival de Rock In Opposition de 1978. No es que Yes o King Crimson fueran malos, pero ni muchísimo menos, sólo es que no fueron tan destructivamente avant-garde como lo fue el Krautrock o el Rock In Opposition. Por supuesto, para los 80s todo había cambiado y las tablas se habían volteado; el rock progresivo había caído en desgracia y los únicos que seguían contando con una considerable producción decente fueron los grupos que se habían aventurado de lleno al mundo de la electrónica, como Kraftwerk (quienes vienen a México con Radiohead... no me pregunten por qué) y Neu! Las bandas del RIO constituyen otra historia, la cual tal vez sea motivo de otro post.
(Para ir a las páginas de descarga copien el vínculo y péguenlo en su barra buscadora)
Amon Düül II:
1971 - Tanz Der Lemminge (Dance Of The Lemmings)
http://rapidshare.com/files/103031881/AD06.rar
pw para descomprimirlo: purgatory
[Locura llena de improvisación y utilización de ciertos instrumentos para fines que no son precisamente característicos de sí mismos (en este disco creo que no, pero en Phallus Dei, esta banda usa un violín como si fuera una guitarra y el resultado es sheer awesomeness), algo así como post-rock a la inversa.]
Kraftwerk:
Ralf und Florian 1972
http://www.megaupload.com/?d=A6BVX02V
[Supongo que ya los conocerán, los p(m)adres de la electrónica como la escuchamos hoy en día. Un disco mucho más famoso y que define esto es The Man Machine, pero no interesa para este post.]
Can:
Tago Mago 1971
http://www.mediafire.com/?5wp4f0juo62 parte 1
http://www.mediafire.com/?5do0ehumywu parte 2
[Pongámoslo como la respuesta más cercana al rock progresivo por parte de la escena alemana; improvisados guitarrazos, líneas de bajo pesadas y chingonas, una batería loca y complicada, todo con un tono experimental que se ve en la ausencia de una estructura lineal aunada a ataques electrónicos masivamente expansivos (tipo Xenakis) o perfectamente bien acoplados con los instrumentos, sonando a algo hecho ayer 2005,2006,2009... Si hay una banda por completo adelantada a su tiempo, era esta, y con este disco. No es casual que tres de sus miembros hayan estudiado con Stockhausen pocos años antes de crearlo, y se nota en todo momento (busquen los violinazos!).]
Popol Vuh:
Letzte Tage 1976
http://rapidshare.com/files/102128655/PV1976LTLN.rar
[Psicodelia de la más pura y desinhibida; no hay ideas, sino La Idea, el Universo, and awesome shit like that. Si querían soñar, sólo pongan este disco en el fondo. Una de las grandes bandas de este tiempo, y desafortunadamente una de las tantas que hacia los 80s ya sólo eran un pálido recuerdo de antiguas glorias.]
Ash Ra Tempel:
Homónimo 1971
http://rapidshare.com/files/156474352/Ash_Ra_Tempel_-_Ash_Ra_Tempel__1971_.rar
[El stoner rock siempre tendrá sus ojos puestos en la Flower Travellin' Band, tal vez Blue Cheer, Black Sabbath, qué se yo. Pero el Gran Debraye Psicodélico original está aquí, con Ash Ra Tempel. Bandas como Pharaoh Overlord y hasta Earthless le deben una gran parte de su sonido a este disco, entre otros. No por nada Color Haze grabó un disco llamado "Tempel". Behold.]
Tangerine Dream:
Phaedra 1974
http://rapidshare.com/files/46244626/1974__Phaedra.rar
[Electro-rock de vanguardia que mezcla una base casi free-jazzera con todos los conceptos y trucos del modernismo alemán, como la compresión de audio, los loops, y las ideas sobre el sonido electrónico como determinante de tono, ritmo, etc. sin ayuda de un tono, un ritmo, o etc. como tal]
Achim Reichel & Machines:
Die Grune Reise 1971
http://rapidshare.com/files/5113983/green_journey.rar
[Un vato de last.fm lo puso en mejores palabras que nadie forever and ever: "Fuck Pink Floyd. After they kicked out Syd Barrett, David Gilmour must have been masturbating to this record constantly. There's a lot of guitar looping, echoes and delay, electronic noodling and effects-driven arrangements. It's kind of amazing that Achim Reichel isn't more well-known considering this sound." No hay más que decir.]
Alcatraz- Vampire State Building 1971
http://rapidshare.com/files/5821892/alcatrazvampire.zip
[No lo he escuchado, pero según parece es también un disco esencial en cualquier colección de Krautrock. Bájenlo también y luego podemos discutirlo juntos. ]
Kluster:
Klopfzeichen 1970
http://sharebee.com/f9ae83d5
[El "ambient" original, que no es ambient a la Brian Eno, sino que demanda tu atención y te dice "oye tú, scheisse-man! trágate la obscuridad del mundo moderno! tú lo hiciste, después de todo..." Lo negro del paisaje en este disco es la realidad misma, y podemos notar mucho de la escuela de electrónica alemana de este tiempo.]
German Oak:
German Oak 1972
http://www.mediafire.com/?gwrzygmjkyw
[Mi contribución a la blogósfera; parece que no hay dónde encontrar este disco por ahí. Con el tema de la Segunda Guerra Mundial y grabado en un búnker durante el verano de 1972, este disco reclama una actitud decididamente política mostrada a través de la improvisación y un ambiente muy, pero muy Heavy. Ya verán a qué me refiero con esto último, pues el sonido de las guitarras como tal tiene poco de heavy metal, pero holy shit, cómo lo evoca.]
Bien, pues eso es todo por hoy. Disfruten del mundo del Krautrock y olvídense de lo que les enseñan en la escuela sobre el rock progresivo. No por nada algunos dicen que el Kraut es el auténtico rock nerd. Y eso que ellos nunca cantaron sobre alienígenas, elfos, y dragones., como... bueno, como muchos. Más bien tal aseveración indica no sólo el nivel de popularidad (casi nula)si nos vamos más allá de Kraftwerk) de la coyuntura, sino también su marcada cerebralidad, o como chingados quieran llamarle. Si el rock progresivo americano - anglosajón veía hacia atrás (Gentle Giant y sus medievalismos no dejan de ser cagados hoy en día), el alemán no dudó en verse a sí mismo y hacia delante. Who's progressive now, bitch?
¡Diviértanse!
sábado, 28 de febrero de 2009
De Magia Veterum
Hoy deseo hablarles de una banda de back metal llamada De Magia Veterum, pero antes quiero aclararles que su nombre esta inspirado en una obra de magia negra, con algunas relaciones al cristianismo, lo cual me confunde un poco y, lamentablemente, hasta ese punto no llega mi confusión: no pude encontrar literalmente por ningún lado la letra de los álbumes de esta banda, de las pistas no se entiende prácticamente nada por el estilo vocal y, por tal motivo, no sé de qué están hablando. Lo más interesante sería que nos dijeran algo en la letra del punto central de este post: de la magia.
Arbatel, De Magia Veterum es un libro o mejor dicho, un tratado sobre magia que según fue escrito en latín y publicado en Basilea en el año de 1575, del cual se desconoce la autoría y sólo se tiene un tomo de nueve titulado “El Isagoge” que, consiste en siete septenarios de aforismos.
Supuestamente el grupo inicial de aforismos sirve para introducir “El ritual de los Espíritus Olímpicos”, los cuales se encuentran en la tierra y en las estrellas, estos se dividen el gobierno del mundo y son: Aratron, Bethor, Phaleg, Och, Hagith, Ophiel y Phul, seres que reinan las 196 provincias olímpicas. Los poderes atribuidos a estos seres son sobre la materia, pero también sobre la naturaleza misma. Cada uno de ellos tiene atributos propios como de curación, alargar la vida, dar salud, sabiduría, etc.
En cuanto a su música, no tengo muchas palabras para describirla. Sólo sé que es difícil hablar de ella. Es como si te encontraras en medio del infierno, presenciando una masacre sin fin o en una especie de pasadilla, de las peores. Pareciera ser un ejército de hombres sin alma, proponerse a tocar para después hacer sacrificios en medio de un bosque negro y maldito. Al favor de esto nadie lo sabrá y lo posible por quedar es sólo sangre esparcida en un lodo testimonial. El canto del vocalista aparenta una fiera rugiendo, alguna especie de animal salvaje lleno de rabia, conduciendo un ritual macabro. Lo único que me sugiere son un montón de imágenes aterradoras, que se presentan ante tus ojos, que te recuerdan que siempre hay extremos y que algunos los llevan hasta el último lugar posible. Son una enfermedad recordándote que no hay más infierno sino el que nosotros creamos. Mil sonidos de todos tipos se apoderan de las canciones: es como sentarte bajo la caída de una cascada, la cual contiene todos los ecos y lamentos de las pesadillas creadas. En pocas palabras, eso es De Magia Veterum.
Descargar un poco de música enferma:
http://www.megaupload.com/?d=SMTIMWM0
http://www.archive.org/details/de_magia_veterum_-_spikes_through_eyes_2005
Para descargar en el segundo link, le ponen en el tamaño del archivo en “guardar como”.
Información:
http://www.sadena.com/arbatel/
http://arcalucis4.netfirms.com/FL2317.html
http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendid=160626402
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